Die Produktion elektronischer Musik gehört heute zu den am schnellsten wachsenden Musikgenres und Produktionsmethoden überhaupt. Mit Tausenden von digitalen Instrumenten, elektronischen Synthesizern und mehr direkt zur Hand kann das Produzieren elektronischer Musik, die dein Publikum begeistert, ganz einfach und intuitiv sein. In diesem Guide begleiten wir dich Schritt für Schritt durch den gesamten Prozess. Legen wir los!
Inhalt
Was ist elektronische Musik?
Elektronische Musik ist ein Musikgenre, das mit elektronischen Instrumenten, Computern oder synthetisierten Sounds entsteht. Sie unterscheidet sich von traditionellen, akustischen Instrumenten, bei denen der Klang durch die physische Schwingung des Instruments selbst (Saiten, Percussion) oder durch hindurchströmende Luft (Holz- und Blechbläser) erzeugt wird.
Analoge Synthesizer und elektronische Orgeln erzeugen Klänge durch elektrische Spannungen und Schaltkreise – diese Signale werden über einen Verstärker in hörbaren Sound umgewandelt.
Digitale Instrumente basieren auf modernerer Technologie und bilden das Verhalten analoger Synthese in Binärcode nach. Die elektronische Musik von heute setzt stark auf Computersoftware und bietet beispiellose Möglichkeiten und Flexibilität beim digitalen Erstellen und Bearbeiten von Sounds.
Elektronische Musik entwickelte sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und wächst, diversifiziert sich und gewinnt stetig an Popularität. Ständig entstehen neue Technologien, Produktionstechniken und Subgenres, was elektronische Musik unglaublich dynamisch und zukunftsorientiert macht.
Von Disco und Synth-Pop bis hin zu EDM und HipHop: Elektronische Musikgenres haben ihre Wurzeln im Underground, dominieren heute aber zunehmend die kommerzielle Mainstream-Musiklandschaft.
Elektronische Musik kann vollständig mit elektronischen Instrumenten komponiert werden oder aus einer Kombination von elektronischen und akustischen Elementen bestehen – etwa durch die Integration von Synthesizern in ein Live-Band-Setup oder das Samplen realer Klänge in einer digitalen Komposition.
Software und Tools für elektronische Musik
Ganz gleich, ob du elektronische Musik zu Hause oder im Studio produzierst: Neben einem Computer brauchst du ein bestimmtes Set an Werkzeugen.
Werfen wir einen Blick auf die grundlegende Software und das Equipment, das du für die Produktion elektronischer Musik benötigst.
1. DAW
Eine Digital Audio Workstation ist die wichtigste Software für die Produktion elektronischer Musik. DAWs bringen die geballte Power eines Studios auf deinen Computer – mit allen Möglichkeiten zum Aufnehmen, Bearbeiten und Mischen großer Multitrack-Projekte. Eine DAW fungiert als zentrale Schaltstelle für dein gesamtes Setup und bindet Audioaufnahmen ebenso wie virtuelle Instrumente und externe Hardware nahtlos ein. Die meisten Produzent*innen schätzen DAWs vor allem wegen ihrer Vielseitigkeit und der All-in-one-Konnektivität.
1. MIDI Controller
MIDI-Controller bieten eine Hardware-Schnittstelle zum Steuern und Einspielen anderer Geräte, einschließlich virtueller Instrumente. Es gibt sie in allen erdenklichen Formen und Größen – am beliebtesten sind Keyboards mit Klaviatur, ideal zum dynamischen Einspielen von Melodien, oder Drum-Pads, mit denen sich Beats und Rhythmen eintappen oder Samples triggern lassen.
Ein MIDI-Controller ist beim Produzieren elektronischer Musik ungemein praktisch, da er die Haptik eines Hardware-Instruments mit einer nahezu unendlichen Auswahl an Software-Sounds und Effekten verbindet – perfekt, um deinen Workflow und deine kreativen Möglichkeiten zu erweitern, ohne das Budget zu sprengen.
MASCHINE von Native Instruments lässt sich auch als MIDI-Controller nutzen. Mit MASCHINE produzierst du Beats, Melodien und Harmonien mithilfe modernster Soft- und Hardware.
3. Sound libraries
Samples und Loops sind die Grundbausteine elektronischer Musik. Du kannst sie von Grund auf selbst erstellen oder auf eine riesige Auswahl genrespezifischer Expansions zurückgreifen – das spart Zeit und erleichtert dir als Einsteiger*in den Start beim Bauen von Beats und Projekten.
Kontakt ist der Flaggschiff-Sampler von Native Instruments. Neben Drum-Hits und Synth-Sounds umfasst seine riesige Library auch hochwertige Aufnahmen echter Instrumente. Du kannst sogar die feinen dynamischen Nuancen eines kompletten Symphonieorchesters emulieren – praktisch nicht vom Original zu unterscheiden.
4. Plugins
Plug-ins sind Software-Audioeinheiten, die innerhalb deiner DAW laufen und dir neue Sounds und Features an die Hand geben. Man unterscheidet zwei Hauptkategorien von Plug-ins: Instrumente und Effekte.
Manche virtuellen Instrumente sind Emulationen bestehender Hardware, während andere die Rechenleistung moderner Computer nutzen, um eine Komplexität zu erreichen, die nur in Softwareform denkbar ist. Soft-Synths bieten meist mehr Features zu einem günstigeren Preis – so kannst du dir dein eigenes Toolkit für die digitale Musikproduktion zusammenstellen, ohne Kompromisse bei Budget oder Platz machen zu müssen.
Effekt-Plug-ins verändern ein eingehendes Audiosignal auf vielfältige Weise. Zu den kreativen Effekten zählen Verzerrung (Distortion), Filter und EQ, Delay und Reverb sowie Modulationseffekte wie Tremolo, Chorus, Flanger und Phaser. Subtilere Effekte kommen später im Produktionsprozess zum Einsatz, um einen Mix aufzuräumen oder zu korrigieren.
Wenn du ein paar Plug-ins ausprobieren möchtest, hol dir Komplete Start mit über 2.000 Sounds in Studioqualität. Das Bundle enthält alles, was du für den Einstieg in die elektronische Musik brauchst: 16 professionelle Synths und gesampelte Instrumente sowie Effekte, Loops und Samples.
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5. Audio interface
Ein Audio-Interface ist das Bindeglied zwischen Soft- und Hardware – mit zahlreichen Eingängen für Instrumente und Mikrofone sowie Ausgängen für Lautsprecher und Kopfhörer.
Schließe ein Audio-Interface per USB an deinen Computer an, um beste Audioqualität bei Aufnahmen zu gewährleisten. Viele Interfaces bieten zudem MIDI-Ein- und -Ausgänge – ein unverzichtbares Werkzeug, um unterschiedliche Geräte in deinem Studio-Workflow miteinander zu verbinden.
6. Speakers or headphones
Neben all dem brauchst du ein solides Paar Kopfhörer oder Lautsprecher, um deine elektronischen Tracks abzuhören. Sieh dir den Kopfhörer- und Lautsprecher-Guide von iZotope an, um herauszufinden, was am besten zu deinem Produktions-Setup passt.
How to make electronic music
1. Choose your subgenre
„Elektronische Musik“ ist ein Oberbegriff für ein weites Geflecht miteinander verknüpfter Genres und Stile. Nimm dir vor dem Produzieren etwas Zeit, um in verschiedene Subgenres der elektronischen Musik reinzuhören und herauszufinden, welchen Stil du machen möchtest. Diese Liste ist zwar keineswegs vollständig, aber hier findest du Guides zu verschiedenen Genres:
Nimm dir außerdem Zeit, die verschiedenen verfügbaren EDM- und Elektronik-Software-Tools zu erkunden, um genau den Sound zu finden, den du suchst.
2. Determine the tempo
In vielen Subgenres der elektronischen Musik bilden markante Drums das Herzstück – deshalb lassen sie sich gut anhand ihres Tempos unterscheiden (gemessen in Beats per Minute oder BPM).
Techno und Trance basieren auf einer lauten, treibenden 4/4-Kick-Drum bei rund 140 BPM – was in etwa dem erhöhten Herzschlag beim ekstatischen Tanzen im Club entspricht. Electro bewegt sich in einem ähnlichen Tempobereich, setzt aber eher auf glitchige, vertrackte Vibes mit Broken Beats.
Disco und House nutzen das gleiche regelmäßige „Four-on-the-floor“-Kick-Pattern bei einem moderateren Tempo – meist zwischen 120 und 130 BPM. Mehr Raum zwischen den Beats sorgt für mehr Swing und souliges Feeling in den Percussion-Grooves. UK Garage bewegt sich am schnelleren Ende dieses Spektrums, während Genres wie Hardcore und Gabber den 4/4-Beat für maximale, frenetische Energie auf über 160 BPM hochschrauben.
Jungle und Drum & Bass nutzen ähnlich hohe Tempi (meist um die 170 BPM), allerdings nehmen wir den Beat durch das Rhythmus-Sequencing meist in Half-Time wahr. Dasselbe Prinzip gilt für Dubstep: Tracks liegen oft bei 140 BPM, doch erst das Half-Time-Feeling verleiht ihnen die typische, rollende Dynamik mit viel Raum zwischen Kicks und Snares.
HipHop-Beats bewegen sich meist im Bereich von 70 bis 100 BPM – je nachdem, ob du einen energetischen, treibenden Vibe oder etwas Entspanntes und Laid-back suchst. Trap- und Drill-Tracks wirken oft etwas schneller, da sie in ihren charakteristisch ratternden Hi-Hats häufig Double-Time-Rhythmen einsetzen.
Manche elektronischen Genres wie New Wave und Synth-Pop umfassen Songs in ganz unterschiedlichen Tempi. Andere wie Ambient, Experimental und IDM zeichnen sich weniger durch starre Beats aus – manche verzichten sogar gänzlich auf ein Beat-Gerüst.
3. Write your drum beat
Viele elektronische Genres entstanden ursprünglich in Clubs und auf Tanzflächen. Wegen dieser Wurzeln beginnt die Produktion elektronischer Musik sehr oft mit dem Beat, bevor Akkorde und melodische Elemente hinzukommen.
Ein solider Drum-Beat dient als Fundament und legt die grundlegende Energie eines Tracks fest. Egal in welchem Stil: Jeder Beat besteht aus einigen zentralen Komponenten – Kick, Snare oder Clap, Hi-Hats und Cymbals, Toms und anderen gestimmten Drums.
Wie du Beats programmierst und arrangierst, hängt vom gewählten Subgenre ab. Hör dir Referenz-Tracks deshalb ganz genau an, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie sich die Rhythmen bewegen und die einzelnen Elemente zu einem stimmigen Gesamtbild zusammenfügen.
Ein spezieller Drum-Sampler wie BATTERY macht es dir leicht, Samples vorzuhören und zu vergleichen, jeden Kanal einzeln abzumischen und zu bearbeiten und Kits so zu mappen, dass sie über MIDI getriggert werden können.
Es lohnt sich außerdem zu lernen, wie man elektronische Musik mit Samples und Breaks produziert. Das Samplen und Flippen von Schnipseln bestehender Platten hat in der Dance-Musik und im HipHop eine lange Tradition. Breakbeats bringen Farbe, Textur und Swing ins Spiel – dort, wo elektronische Beats sonst schnell starr und statisch wirken können.
So kann ein einfacher House-Drumbeat klingen:
4. Erstelle eine Bassline
In der elektronischen Musik fungiert der Bass sowohl als Melodie als auch als Percussion. Deshalb ist das perfekte Zusammenspiel von Bassline und Drumbeat essenziell.
Die tiefen Frequenzen spürt man im ganzen Körper, und viele elektronische Genres werden maßgeblich vom Bass angetrieben – oft sind Dance-Arrangements sogar komplett auf Drums und Bass reduziert.
Bass gibt es in vielen Formen und er kann so simpel oder aufwendig sein, wie du möchtest – von melodischen Läufen eines gesampleten oder echten E-Basses bis hin zu perkussiven Donks und grollendem Sub-Bass. Der Bass kann die Akzente des Beats verstärken oder synkopisch dagegen gesetzt werden, um rhythmische Kontraste zu erzeugen und die Off-Beats zu betonen.
Hör dir unten an, wie eine House-Bassline klingen kann.
Erfahre in diesem ausführlichen Tutorial mehr über das Schreiben von Basslines.
5. Wähle deine Akkorde
Akkorde berühren uns emotional und tragen das Gefühl eines Musikstücks. Die meisten populären Songs folgen vertrauten, fast formelhaften Akkordmustern und spielen mit unseren Hörgewohnheiten und Erwartungen.
Elektronische Musik ist da keine Ausnahme. Dance-Tracks sind typischerweise auf wenige Akkorde in repetitiven Loops reduziert und funktionieren oft eher perkussiv als melodisch – in diesem minimalistischen Rahmen wirkt jede kleine Veränderung in der Harmonik umso stärker.
Experimentellere Musik nimmt Wendungen, mit denen wir nicht gerechnet haben, oder widersetzt sich jeglicher Vorhersehbarkeit. Gewissermaßen liegt das Geheimnis wirkungsvoller Musik in der perfekten Balance zwischen Vertrautem und Unbekanntem, Erwartetem und Unerwartetem.
Instinkt und Gefühl spielen beim Schreiben von Akkorden eine zentrale Rolle, doch es gibt auch eine Musiktheorie dahinter, was „funktioniert“ – gewachsen aus jahrhundertealten Konventionen. Wenn du dich mit den Grundlagen der Musiktheorie vertraut machst, hilft dir das enorm dabei, Akkorde und Intervalle beim Songwriting und Produzieren gezielt einzusetzen.
Ein weiteres Tool, das dich beim Generieren von Akkordfolgen für elektronische Produktionen unterstützen kann, ist PLAYBOX – ein Play Series-Instrument von Native Instruments, das Akkord-Generierung mit Sample-Layering und Effekten kombiniert.
6. Schreibe eine Melodie
In vielen Pop- und Electronic-Genres ist die Melodie die Topline-Hook – das absolute Zentrum der Aufmerksamkeit, das eingängigste Element und der Teil, der im Kopf hängenbleibt.
Die Melodie ist eng mit den Akkorden und dem Bass deines Tracks verknüpft und folgt denselben Regeln von Harmonielehre und Musiktheorie. Bestimmte Noten in der Melodie harmonieren perfekt mit einem Akkord, während andere Reibung erzeugen und für Spannung sorgen – was natürlich absolut gewollt sein kann!
Wie man eine großartige Melodie schreibt, lässt sich nicht einfach nach Lehrbuch vermitteln. Manchmal spüren Songwriter*innen einfach intuitiv, wenn etwas stimmt, ohne es musiktheoretisch begründen zu können. Vieles hängt von Durchhaltevermögen und Gehörbildung durch jahrelange Erfahrung ab.
Weitere Einblicke und Analysen findest du in unserem Leitfaden zum Schreiben von Melodien.
7. Erstelle Übergangseffekte
Übergänge sind wichtig, weil sie für Flow zwischen verschiedenen Songteilen und Energieleveln sorgen und dem Track einen schlüssigen Gesamtzusammenhang verleihen.
Drum-Fills werden oft eingesetzt, um das Ende einer Phrase aus vier, acht oder 16 Takten zu markieren. Das kann ein kurzes Snare- oder Tom-Fill sein oder ein zusätzlicher Cymbal-Crash. Ein beliebter Trick in der Dance-Musik ist ein ausgedehnter Snare-Roll, der sich schrittweise von Viertelnoten über Achtel- bis zu Sechzehntelnoten steigert und dabei immer intensiver wird.
White-Noise-Swells und tonale Riser werden auf ähnliche Weise genutzt, um auf einen großen Drop in EDM-Tracks hinzuarbeiten – einem Genre, in dem die Dynamik besonders präsent und direkt ist. Ein weiteres praktisches Werkzeug, um die Wirkung zu steuern, ist ein Hochpassfilter: erst den Bass absenken und ihn dann mit voller Wucht zurückbringen.
Auch ein gut platzierter Moment der Stille kann als Übergang enorm wirkungsvoll sein. Oft hört man das in Dance-Tracks am Höhepunkt eines Build-ups direkt vor dem Drop. Auch wenn die genannten Beispiele eher maximalistisch sind: Manchmal ist weniger einfach mehr. Das Weglassen von Elementen kann den Fokus schärfen und mindestens genauso intensiv wirken wie das Hinzufügen neuer Sounds.
Wenn du mehr über den Einsatz von Übergängen beim Produzieren elektronischer Musik erfahren möchtest, wirf einen Blick auf iZotopes Blogbeitrag mit EDM-Tipps.
8. Füge Gesangs- und Instrumenteneffekte hinzu
Effekte werden in der elektronischen Musik eingesetzt, um einzelne Elemente miteinander zu verschmelzen, Sounds zu veredeln und ein Gefühl von Raumtiefe zu schaffen. Intensiverer Effekteinsatz kann spannende, extreme Ergebnisse liefern und das Ausgangsmaterial bis zur Unkenntlichkeit verfremden.
Effekte auf Gesangs- oder Instrumentenkanälen sorgen für Abwechslung, damit nicht einfach nur identische Loops in Dauerschleife laufen. Das macht den Track interessanter und hält das Ganze für die Hörer*innen frisch und spannend.
In diesem Video aus der Sketches-Reihe erklärt Calum von Clouds seinen Sound-Design-Prozess: Er layert Patches und bearbeitet sie intuitiv mit Effekten weiter. Dabei setzt er häufig Delay-Plug-ins ein, um morphende, rhythmische Loops zu erzeugen, die er als „Instant Techno“ bezeichnet. Distortion und Noise verleihen den Presets Durchsetzungskraft und kreieren eine riesige Klanglandschaft mit enormer Tiefe.
9. Mischen und Mastern
Mixing und Mastering sind die letzten Schritte im Produktionsprozess, zusammengefasst als „Post-Production“. Hier werden Aufnahmen klanglich feinabgestimmt, ausbalanciert und veredelt, um die finale Version eines Tracks fertigzustellen.
Während die Post-Production früher meist eine eigene Disziplin außerhalb des eigentlichen Songschreibens war, übernehmen Produzent*innen und Künstler*innen heute zunehmend den gesamten Ablauf selbst. Das Mixing ist entscheidend, damit elektronische Musik druckvoll und professionell klingt – am besten sorgst du schon bei der Aufnahme für die richtige Balance, statt später mühsam nachkorrigieren zu müssen.
Bei professionellen Releases ist es nach wie vor üblich, das Mastering spezialisierten Engineers zu überlassen. Trotzdem vertieft das Erlernen der Grundlagen des Beat-Masterings dein Verständnis für die Musikproduktion und steigert die Qualität deiner Tracks spürbar.
Songstrukturen in der elektronischen Musik
Es gibt keine festen Regeln für das Song-Arrangement, aber viele Musikstile und Genres folgen vertrauten, ähnlichen Songstrukturen.
Fast ein ganzes Jahrhundert lang dominierte das klassische Strophe-Refrain-Schema die Charts. In den letzten Jahren werden kommerzielle Hits jedoch immer stärker von den Sounds und Arrangements elektronischer Tracks aus der Club- und Underground-Szene geprägt.
Dance-Musik ist funktional und speziell darauf ausgelegt, von DJs im Club gemixt zu werden. Dadurch stehen sich wiederholende Abschnitte und Motive im Vordergrund, während innerhalb eines einzelnen Tracks weniger Variation nötig ist – denn der Aufbau eines Mosaiks aus verschiedenen Sounds und Energieleveln ist die Aufgabe der DJs.
Trotzdem orientiert sich auch viel elektronische Musik an der traditionellen Pop-Songstruktur. Im Folgenden schlüsseln wir die wichtigsten Songteile als Orientierungshilfe auf – du kannst aber jederzeit davon abweichen. Hör genau in dein Projekt hinein und spüre, wann ein Teil überhastet wirkt oder wann er sich zieht und langweilig wird. Gestalte das Arrangement deines Tracks so, wie es sich für dich am besten anfühlt.
1. Intro
Das Intro ist der musikalische Einstieg, in dem Style, Tempo und Instrumentierung eingeführt werden.
Da es das Erste ist, was man hört, ist ein packendes Intro enorm wichtig. So fesselst du die Aufmerksamkeit deiner Hörer*innen: Das Intro setzt ein Statement, hinterlässt den ersten Eindruck und bereitet die Bühne für das, was musikalisch folgt.
Manche Song-Intros nutzen dieselben Akkorde oder Hooks wie Strophe oder Chorus, in anderen Fällen ist das Intro ein eigenständiger Teil, der sich vom Hauptteil abhebt und nur einmal vorkommt.
Die Intros von Dance-Tracks setzen meist auf wenige Einzelelemente, bevor nach und nach weitere Layer hinzukommen. Häufig beginnt der Track direkt mit einem Drumbeat, damit sich mehrere Tracks im DJ-Set nahtlos ineinander überblenden lassen.
2. Strophe
Strophen sorgen traditionell für den Vorwärtsdrang, der einem Song seine lineare Struktur von Anfang bis Ende verleiht. Bei Tracks mit Vocals und Text findet hier das eigentliche Storytelling statt.
Viele elektronische Tracks sind rein instrumental – das bedeutet aber keineswegs, dass du nicht mit melodischen Linien eine musikalische Geschichte erzählen kannst. An dieser Stelle des Tracks ist der Beat meist voll im Gange und die meisten Instrumente sind bereits zu hören.
Wie in der Popmusik üblich, sind auch in vielen elektronischen Genres die Phrasen in Blöcken von vier, acht oder 16 Takten arrangiert. Gleich lange Strophenteile verleihen dem Stück eine angenehme Ausgewogenheit und Nachvollziehbarkeit, die vertraut und rund klingt.
3. Riser/Build-up
Build-up-Passagen sind in Techno und EDM allgegenwärtig. In diesen Genres dreht sich alles um Spannung und Auflösung: Der Build fungiert als Übergang, der kontinuierlich Druck und Intensität aufbaut, bevor die erlösende Explosion des Chorus oder Drops folgt.
Ähnlich verhält es sich im traditionellen Pop-Songwriting, wo dieser Teil oft als Pre-Chorus bezeichnet wird: ein kurzes Zwischenspiel, das als Bindeglied zwischen den Akkordfolgen von Strophe und Chorus dient. So kann ein Riser klingen:
4. Chorus/Drop
Der Chorus ist der absolute Höhepunkt des Tracks, an dem Energie und Instrumentierung ihr Maximum erreichen. Hier finden sich die Kernbotschaft und die prägenden musikalischen Motive des Songs.
Bei der Produktion elektronischer Musik wird dieser Abschnitt oft zuerst geschrieben, da er meist am dichtesten und komplexesten ist: Steht der große Drop erst einmal fest, lässt sich das restliche Arrangement oft ganz einfach durch Weglassen von Elementen gestalten.
Ein zentrales Merkmal des Chorus ist die Wiederholung. Wenn du einen Track mit Gesang schreibst, hat der Chorus meist jedes Mal denselben Text. Dennoch lohnt es sich, Variationen einzubauen, um die Dynamik hochzuhalten – ein exakt identischer Drop hat beim zweiten Mal selten die gleiche Durchschlagskraft wie eine Variante mit neuem Twist.
5. Solo
Ein Solo ist ein instrumentaler Part im Stil einer freien Jam-Session, der ein virtuoses Spiel auf einem Leadinstrument in den Mittelpunkt stellt.
Inspiriert von Jazz und Blues sind Soli vor allem aus der gitarrenlastigen Rock- und Metal-Musik bekannt. Mit dem Aufkommen elektronischer Instrumente gewannen ab den 1970er-Jahren auch Synthesizer-Soli zunehmend an Bedeutung.
6. Break oder Bridge
Die Bridge ist ein eigenständiger Teil gegen Ende eines Tracks, der sich meist bewusst von Strophen und Chorus abhebt, um neue Frische ins Geschehen zu bringen. Auch als „Middle Eight“ bekannt, dient sie oft als Überleitung zum letzten Chorus und verleiht dem großen Finale zusätzlichen Nachdruck.
In der elektronischen Dance-Musik ist der Breakdown das Pendant dazu. Dieser Part sorgt für einen Energie-Reset und eine kurze Verschnaufpause auf der Tanzfläche: Das Arrangement wird ausgedünnt, schwere Bässe und Drums pausieren. Manchmal klingt alles fast bis zur Stille ab, bevor ein epischer Build-up die Spannung erneut anheizt.
7. Outro
Das Outro bildet das Finale eines Songs. Das kann ein simples Ausfaden in die Stille sein oder eine ausgefeilte Akkordfolge, die auf der Tonika auflöst. Fills kündigen das Ende oft an, damit der Track nicht plötzlich abbricht.
In Dance-Stilen hat das Outro dieselbe Funktion wie das Intro – ein repetitiver Part, oft reduziert auf Percussion, damit DJs mit einem Hardware-Mixer oder Software wie TRAKTOR nahtlos in den nächsten Track überblenden können.
Elektronische Musik machen: So legst du los
Elektronische Musik zu machen ist sowohl für Einsteiger*innen als auch erfahrene Produzent*innen eine aufregende und lohnende Erfahrung. Mit dem richtigen Equipment, passender Software und dem nötigen Know-how kann jede*r eigene Sounds erschaffen und die eigene künstlerische Vision verwirklichen. Experimentiere mit verschiedenen Techniken, aber hab auch etwas Geduld mit dir selbst – denn die Lernkurve kann steil sein.
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