La production de musique électronique est aujourd’hui l’un des genres et des modes de création musicale à la croissance la plus rapide. Avec des milliers d’instruments virtuels, de synthétiseurs électroniques et bien d’autres outils à portée de main, créer de la musique électronique qui captive les auditeurs peut être à la fois simple et intuitif. Dans ce guide, nous allons t’accompagner à travers toutes les étapes pour composer de la musique électronique. C’est parti !
Sommaire
Qu’est-ce que la musique électronique ?
La musique électronique est un genre musical créé à l’aide d’outils électroniques, d’ordinateurs ou de sons synthétisés. Elle se distingue des instruments traditionnels et acoustiques, où le son résulte de la vibration physique de l’instrument lui-même (cordes, percussions) ou de l’air qui le traverse (bois, cuivres).
Les synthétiseurs analogiques et les orgues électriques génèrent des sons à partir de tensions et de circuits électriques : ces signaux sont ensuite convertis en son par un amplificateur.
Les instruments numériques reposent sur des technologies plus récentes, reproduisant le comportement de la synthèse analogique sous forme de code binaire. Aujourd’hui, la musique électronique s’appuie largement sur les logiciels informatiques, offrant un champ de possibilités et une flexibilité sans précédent pour concevoir et manipuler les sons de manière numérique.
La musique électronique s’est développée tout au long de la seconde moitié du XXe siècle et continue d’évoluer, de se diversifier et de gagner en popularité. De nouvelles technologies, techniques de production et sous-genres voient constamment le jour, ce qui rend la musique électronique particulièrement dynamique et novatrice.
Du disco à la synth-pop en passant par l’EDM et le hip-hop, les genres électroniques trouvent leurs racines dans les scènes underground, mais dominent de plus en plus l’industrie musicale grand public et commerciale.
La musique électronique peut être composée exclusivement à l’aide d’instruments électroniques, ou combiner des éléments électroniques et acoustiques, par exemple en intégrant des synthétiseurs dans la formation d’un groupe sur scène, ou en échantillonnant des sons du monde réel au sein d’une composition numérique.
Les logiciels et outils pour composer de la musique électronique
Que tu fasses de la musique électronique chez toi ou en studio, tu auras besoin d’un ensemble d’outils spécifiques en plus d’un ordinateur.
Découvrons ensemble les logiciels et équipements indispensables pour commencer à produire de la musique électronique.
1. DAW
Une station de travail audio numérique (ou DAW, pour Digital Audio Workstation) est le logiciel central pour faire de la musique électronique. Les séquenceurs logiciels concentrent toute la puissance d’un studio dans ton ordinateur, en offrant la possibilité d’enregistrer, d’éditer et de mixer de vastes projets multipistes. Un DAW sert de plaque tournante à l’ensemble de ta configuration, capable de traiter des enregistrements audio en parallèle d’instruments virtuels et de matériel externe. La plupart des producteurs privilégient les DAW pour leur polyvalence et leur connectivité tout-en-un.
1. MIDI Controller
Les contrôleurs MIDI offrent une interface matérielle pour piloter et jouer d’autres appareils, y compris des instruments virtuels. Ils existent sous toutes les formes et tailles : les plus répandus sont les claviers de type piano, idéaux pour jouer des mélodies avec une dynamique expressive, ou les pads de batterie, particulièrement adaptés pour programmer des rythmes ou déclencher des samples.
Un contrôleur MIDI est très utile pour composer de la musique électronique, car il combine le toucher d’un instrument physique avec un choix pratiquement infini de sons et d’effets logiciels. C’est un excellent moyen d’enrichir ton workflow et tes possibilités créatives sans te ruiner.
MASCHINE de Native Instruments peut servir de contrôleur MIDI. MASCHINE te permet de produire des beats, des mélodies et des harmonies grâce à une combinaison matérielle et logicielle de pointe.
3. Sound libraries
Les samples et les boucles constituent les piliers de la musique électronique. Tu peux concevoir les tiens de toutes pièces ou profiter d’un vaste éventail d’Expansions dédiées à des genres précis pour gagner du temps ou pour débuter facilement dans la création de beats et de projets.
Kontakt est l’échantillonneur de référence de Native Instruments. En plus des frappes de batterie et des sons de synthé, sa vaste bibliothèque intègre des enregistrements de grande qualité d’instruments réels. Tu peux même reproduire les nuances dynamiques d’un orchestre symphonique complet, presque indiscernable d’une formation acoustique.
4. Plugins
Les plug-ins sont des modules audio logiciels qui fonctionnent au sein de ton séquenceur, te permettant d’ajouter de nouveaux sons et de nouvelles fonctionnalités. Ils se divisent en deux grandes catégories : les instruments et les effets.
Certains instruments virtuels sont des émulations de machines matérielles existantes, tandis que d’autres tirent parti de la puissance des ordinateurs pour offrir une complexité réalisable uniquement sous forme logicielle. Les synthétiseurs virtuels ont tendance à proposer davantage de fonctionnalités pour un prix plus accessible, ce qui te permet de constituer ta propre palette d’outils de création musicale sans sacrifier ton budget ni ton espace.
Les plug-ins d’effets modifient le signal audio d’entrée d’une multitude de façons. Les effets créatifs incluent la distorsion, le filtrage et l’égaliseur, le delay et la réverbe, ainsi que des modulations telles que le trémolo, le chorus, le flanger et le phaser. Des effets plus subtils sont appliqués plus tard dans le processus de production pour nettoyer ou corriger un mixage.
Si tu as envie d’essayer des plug-ins, tu peux télécharger Komplete Start, qui contient plus de 2 000 sons de qualité studio. Il offre tout ce dont tu as besoin pour composer de la musique électronique : 16 synthés et instruments échantillonnés de qualité professionnelle, ainsi que des effets, des boucles et des samples.
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5. Audio interface
Une interface audio sert de passerelle entre le logiciel et le matériel, avec de nombreuses entrées pour instruments et micros, ainsi que des sorties pour enceintes et casques.
Connecte une interface audio à ton ordinateur via USB pour garantir une qualité d’enregistrement irréprochable. De nombreuses interfaces intègrent également des entrées et sorties MIDI, ce qui en fait un élément essentiel pour relier les différents appareils au sein de ton studio.
6. Speakers or headphones
En plus de tout cela, tu auras besoin d’un bon casque ou d’une paire d’enceintes de monitoring pour écouter tes morceaux électroniques. Découvre le guide d’iZotope sur les casques et les enceintes pour déterminer ce qui convient le mieux à ton installation.
Comment créer de la musique électronique
1. Choose your subgenre
Le terme « musique électronique » est une appellation générique regroupant une multitude de genres et de styles interconnectés. Avant de composer, prends le temps d’écouter différents sous-genres de musique électronique pour définir le style dans lequel tu souhaites te lancer. Bien que cette sélection ne soit pas exhaustive, voici quelques guides dédiés à différents genres pour t’aider à choisir :
Prends également le temps d’explorer les différents logiciels d’EDM et de musique électronique disponibles pour obtenir la sonorité exacte que tu recherches.
2. Détermine le tempo
De nombreux sous-genres de musique électronique accordent une place centrale aux percussions et à la batterie : on peut donc les distinguer par leur tempo (mesuré en battements par minute, ou BPM).
La techno et la trance sont construites autour d’un kick 4/4 puissant et entraînant à environ 140 BPM, ce qui correspondrait au rythme cardiaque accéléré lorsqu’on danse intensément en club. L’electro tourne à un tempo similaire, mais adopte une ambiance plus saccadée et décalée avec des rythmes syncopés.
Le disco et la house utilisent le même motif de kick régulier « four-on-the-floor » à un tempo plus lent, généralement entre 120 et 130 BPM. L’espace plus important entre chaque temps laisse place à davantage de swing et de groove chaleureux dans les percussions. Le UK garage se situe dans le haut de cette fourchette, tandis que des genres comme le hardcore et le gabber poussent le rythme 4/4 au-delà des 160 BPM pour une énergie intense et frénétique.
La jungle et la drum & bass adoptent des tempos tout aussi élevés (généralement autour de 170 BPM), mais le rythme est souvent perçu à demi-vitesse (half-time) en raison de la façon dont les motifs sont séquencés. Le même principe s’applique au dubstep : les morceaux oscillent généralement autour de 140 BPM, mais cette sensation half-time leur confère cette lourdeur oscillante caractéristique, avec beaucoup d’espace entre les kicks et les snares.
Les beats de hip-hop se situent généralement entre 70 et 100 BPM, selon que tu souhaites une atmosphère énergique et percutante ou quelque chose de plus posé et détendu. Les productions trap et drill ont tendance à paraître un peu plus rapides, intégrant souvent des rythmes à double vitesse (double-time) dans leurs roulements de hi-hats caractéristiques.
Certains genres électroniques, comme la new wave et la synth-pop, explorent une plage de tempos très étendue. D’autres, comme l’ambient, la musique expérimentale ou l’IDM, dépendent beaucoup moins de rythmes stricts et se passent parfois totalement de beat.
3. Compose ton beat de batterie
De nombreux genres électroniques sont nés dans les clubs et pour la danse. En raison de ces racines, il est très courant de commencer la composition d’un morceau de musique électronique par le beat avant d’ajouter les accords et les éléments mélodiques.
Un beat de batterie solide sert de fondation et insuffle l’énergie générale d’un morceau. Quel que soit le style, certains éléments clés composent toujours un rythme : kick, snare ou clap, hi-hats et cymbales, toms et autres fûts accordés.
La manière de séquencer et d’arranger tes rythmes dépendra du sous-genre que tu souhaites créer. Écoute donc attentivement des morceaux de référence pour bien cerner comment les rythmes évoluent et comment chaque élément se complète pour forger le son global.
Un échantillonneur de batterie dédié comme BATTERY facilite grandement l’écoute et la comparaison des samples, le mixage et le traitement individuel de chaque canal, ainsi que le mapping des kits pour les déclencher en MIDI.
Il est également très utile d’apprendre à composer de la musique électronique à l’aide de samples et de breaks. Récupérer et découper des extraits de vinyles existants est une longue tradition dans la dance et le hip-hop. Les breakbeats apportent de la couleur, de la texture et du swing là où les rythmes électroniques risqueraient autrement de paraître rigides et statiques.
Voici à quoi peut ressembler un beat de batterie house basique.
4. Créer une ligne de basse
Dans la musique électronique, la basse joue à la fois un rôle mélodique et percussif : il est donc primordial de soigner l’interaction entre la ligne de basse et le beat de batterie.
Les fréquences graves se ressentent dans tout le corps, et une grande partie de la musique électronique est portée par la basse : d’ailleurs, les arrangements en dance music se résument souvent au seul duo batterie-basse.
La basse peut prendre de multiples formes et se faire aussi simple ou complexe que tu le souhaites : des phrasés mélodiques d’une basse jouée en live ou samplée jusqu’aux donks percussifs et aux grondements de sub-bass. La basse peut renforcer les impacts du beat ou jouer sur des syncopes pour créer davantage de contraste rythmique en accentuant les contretemps.
Écoute ci-dessous ce que peut donner une ligne de basse house.
Découvre comment composer des lignes de basse dans ce tutoriel détaillé.
5. Choisir tes accords
Les accords touchent directement au cœur et véhiculent toute l’émotion d’un morceau. La plupart des titres populaires reposent sur des progressions d’accords familières, voire assez prévisibles, jouant avec nos attentes musicales forgées par tout ce que nous avons déjà écouté.
La musique électronique ne déroge pas à la règle. La dance music se résume souvent à quelques accords tournant en boucles répétitives, employés presque davantage comme des percussions que comme des mélodies : au sein de cette trame minimaliste, le moindre changement d’accord gagne un impact décuplé.
Les morceaux plus expérimentaux prennent quant à eux des tournants inattendus, déjouant totalement nos prédictions. D’une certaine manière, le secret d’une musique percutante réside dans un savant équilibre entre le familier et l’inconnu, le prévisible et l’inattendu.
L’instinct et le feeling sont essentiels pour composer des accords, mais il existe aussi une théorie technique expliquant ce qui « fonctionne », forgée par des siècles d’histoire et de conventions. Maîtriser les bases de la théorie musicale t’aidera grandement à dompter les accords et les intervalles de notes dans tes propres productions et compositions.
Un autre outil précieux pour générer des progressions d’accords en production électronique est PLAYBOX, un instrument de la Play Series de Native Instruments qui associe la génération d’accords à la superposition d’échantillons et à des effets créatifs.
6. Composer une mélodie
Dans de nombreux styles de pop et de musique électronique, la mélodie constitue le hook principal (la topline) : le centre de l’attention, l’élément le plus mémorable, celui qui reste gravé en tête.
La mélodie est étroitement liée à la progression des accords et de la basse dans ton morceau, et répond aux mêmes règles d’harmonie et de théorie musicale. Certaines notes de la mélodie viendront enrichir un accord, tandis que d’autres créeront des frottements et de la tension (ce qui peut tout à fait être intentionnel !).
La formule magique d’une excellente mélodie ne s’enseigne pas si facilement. Parfois, un compositeur sait d’instinct quand un passage sonne juste, sans nécessairement pouvoir l’expliquer par la théorie musicale. Cela repose en grande partie sur la persévérance et sur une oreille affûtée au fil des années d’expérience.
Pour aller plus loin et explorer d’autres analyses, consulte notre guide pour composer des mélodies.
7. Créer des effets de transition
Les transitions sont primordiales : elles assurent la fluidité entre les différentes sections et gèrent l’énergie du morceau, conférant à la composition une réelle cohésion et une belle harmonie d’ensemble.
Les fills de batterie sont fréquemment utilisés pour marquer la fin d’une phrase de quatre, huit ou seize mesures. Il peut s’agir d’un simple break de caisse claire ou de toms, ou encore de l’ajout d’un crash de cymbale. Une astuce très répandue en dance music consiste à utiliser un roulement de caisse claire progressif, passant des noires aux croches puis aux doubles croches, gagnant en intensité à chaque étape.
Les montées de bruit blanc (sweeps) et les risers tonals s’utilisent de la même façon pour préparer un drop percutant en EDM, un genre où la dynamique est particulièrement incisive et frontale. Le filtre passe-haut s’avère également très efficace pour accentuer l’impact : on coupe les basses avant de les faire réexploser.
Un silence savamment placé peut aussi servir de transition redoutable. On le remarque souvent dans les morceaux dance au sommet de la montée, juste avant le drop. Même si les exemples ci-dessus sont plutôt démonstratifs, n’oublie pas que la simplicité a parfois bien plus d’impact. Retirer des éléments permet de recentrer l’attention de l’auditeur et se révèle souvent aussi efficace que d’en rajouter.
Pour en savoir plus sur la création de transitions dans tes productions de musique électronique, découvre l’article d’iZotope dédié aux conseils pour l’EDM.
8. Ajouter des effets sur les voix et les instruments
En musique électronique, les effets servent à fondre les éléments entre eux et à enrichir les sons, créant une véritable sensation d’espace. Une utilisation plus poussée permet d’obtenir des résultats saisissants et extrêmes, métamorphosant le signal d’origine au point de le rendre méconnaissable.
Appliquer des effets sur les pistes de voix ou d’instruments apporte de la variété, évitant de simplement répéter des boucles à l’identique. Cela suscite la curiosité et préserve la fraîcheur et la dynamique du morceau pour l’auditeur.
Dans cette vidéo de la série Sketches, Calum du duo Clouds détaille son approche du design sonore : il superpose des patches avant de les traiter avec des effets de manière intuitive. Il recourt abondamment à des plug-ins de delay pour concevoir des boucles rythmiques évolutives qu’il qualifie de « techno instantanée ». La distorsion et le bruit viennent ensuite booster les presets et déployer un vaste paysage sonore doté d’une immense profondeur.
9. Mixer et masteriser
Le mixage et le mastering constituent les étapes ultimes du processus, regroupées sous le terme de « post-production ». C’est là que les enregistrements sont ajustés, équilibrés et polis pour aboutir à la version définitive d’un morceau.
Alors que la post-production était traditionnellement dissociée de la création musicale pure, les producteurs et les artistes prennent de plus en plus en main l’ensemble de la chaîne de production. Le mixage est une étape cruciale pour conférer à la musique électronique un son percutant et professionnel : l’idéal est d’obtenir le bon équilibre dès l’enregistrement, plutôt que de devoir appliquer des corrections après coup.
Pour les sorties professionnelles, il reste d’usage de confier le mastering à des ingénieurs spécialisés. Cela dit, maîtriser les bases du mastering d’un beat affinera ta compréhension de la production musicale et valorisera sans aucun doute la qualité globale de tes morceaux.
La structure d’un morceau de musique électronique
Il n’existe pas de règle absolue pour arranger un morceau, mais de nombreux styles et genres musicaux adoptent des structures de morceaux similaires et familières.
Pendant près d’un siècle, la structure classique couplet-refrain a dominé les charts de musique populaire. Ces dernières années, toutefois, les tubes commerciaux s’inspirent de plus en plus des sonorités et des arrangements des morceaux dance issus de la scène électronique underground.
La dance music est fonctionnelle : sa structure est spécialement pensée pour les sets des DJ en club. L’accent est donc mis sur les sections et les motifs répétitifs, avec moins de variations au sein d’une même piste, car c’est au DJ qu’incombe la tâche de créer une mosaïque de sonorités et de variations d’énergie.
Cela dit, de nombreuses productions électroniques reprennent encore le schéma traditionnel de la chanson pop. Nous détaillons ci-dessous les principales sections d’un morceau à titre indicatif, mais rien ne t’empêche de t’en affranchir. Écoute ton projet et repère les moments où un passage paraît précipité, ou à l’inverse où il s’étire et devient lassant, puis agence la structure de ton morceau comme cela te semble le plus juste.
1. L'intro
L’intro constitue l’amorce d’un morceau : c’est là que se mettent en place le style, le tempo et l’instrumentation.
Comme il s’agit de la première chose que l’on entend, réussir une intro percutante est fondamental. C’est le moment idéal pour capter l’attention de l’auditeur : l’intro agit comme une déclaration d’intention, une opportunité de marquer les esprits et d’installer le décor de ce qui va suivre sur le plan musical.
Certaines intros reprennent les mêmes accords ou le même hook que le couplet ou le refrain, tandis que dans d’autres cas, l’intro forme une partie distincte qui n’apparaît qu’une seule fois.
Les intros des titres dance ne font généralement entendre que quelques éléments isolés, avant que d’autres couches ne s’y ajoutent par la suite. Elles démarrent souvent par un beat de batterie, facilitant ainsi l’enchaînement de plusieurs morceaux lors d’un set de DJ.
2. Le couplet
Les couplets apportent traditionnellement l’élan qui donne au morceau sa structure linéaire, du début à la fin. Dans les morceaux chantés, c’est dans les couplets que se concentre le récit.
Beaucoup de morceaux électroniques sont instrumentaux, mais cela ne t’empêche pas de développer une véritable trame à l’aide de lignes mélodiques. À ce stade du morceau, le beat est bien installé et la majeure partie de l’instrumentation est en place.
Comme dans l’ensemble de la musique populaire, de nombreux genres électroniques s’organisent en blocs de quatre, huit ou seize mesures. Des couplets d’une durée constante offrent au morceau une régularité et un équilibre à la fois familiers et agréables à l’oreille.
3. La montée (riser / build-up)
Les montées (build-ups) sont omniprésentes dans la techno et l’EDM. Ces genres reposent sur la tension et le relâchement : la montée fait office de transition, faisant grimper la pression et l’intensité avant l’explosion libératrice du refrain ou du drop.
Le principe est identique dans la pop traditionnelle, où cette section est souvent appelée pré-refrain. Il s’agit d’un court intermède qui peut servir de transition entre la progression d’accords du couplet et celle du refrain. Voici à quoi peut ressembler un riser.
4. Le refrain / drop
Le refrain est le point culminant du morceau, le moment où l’énergie et l’instrumentation atteignent leur apogée. Il met en avant le message principal et les thèmes musicaux majeurs.
En production de musique électronique, il est courant de composer cette section en premier, car c’est généralement la plus dense et la plus complexe : une fois le gros drop en place, il suffit souvent de retirer des éléments pour construire le reste de l’arrangement.
L’une des caractéristiques fondamentales du refrain est sa répétition. Si ton morceau comporte une partie vocale, le refrain reprend généralement les mêmes paroles à chaque fois. Cela dit, il est judicieux d’y apporter des variations pour maintenir la dynamique : réitérer un drop parfaitement identique aura bien moins d’impact que de lui insuffler une petite nuance inédite lors de son deuxième passage.
5. Le solo
Le solo est une section instrumentale prenant la forme d’une improvisation libre, mettant en valeur la virtuosité d’un musicien sur un instrument lead.
Inspirés du jazz et du blues, les solos sont omniprésents dans le rock et le metal axés sur la guitare. Avec l’avènement des instruments électroniques, les solos de synthétiseur ont pris une place prépondérante à partir des années 1970.
6. Le break ou pont
Le pont est une section unique qui intervient généralement vers la fin du morceau, contrastant avec les couplets et le refrain pour renouveler l’intérêt. Souvent appelé « middle-eight », il sert fréquemment de transition vers le dernier refrain, apportant un surcroît d’intensité avant le dénouement du morceau.
Le breakdown en est l’équivalent dans la musique électronique. Cette section offre un temps de respiration et permet aux danseurs de souffler un instant : l’instrumentation s’allège, les percussions lourdes et les lignes de basse sont retirées. Le son peut même s’estomper jusqu’au silence avant de renaître lors d’une montée épique.
7. L'outro
L’outro représente la conclusion d’un morceau. Elle peut consister en un simple fondu vers le silence (fade-out) ou en une progression d’accords travaillée aboutissant sur la tonique. Des fills sont souvent employés pour annoncer la fin du titre afin d’éviter une coupure trop abrupte.
Dans les styles de musique dance, l’outro remplit la même fonction que l’intro : une section répétitive, souvent épurée et axée sur les percussions, qui permet aux DJ d’enchaîner sur le morceau suivant à l’aide d’une table de mixage physique ou d’un logiciel tel que TRAKTOR.
Lance-toi dans la musique électronique
Créer de la musique électronique peut être une expérience passionnante et gratifiante, pour les novices comme pour les pros de la production. Avec le bon équipement, les bons logiciels et les connaissances nécessaires, tout le monde peut créer des sonorités uniques et exprimer sa vision artistique. N’hésite pas à expérimenter et à explorer différentes techniques, mais sois aussi patient(e) avec toi-même, car la courbe d’apprentissage peut s’avérer abrupte.
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