Design sonore 101 : comment créer des sons

Le design sonore est l'art de façonner le son pour atteindre un objectif précis. Cet objectif peut être de créer la ligne de basse synthétique idéale pour un morceau de house ou de concevoir l'univers sonore d'un monde extraterrestre pour un film. Les applications sont infinies, et les sound designers interviennent dans les domaines de la production musicale, du cinéma, de la télévision, du jeu vidéo, de l'expérience utilisateur (UX) et bien plus encore.

Généralement, le processus de design sonore commence par identifier les sons nécessaires à un projet donné. Les concepteurs sonores créent un son issu de leur imagination ou recréent un son qui les inspire. Quelle que soit l'approche, tout designer sonore doit comprendre les éléments constitutifs du son et maîtriser les outils permettant de les manipuler. Ci-dessous, nous allons explorer les étapes pour créer un son à partir de zéro et donner des exemples concrets du travail des sound designers dans différentes industries.

Regarde la vidéo d'initiation aux bases du design sonore ci-dessous pour en savoir plus. 

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Comment créer un son

Pour concevoir un son, il faut d'abord comprendre les éléments qui le constituent. Une fois ces différents éléments assimilés, il s'agit de maîtriser les outils permettant de les manipuler. Pour déconstruire un son, tu devras :

• Choisir les bons outils de design sonore
• Identifier le timbre
• Sculpter l'enveloppe d'amplitude
• Ajouter de la modulation
• Ajouter des effets

1. Choisir le bon outil de design sonore

L'une des premières questions à te poser est : « Quelle source audio puis-je utiliser pour créer ce son ? » Le son a-t-il été créé avec un synthétiseur, un échantillonneur, un instrument acoustique ou une prise de son en extérieur ? Il est utile de te familiariser avec les différentes approches du design sonore afin de cerner le potentiel de chaque outil et de savoir lequel est le plus adapté. Voici quelques sources audio courantes utilisées par les sound designers pour créer des sons :

Les échantillonneurs

L'échantillonnage consiste à prélever un extrait d'un enregistrement audio pour le réutiliser comme instrument ou comme élément sonore dans un autre enregistrement. Les échantillonneurs te permettent de charger n'importe quel fichier audio et de le manipuler à ta guise. Par exemple, tu peux enregistrer le bruit d'une machine à laver, le glisser dans un sampler et le jouer comme un instrument dans ton morceau. Tu peux aussi enregistrer le son de la pluie et l'intégrer à un podcast pour enrichir l'ambiance narrative. Bien que tu puisses enregistrer tes propres sons, tu peux également acheter des packs de samples en ligne ou utiliser des ressources gratuites comme freesound.org pour aller plus vite. Tu trouveras des samples pour presque tout ce que tu peux imaginer : de la pluie, des oiseaux, des débris, des explosions, ainsi que des instruments acoustiques tels que des pianos, des cordes ou des batteries.

Les synthétiseurs

Une autre façon de créer un son consiste à utiliser un synthétiseur. Les synthétiseurs sont parfaits pour concevoir des sons électroniques de toutes pièces. Au lieu d'utiliser des enregistrements existants comme source sonore à la manière des échantillonneurs, les synthétiseurs s'appuient sur des oscillateurs qui génèrent des signaux audio électriques. Tu peux ensuite combiner des formes d'onde et modifier leurs caractéristiques pour obtenir le timbre souhaité. Voici plusieurs types de synthèse avec lesquels il est bon de se familiariser :

• Synthèse soustractive
• Synthèse par table d'ondes
• Synthèse FM
• Synthèse granulaire
• Synthèse basée sur des échantillons
• Synthèse additive
• Modélisation physique
• Synthèse spectrale

Les enregistrements de terrain

Les enregistrements de terrain (ou « field recordings ») sont des captations sonores réalisées en dehors d'un studio d'enregistrement. Tu peux sortir explorer le monde avec des microphones portables (par exemple des micros Zoom ou 3Dio) pour enregistrer tout ce qui pourrait enrichir tes projets de design sonore.

2. Identifier le timbre

Maintenant que tu as choisi l'outil qui servira à créer ton son, l'étape suivante consiste à choisir la ou les formes d'onde que tu vas modifier et sculpter pour atteindre ton objectif. Quel son vas-tu utiliser comme point de départ ? Essaie de choisir un élément dont le timbre (la texture tonale) se rapproche du son que tu souhaites obtenir. Une fois ta forme d'onde définie, ajuste-la et peaufine-la jusqu'à obtenir le résultat recherché.

Identifier le timbre des sons synthétisés

Si tu cherches à recréer un son de synthé, tu devras te familiariser avec le timbre des formes d'onde élémentaires : sinusoïdale, carrée, en dents de scie et triangulaire. Chaque forme d'onde possède une sonorité propre. Une fois que tu auras mémorisé leur caractère, tu seras capable de les identifier à l'oreille.

Identifier le timbre de sons complexes

Comment t'y prendrais-tu pour recréer une forme d'onde complexe, comme le bruit d'un pistolet à portails ? De tels sons nécessitent plusieurs couches superposées (ou « layers »), et ta démarche consistera à trouver des sons correspondant au timbre de chaque couche. En clair, tu rassembles les pièces d'un puzzle : « Quel son m'apportera le crépitement recherché ? Et qu'en est-il du corps et du punch ? »

Voici plusieurs approches pour déconstruire le timbre d'un son complexe. Ces exercices t'aideront à identifier les formes d'onde nécessaires pour commencer à concevoir ton son.

• Écoute le son en boucle et note tous les mots qui te viennent à l'esprit. Il peut s'agir de n'importe quel terme, tant qu'il évoque ce que tu entends. Pour un pistolet à portails, tu pourrais par exemple entendre une grosse caisse feutrée, un lance-flammes, un laser et le démarrage d'un ordinateur.

• Où se situe chaque son ?
  • Identifie la couche responsable de l'attaque ou du transitoire du son. Il s'agit de l'impact initial : tu pourrais donc utiliser la grosse caisse feutrée et le laser pour remplir ce rôle.
  • Identifie la couche de sustain responsable de la couleur tonale du son. Cette couche constitue le corps principal du son. Pour cela, tu utiliseras peut-être le son de démarrage de l'ordinateur comme timbre principal de ton pistolet à portails.
  • Identifie la couche responsable du relâchement (release) du son. Comment le son s'estompe-t-il jusqu'au silence ? Pour la traîne de ton pistolet à portails, tu pourrais employer un bruit de lance-flammes assorti d'un effet de trémolo tout en automatisant le volume jusqu'au silence.

• Si tu as besoin d'examiner le son à la loupe, essaie d'analyser les différentes bandes de fréquences de la forme d'onde. Quelle énergie est présente dans les graves, les médiums et les aigus ? Utilise un égaliseur pour isoler différentes fréquences afin d'orienter au mieux la création de ton son.

3. Sculpter l'enveloppe d'amplitude

L'étape suivante consiste à sculpter l'enveloppe d'amplitude de ton son. L'enveloppe d'amplitude désigne la façon dont le volume d'une onde sonore évolue au fil du temps. Le son monte-t-il progressivement en puissance ou l'impact est-il immédiat ? Combien de temps dure-t-il ? S'arrête-t-il net ou s'estompe-t-il graduellement ? L'enveloppe d'amplitude d'un son se définit par quatre paramètres : l'attaque, le déclin (decay), le maintien (sustain) et le relâchement (release).

• Attaque (Attack) : le temps d'attaque d'un son désigne la durée nécessaire pour que son amplitude atteigne son niveau maximal.
• Déclin (Decay) : le déclin d'un son correspond au temps qu'il met pour passer de son amplitude de crête au niveau de sustain.
• Maintien (Sustain) : le niveau de sustain correspond au volume maintenu par le son tant qu'une touche reste enfoncée. Remarque : le sustain est un niveau (volume), tandis que l'attaque, le déclin et le relâchement sont des durées.
• Relâchement (Release) : le temps de relâchement désigne la durée nécessaire pour que la note passe du niveau de sustain au silence complet une fois la touche relâchée.

Les sound designers façonnent l'enveloppe d'amplitude d'un son à l'aide de l'enveloppe ADSR (attaque, déclin, maintien, relâchement) intégrée à un synthétiseur ou à un échantillonneur, ou en automatisant le niveau du signal audio dans un séquenceur logiciel. Lorsque tu imagines ou recrées un son, commence donc par identifier l'évolution de son volume dans le temps, puis ajuste son enveloppe ADSR pour correspondre à ce que tu entends.

4. Appliquer de la modulation

Le son n'est pas un phénomène statique : il bouge et évolue. En design sonore, on utilise le terme de modulation pour désigner la variation d'une ou plusieurs propriétés d'une forme d'onde dans le temps. La modulation permet d'insuffler du mouvement et de la profondeur à ton son. Pour recréer un son existant, tu devras tendre l'oreille pour déceler la modulation et reproduire ces variations sur ton propre son. Voici quelques propriétés sonores couramment modulées :

• La hauteur tonale (pitch)
• L'amplitude
• Le contenu fréquentiel

Une fois les éléments qui évoluent dans le temps repérés, écoute comment ils changent. S'agit-il d'une variation ponctuelle, continue ou aléatoire ? Tu peux modifier un son en tournant un potentiomètre ou en déplaçant un curseur qui contrôle un paramètre tel que le pitch, la fréquence de coupure du filtre ou tout autre réglage. Tu peux le faire manuellement, ou bien assigner un modulateur pour faire bouger le potentiomètre à ta place.

Plusieurs sources de modulation sont à ta disposition selon la façon dont tu souhaites faire évoluer ton son dans le temps :

• LFO : un LFO (oscillateur basse fréquence) est idéal si tu souhaites moduler un paramètre de façon répétitive et prévisible. Le LFO module un paramètre de manière continue. Il te suffit d'assigner le LFO au paramètre de ton choix : choisis la vitesse (rate) de la modulation, la forme d'onde qui détermine le type de mouvement appliqué au paramètre, et la quantité (amount) qui règle l'intensité de la modulation.

• • Enveloppes ADSR : les enveloppes sont idéales si tu veux qu'une variation ne se produise qu'une seule fois après avoir appuyé sur une touche. L'enveloppe agira sur le potentiomètre en fonction des réglages d'attaque, de déclin, de maintien et de relâchement.

• Piste d'automation dans le séquenceur : une autre possibilité consiste à créer une piste d'automation dans ton séquenceur logiciel. Tout comme les LFO et les enveloppes ADSR, la piste d'automation modulera le paramètre de ton choix, à la différence que c'est toi qui dessines manuellement la courbe de modulation.

5. Ajouter des effets audio

Les effets audio sont des processeurs matériels ou logiciels utilisés pour manipuler un signal audio. Maîtriser les effets audio demande un peu d'expérience, car tu devras apprendre à construire une chaîne de traitement et comprendre l'impact de chaque effet sur ton son afin de savoir s'il te permettra d'atteindre le résultat souhaité. L'une des principales applications des effets audio consiste à recréer des phénomènes psychoacoustiques. Par exemple, pour donner une impression d'espace et de profondeur, tu ajouteras de la réverbe et de l'écho. Si tu veux reproduire l'effet d'une voix au téléphone, tu utiliseras un filtre passe-haut et éventuellement une touche de saturation. Voici quelques-uns des principaux types d'effets à ta disposition :

• Effets de modulation : chorus, trémolo, phaser et auto-pan
• Effets temporels : delay, réverbe et écho
• Effets dynamiques : compression et distorsion
• Filtres : filtres passe-bas, filtres passe-haut et filtres passe-bande

Quel est le rôle des sound designers ?

Les sound designers créent, éditent et collectent des sons pour la musique, le cinéma, les applications, les jeux vidéo et d’autres types de médias interactifs. Leurs missions peuvent inclure l’enregistrement, le mixage, le sampling, la création de chaînes d’effets, le montage sonore et parfois la composition d’underscores.

Apprendre l’art du design sonore peut décupler tes possibilités créatives et te préparer à travailler sur des projets variés. Découvrons ensemble les différents rôles des sound designers dans plusieurs secteurs.

Le design sonore au cinéma

Le design sonore permet aux cinéastes de façonner l’univers sonore d’un film. Il joue un rôle essentiel pour créer une expérience immersive qui joue avec les attentes du public et donne vie à l’atmosphère générale de l’œuvre. Parmi les composantes majeures du design sonore au cinéma, on retrouve la création d’effets sonores, le mixage, le bruitage (foley), le montage des dialogues et la musique.

Exemples

• Le sabre laser de Star Wars : une combinaison entre le ronflement d’un vieux projecteur de cinéma et le bourdonnement capté par le larsen d’un micro près du tube cathodique d’un ancien téléviseur.
• Les scènes de combat : casser des noix pour recréer le son d’os brisés, frapper des pièces de viande pour simuler l’impact des coups de poing.

Brève histoire du design sonore au cinéma

Au fil des ans, les progrès technologiques ont permis à Hollywood de s’imposer sur le monde du divertissement. Pour la première fois, le public pouvait découvrir sur grand écran de vastes paysages oniriques et des effets spéciaux éblouissants, accompagnés de bandes originales à la hauteur de leur grandeur et de leur splendeur. Les effets d’ambiance traditionnels, le bruitage et d’autres éléments de design sonore ont été importés de la radio vers les industries naissantes du cinéma et de la télévision, avant d’atteindre de nouveaux sommets en fusionnant l’image et le son dans une expérience sensorielle inédite et totale.

Les cinéastes se sont inspirés des nouvelles sonorités et des idées novatrices et radicales issues des studios de musique des années 1960 et 1970, et de nombreux classiques du cinéma sont aujourd’hui célébrés pour leur utilisation inventive et percutante du design sonore. Dans Star Wars, sorti en 1977, une grande partie de la texture et de la fascination exercée par les mondes intergalactiques découle de ce que l’on entend. Le film a été le premier à introduire des fréquences sub-basses retentissantes, devenues depuis incontournables dans n’importe quel film d’action en salle. Le vrombissement immédiatement reconnaissable des sabres laser a été conçu par accident, lorsqu’un sound designer est passé devant un vieux téléviseur avec un micro ouvert et a capté des parasites statiques. Les grognements attachants de Chewbacca étaient un assemblage d’enregistrements réels de morses et d’autres animaux. La respiration emblématique de Dark Vador s’inspirait quant à elle d’un détendeur de plongée. Ajoute à cela les explosions, les lasers, les moteurs de vaisseaux spatiaux et autres bruits futuristes : sans ces éléments de design sonore, il ne resterait que la moitié du film, car la moitié de l’histoire passe par le son.

Apocalypse Now, la fresque de 1979 sur la guerre du Vietnam, s’ouvre sur une forêt de palmiers qui s’embrase tandis que des hélicoptères passent au premier plan. Le battement caractéristique des pales d’hélicoptère a en réalité été joué sur un synthétiseur, ce qui instaure d’emblée une atmosphère étrange et onirique. Ce film a été le premier à exploiter le son surround au cinéma, et l’effet saisissant des hélicoptères traversant l’espace tridimensionnel à travers six canaux audio distincts illustrait à merveille tout ce que le mixage sonore pouvait accomplir. Tandis que le morceau « The End » des Doors culmine dans un crescendo envoûtant, l’image de la forêt en flammes se superpose à celle d’un ventilateur de plafond dans la chambre d’hôtel du protagoniste. Le bruit synthétisé de l’hélicoptère et le son du ventilateur se fondent également, soulignant le point de vue subjectif du personnage principal, ses souvenirs de guerre, voire son traumatisme. C’est un exemple magistral de narration par le son, qui a d’ailleurs valu au sound designer Walter Murch l’Oscar du meilleur son cette année-là. C’est d’ailleurs Murch qui a popularisé l’intitulé de poste de « Sound Designer » dans l’industrie, en mettant l’accent sur la dimension créative du design sonore en post-production.

Les exemples remarquables de design sonore au cinéma sont légion : on peut citer plus récemment les drones assourdissants d’Inception et d’autres superproductions de Christopher Nolan, ou encore le vrombissement mécanique des machines qui se transforment dans Transformers, évoquant presque une ligne de basse dubstep. Ces sons de cinéma sont devenus emblématiques et contribuent largement à l’impact et au succès de ces chefs-d’œuvre. On perçoit déjà toute l’interaction entre les effets sonores et la bande originale, et à quel point la frontière entre son musical et non musical reste floue. Les progrès technologiques de ces dernières décennies ont encore rapproché ces disciplines, offrant aux créateurs toujours plus de puissance de calcul et de possibilités sonores à portée de main, même dans une configuration home studio classique. Les échantillonneurs logiciels tels que KONTAKT et BATTERY constituent d’excellentes plateformes pour importer et sculpter des enregistrements du monde réel, tout en offrant l’accès à d’immenses banques de sons échantillonnés, des percussions et ensembles orchestraux jusqu’aux textures électroniques venues d’une autre dimension.

Le design sonore dans la musique

En règle générale, un producteur de musique peut utiliser le son pour sublimer les paroles d’un artiste, susciter l’attente au sein de l’arrangement, enrichir l’instrumentation ou créer une palette sonore qui stimule l’imagination de l’auditeur. Dans la musique, le design sonore peut englober le mixage, le mastering, la synthèse, l’échantillonnage et d’autres techniques d’enregistrement expérimentales.

Exemples

• Effets de transition dans la musique électronique : des genres comme l’EDM associent des techniques de mixage et des synthétiseurs pour créer des montées de tonalité (pitch risers) et des balayages de bruit blanc qui font monter la tension avant un drop.
• Effets vocaux robotiques : les vocodeurs, les réglages extrêmes de correction de tonalité, ainsi que les effets de chorus, de réverbe et de delay permettent de créer des voix aux accents robotiques très prisées dans la pop moderne.

Le design sonore dans les jeux vidéo

Le design sonore dans les jeux vidéo combine des techniques issues du cinéma, de l’UX et de la musique. Les sound designers doivent aussi bien concevoir les sons des menus de navigation que l’univers audio de mondes numériques entiers qui s’animent grâce au son.

Le design sonore dans l’UX

L’UX désigne la qualité de l’expérience d’un utilisateur avec un produit ou un service. Lorsqu’il s’agit de concevoir l’interaction d’un utilisateur avec un produit, l’objectif principal consiste à réduire les frictions, les hésitations et la frustration lors de l’accomplissement de ses tâches. Le design sonore en matière d’UX est capital, car il permet de :

• Fournir un retour d’information sur une action de l’utilisateur ou sur l’état du système
• Renforcer les éléments visuels
• Attirer l’attention sur des informations importantes
• Affirmer l’identité d’une marque

Exemples

• La Jaguar I-PACE : le silence des moteurs de véhicules électriques présente un risque pour la sécurité des piétons, qui se fient au bruit pour repérer les véhicules à proximité. Des moteurs silencieux peuvent aussi déplaire aux conducteurs(trices), qui préfèrent entendre le moteur répondre à la pédale d’accélération. Pour résoudre ce problème, Jaguar a collaboré avec le sound designer Richard Devine afin de concevoir de toutes pièces le son Stop/Start des moteurs, les systèmes d’alerte sonore du véhicule et les bruits dynamiques de conduite.

Lance-toi dans le design sonore

Même si le design sonore peut sembler complexe de prime abord, il s’agit simplement de bien comprendre les composantes du son et les outils nécessaires pour les manipuler. Nous espérons que ce guide t’a apporté des pistes concrètes pour aborder ta propre pratique du design sonore et découvrir les différents domaines où appliquer ces compétences. Si ce n’est pas encore fait, télécharge gratuitement KOMPLETE START pour accéder à des samples, des synthétiseurs et des boucles qui t’aideront à faire tes premiers pas.

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