电子音乐制作是当今发展最快的音乐流派与制作方式之一。触手可及的数千款数字乐器、电子合成器等丰富资源，让你能够轻松、直观地创作出引人共鸣的电子音乐。在本指南中，我们将带你一步步了解如何制作电子音乐。让我们开始吧！
目录
什么是电子音乐？
电子音乐是一种使用电子工具、计算机或合成声音制作的音乐流派。这与传统的原声乐器有所不同——后者是通过乐器自身的物理振动（弦乐、打击乐）或气流通过乐器（管乐、铜管乐）来发声的。
模拟合成器和电风琴通过电压和电路产生声音——这些信号随后通过放大器转化为声音。
数字乐器依托于更新的技术，通过二进制代码复刻模拟合成的运作方式。当今的电子音乐大量使用计算机软件，在数字世界中构建和塑造声音时，提供了前所未有的广阔空间与灵活性。
电子音乐自 20 世纪下半叶发展至今，不断壮大、多元化并受到越来越多人的喜爱。新技术、制作手法和子流派层出不穷，让电子音乐充满了令人惊叹的活力与前瞻性。
从 Disco、合成器流行（Synth-pop）到 EDM 和 Hip-hop，电子音乐流派植根于地下文化，如今在主流商业音乐领域中已日益占据主导地位。
电子音乐可以完全使用电子乐器创作，也可以结合电子与原声元素——例如，将合成器融入现场乐队编制，或在数字编曲中对现实世界的声音进行采样。
制作电子音乐所需的软件与工具
无论你是在家中还是在工作室中制作电子音乐，除了一台电脑之外，你都需要一套特定的工具。
接下来，让我们一起了解制作电子音乐所需的基础软件和设备清单。
1. DAW
数字音频工作站（Digital Audio Workstation，简称 DAW）是制作电子音乐的核心软件。DAW 将整个工作室的强大功能汇集于你的电脑之中，能够录制、编辑和混音大型的多轨工程。DAW 是整套设备的核心中枢，能够同时处理音频录音、虚拟乐器以及外部硬件。大多数音乐制作人都青睐 DAW 的全能性与一体化连接能力。
1. MIDI 控制器
MIDI 控制器提供了用于控制和演奏其他设备（包括虚拟乐器）的硬件界面。它们形态各异、尺寸多样——最常见的是钢琴键盘，非常适合演奏具有丰富力度变化的旋律；或者是打击垫，更适合敲击节拍节奏或触发采样。
MIDI 控制器在电子音乐制作中非常实用，它将硬件乐器的物理手感与近乎无限的软件声音和效果器选择结合在一起——无需巨额开销，即可大幅拓展你的工作流与创作可能性。
Native Instruments 的 MASCHINE 即可作为 MIDI 控制器使用。MASCHINE 凭借前沿的软硬件结合，助你制作节拍、旋律与和声。
3. 声音库
采样和 loop 是电子音乐的基石。你可以从零开始亲手制作，也可以利用涵盖各种特定流派的海量 Expansions 扩展包来节省时间，或是作为初学者快速上手创建节奏与工程。
Kontakt 是 Native Instruments 的旗舰级采样器。除了鼓点打击声和合成器音色，其庞大的音源库还包含高品质的真实乐器录音。你甚至可以模拟完整交响乐团的细腻力度动态——几乎与真实演奏难辨真伪。
4. 插件
插件是运行在 DAW 环境中的软件音频单元，让你能够添加新的声音和功能。插件主要分为两大类：乐器与效果器。
部分虚拟乐器是对现有硬件的仿真，而另一些则充分利用计算机的算力，呈现出只有软件形式才能实现的精密设计。软音源合成器往往以更实惠的价格提供更丰富的功能，让你无需在成本或空间上做出妥协，即可建立自己的数字音乐制作工具库。
效果器插件以千变万化的方式处理输入音频信号。创意类效果器包括失真、滤波与均衡（EQ）、延迟与混响，以及颤音（tremolo）、合唱（chorus）、镶边（flanger）和移相（phaser）等调制类效果。而在制作流程的后期，则会使用更为精细的效果器来净化或修正混音。
如果你想体验一些插件，可以下载包含 2000 多个录音棚级声音的 Komplete Start。它配备了制作电子音乐所需的一切：16 款专业级合成器与采样乐器，以及丰富品质的效果器、loop 和采样。
5. 音频接口
音频接口是连接软件与硬件的桥梁，配备了用于连接乐器与麦克风的多个输入接口，以及连接音箱和耳机的输出接口。
通过 USB 将音频接口连接至电脑，即可确保出色的音频录制品质。许多音频接口还配有 MIDI 输入和输出接口，是你在工作室工作流中连接各类设备的必备核心硬件。
6. 音箱或耳机
除了上述设备外，你还需要一副出色的耳机或一对高品质音箱来监听你的电子音乐作品。查看 iZotope 的耳机与音箱选择指南，确定哪种方案最适合你的制作环境。
如何制作电子音乐
1. 选择你的子流派
“电子音乐”是一个统称，涵盖了众多相互关联的音乐流派与风格。在开始创作之前，花些时间聆听不同的电子音乐子流派，确定你想要创作的风格类型。以下虽非完整清单，但我们为你提供了一些不同流派的指南供你参考：
同时，你也可以花些时间探索各种可用的 EDM 与电子音乐软件，帮助你找到理想的声音。
2. 确定速度
许多电子音乐子流派都以鼓组为核心元素，因此可以通过它们各自的速度（以每分钟拍数即 BPM 为单位衡量）来区分。
Techno 和 Trance 音乐围绕响亮且律动强劲的 4/4 拍底鼓构建，速度约为 140 BPM——据说这与人们在俱乐部尽情跳舞时加快的心率相吻合。Electro 的速度与此相近，但节奏更为碎裂，带有更多故障（glitchy）和反差感氛围。
Disco 和 House 音乐采用同样规整的“四四拍正拍”（four-to-the-floor）底鼓律动，但速度更慢，通常在 120 到 130 BPM 之间。拍子之间更宽裕的空间让打击乐 groove 拥有更多摇摆感（swing）和灵动韵味。UK Garage 的速度接近这一区间的上限，而 Hardcore 和 Gabber 等流派则将 4/4 拍节拍推升至 160 BPM 以上，释放出狂热激烈的高能质感。
Jungle 和 Drum & Bass 同样采用较高的速度（通常在 170 BPM 左右），但受节奏编排方式的影响，我们往往会将其感知为半速（half-time）。这一概念同样适用于 Dubstep——曲目速度通常在 140 BPM 左右，但正是那种半速质感赋予了它们标志性的摇晃律动，在底鼓与军鼓之间留出了大量空间。
Hip-hop 节拍通常在 70 到 100 BPM 之间——这取决于你想要充满活力、昂扬向上的氛围，还是更加松弛惬意的感觉。Trap 和 Drill 曲目听起来往往更快一些，通常在其标志性的连珠炮式闭镲（hi-hats）中融入倍速（double-time）节奏。
像 New Wave 和 Synth-pop 这样的电子流派，其曲目速度跨度较大。而 Ambient、Experimental 和 IDM 等其他风格，则较少受到固定节拍的约束，有时甚至完全不以节拍为核心。
3. 编写鼓组节奏
许多电子音乐流派最初都是围绕夜店和舞蹈文化兴起的。正因这些渊源，在制作电子音乐时，通常会先从节拍入手，然后再添加和弦与旋律元素。
扎实的鼓组节奏是整首曲目的基石，决定了作品的整体能量基调。无论何种风格，构成一个节拍的核心组件大致相同：底鼓（kick）、军鼓（snare）或拍手（clap）、踩镲与镲片（hi-hats and cymbals）、嗵鼓（toms）以及其他带音高的打击乐器。
节拍的编排与组织方式取决于你想要创作的子流派，因此请仔细聆听参考曲目（reference tracks），感受节奏如何流动以及各元素如何相互配合，从而打造出整体的声音质感。
像 BATTERY 这样的专用鼓采样器，可以让你轻松试听和对比采样、单独对各个通道进行混音与效果处理，以及映射鼓组以便通过 MIDI 进行触发。
学习如何利用采样和 break 制作电子音乐也大有裨益。从现有唱片中截取并重构音乐片段的做法，在舞曲和 hip-hop 音乐中有着悠久的传统。在电子节奏容易显得僵硬呆滞的地方，Breakbeats 能为节奏增添色彩、质感和律动感（swing）。
下面是一段基础 house 鼓点节奏的声音示范。
4. 编写贝斯线
在电子音乐中，贝斯既承担旋律功能，又具有打击乐属性，因此紧密结合贝斯线与鼓点节奏之间的相互呼应至关重要。
低频律动能够震撼全身，许多电子音乐都是由贝斯驱动的——事实上，许多舞曲的编曲甚至会被精简到只剩下鼓和贝斯。
贝斯的形式多种多样，无论简单随性还是精雕细琢都可以——从采样或实录贝斯吉他的旋律跑动，到打击感十足的 donk 音色以及沉潜轰鸣的次低音（sub bass）。贝斯既可以强化节拍的重音，也可以通过切分节奏与之形成鲜明的律动对比，从而突出弱拍（off-beat）。
在下方试听一段 house 贝斯线的声音效果。
阅读这篇深度教程，进一步了解如何编写贝斯线。
5. 选择和弦
和弦是触动心弦、传递音乐情感的关键所在。大多数流行歌曲遵循人们熟悉且略带套路化的和弦模式，利用我们过去听音乐积累的经验来调动预期的起伏。
电子音乐也不例外。舞曲通常被简化为重复 loop 中的寥寥几个和弦，其作用往往更偏向打击节奏而非单纯的旋律——在这种极简框架下，和弦的任何细微变化都会带来极具冲击力的听觉效果。
而更具实验性的音乐则常常出其不意，甚至完全打破我们的预测。在某种程度上，创作出震撼人心音乐的秘诀，就在于熟悉与陌生、预料之中与意料之外之间的巧妙平衡。
编写和弦时，直觉和感受固然重要，但好听与否的背后同样有着深厚的乐理支撑，凝聚了数个世纪以来形成的传统与规则。掌握基础的乐理知识，将切实助你在创作与制作中自如掌控和弦与音程。
在电子音乐制作中，另一款有助于生成和弦进行的利器是 PLAYBOX。这是 Native Instruments 推出的一款 Play Series 乐器，将和弦生成与采样叠层及效果器融为一体。
6. 编写旋律
在许多流行和电子音乐风格中，旋律就是居于上层的抓耳 hook——它是全场的焦点、最令人难忘的元素，也是让人无限脑内循环的旋律片段。
旋律与音轨中的和弦及贝斯紧密相连，遵循相同的和声与乐理规则。旋律中的某些音符能够与和弦相得益彰，而另一些音符则可能产生碰撞并制造张力——当然，这完全可以是刻意为之！
创作动人旋律的魔力往往很难言传身教。有时创作者仅仅凭直觉就能听出什么是对的，却无法从乐理上道出缘由。这在很大程度上取决于坚持不懈的尝试，以及多年经验积累下的听觉训练。
欲获取更多解析与技巧，请阅读我们的旋律编写指南。
7. 制作转场效果
转场至关重要，因为它们能在音轨的不同段落和能量层级之间构建流畅衔接，赋予作品浑然一体的凝聚力。
加花（Drum Fill）常用来标记 4 小节、8 小节或 16 小节乐句的收尾。它们可以简单到只有一段快速的军鼓或嗵鼓加花，抑或是加入一次碎音镲（Crash）。舞曲中常见的技巧是加长的军鼓滚奏（Snare Roll），从四分音符逐步推进到八分音符、十六分音符等，随着节奏加密，紧张感也步步攀升。
白噪声渐强（Swell）和音调爬升（Riser）通常用于在 EDM 音乐中为重磅的 drop 做情绪铺垫，这一音乐风格的动态十分直接且冲击力十足。另一个控制冲击力的实用工具是高通滤波器——切除低频，然后在关键时刻猛烈切回。
恰到好处的留白同样能起到极佳的转场效果。在舞曲中，我们经常会在情绪推进（Build-up）的顶峰、即 drop 即将来临的前一刻听到短暂的静音。虽然上述例子多偏向加法编曲，但请记住，有时少即是多。适时拿掉某些元素能让听众的注意力更为集中，其震撼力绝不亚于层层叠加。
想进一步了解如何在电子音乐制作中打造转场，请查看 iZotope 的 EDM 技巧博客。
8. 添加人声与乐器效果器
在电子音乐中，效果器常用于融合各个元素、增强音色质感，并营造出宽广的空间感。大量运用效果器还能产生更加激进刺激的效果，将原始音频变形扭曲到面目全非。
为人声或乐器通道添加效果器可以制造变化，避免听众感到千篇一律的 loop 在循环播放。这反过来能增加层次感与趣味性，让听觉体验始终保持新鲜刺激。
在 Sketches 系列的这期视频中，来自 Clouds 的 Calum 详细演示了他的声音设计流程：叠置音色音色块，再以直观的方式添加效果器处理。他大量使用延迟插件来创建不断渐变且富有节奏感的 loop，他将其称之为“即时 techno”。失真与噪声则有助于增强预设质感，营造出深邃宏大的声音景观。
9. 混音与母带制作
混音与母带制作是整个流程的最后阶段，统称为“后期制作”。在这一阶段，录音将被调整、平衡并打磨，从而生成音轨的最终版本。
虽然在传统上后期制作与音乐创作是相互独立的环节，但如今越来越多的制作人和音乐人开始全权掌控整个制作流程。混音对于让电子音乐听起来有力、专业至关重要——最佳实践是在录音和编曲阶段就把握好平衡，而不是事后才去补救修正。
对于专业发行的作品，通常仍会由专门的母带工程师负责。尽管如此，学习节拍母带制作的基础知识将加深你对音乐制作的理解，并切实提升作品的整体水准。
电子音乐的曲式结构
歌曲编曲没有死板固定的规则，但许多音乐风格和流派都遵循着相似且常见的曲式结构。
在近一个世纪的时间里，标准的主歌-副歌结构一直主导着流行音乐榜单。然而近年来，商业大热单曲越来越受到地下电子音乐舞曲唱片的音色与编曲手法的影响。
舞曲具有很强的功能性，专为俱乐部中 DJ 混音接歌（DJ Set）而设计。因此，它更注重重复的段落和动机，对单曲内部的变化需求相对较少，因为融合不同的声音织体与能量动态正是 DJ 的职责所在。
话虽如此，许多电子音乐依然遵循着传统的流行歌曲结构。下面我们将拆解歌曲的主要段落作为参考指南，但你完全可以打破常规。仔细聆听你的工程，感受某个段落是否显得过于仓促，抑或拖沓枯燥，然后按照你认为最自然的方式来规划你的编曲结构。
1. 前奏（Intro）
前奏是一首音乐的起始铺垫，奠定了整首作品的风格、速度与乐器编制。
作为听众最先听到的部分，打造一个引人入胜的前奏至关重要。这是抓住听众注意力的绝佳方式——前奏是一种意图的宣告，是建立第一印象并为后续音乐铺陈背景的黄金时刻。
有些歌曲的前奏会采用与主歌或副歌相同的和弦或 hook，但在另一些情况下，前奏则是一个完全独立的部分，与歌曲主体截然不同，且仅出现一次。
舞曲的前奏通常只包含少数孤立元素，随后再逐步引入更多层次。它往往以纯鼓点起拍，以便在 DJ Set 中轻松将多首曲目混合衔接。
2. 主歌（Verse）
在传统意义上，主歌赋予歌曲从头至尾向前推进的线性结构。在带歌词的人声音乐中，主歌往往承载着叙事的核心内容。
虽然许多电子音乐是纯器乐作品，但这并不妨碍你用旋律线条勾勒叙事感。在音轨行进至这一段时，节拍往往已经稳健运行，大部分乐器声部也已悉数登场。
正如整个流行音乐一样，许多电子音乐流派也会以 4 小节、8 小节或 16 小节为单位进行编排。长度一致的主歌段落赋予整部作品一种可预测性和平衡感，听起来亲切悦耳。
3. 情绪推进（Riser/Build）
情绪推进（Build-up）段落在 techno 和 EDM 音乐中十分普遍。这些风格的核心就在于张弛有度——build 作为转场，在副歌或 drop 震撼爆发前逐步聚拢压力与情绪张力。
在传统流行音乐创作中亦是如此，这一部分通常被称为导歌（Pre-chorus）。它是一个简短的过渡段落，可充当主歌与副歌和弦模式之间的桥梁枢纽。以下是一段 riser 的声音示范。
4. 副歌/Drop（Chorus/Drop）
副歌是整首曲目的高潮所在，能量与乐器编制在此刻达到顶峰。副歌呈现了歌曲的核心信息与音乐动机。
在制作电子音乐时，先写这一部分是很常见的做法，因为它通常最丰满、最复杂——一旦确立了关键的 drop，你只需通过做减法拿掉部分元素，就能顺畅排布出其余的编曲。
副歌的一个关键特征是重复性。如果你在创作带人声的歌曲，副歌每次通常会唱相同的歌词。即便如此，加入适当变化以保持音轨的推进感仍是非常明智的做法——机械重复完全相同的 drop，远不如在第二次出现时加入新颖的转折来得震撼。
5. 独奏（Solo）
独奏（Solo）是一种即兴演奏形式的纯器乐段落，展现主导乐器精湛高超的演奏技艺。
受到爵士和蓝调音乐的启发，独奏在吉他驱动的摇滚和重金属音乐中屡见不鲜。随着电子乐器的兴起，合成器独奏从 70 年代起也变得日益流行。
6. 间奏或桥段（Break/Bridge）
桥段（Bridge）是出现在曲目尾声前的一个过渡段落，通常与主歌和副歌形成鲜明对比，以保持新鲜感与趣味性。它也被称为“中八拍（middle-eight）”，通常充当通往最后一段副歌的过渡，为歌曲的终曲增添浓墨重彩的一笔。
在电子舞曲中，Breakdown 具有异曲同工之妙。这个段落让能量归零，给舞动的身体一个喘息之机——乐器编制被削减，沉重的贝斯和鼓点被抽离，甚至可能渐弱至完全静音，随后在宏大的 build-up 中重新积聚爆发。
7. 尾奏（Outro）
尾奏是歌曲的终篇。它可以简单到只是一段缓慢淡出至无声的过渡，也可以是一段精巧构建并最终落在主音上的和弦进行。通常会使用加花来预示收尾，避免音乐显得戛然而止。
在舞曲风格中，outro 的作用与 intro 相同——这是一段具有重复性的段落，通常精简至仅剩打击乐，方便 DJ 使用实体混音台或诸如 TRAKTOR 之类的软件平滑混入下一首曲目。
开始制作电子音乐
无论是对初学者还是经验丰富的制作人来说，制作电子音乐都是一段令人兴奋且收获满满的旅程。只要拥有合适的设备、软件和知识储备，任何人都能打造出属于自己的独特声音，表达独特的艺术构想。请大胆尝试并探索不同的技巧，同时也要对自己保持耐心，因为学习曲线可能会相对陡峭。
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