T’es-tu déjà demandé d’où vient la musique électronique et qui étaient les pionniers et pionnières qui ont façonné ce genre ? Se replonger dans les origines de la musique électronique est aussi passionnant qu’instructif.
Comme le disait Maya Angelou : « Tu ne peux pas vraiment savoir où tu vas si tu ne sais pas d’où tu viens. » La musique électronique exploite des instruments électroniques et différentes technologies pour forger des sonorités uniques, à l’aide d’un simple ordinateur portable, d’instruments virtuels, de synthétiseurs et de plug-ins au rendu sonore époustouflant.
Aujourd’hui, les composantes de la musique électronique se retrouvent dans presque tous les styles musicaux modernes, et ces sonorités découlent en grande partie des premières créations des figures visionnaires qui ont donné naissance au genre.
Dans cet article, nous partons à la découverte des pionniers et pionnières de la musique électronique, notamment Edgard Varèse, Daphne Oram, Laurie Spiegel, Pierre Schaeffer, Raymond Scott, Morton Subotnick, Wendy Carlos et Suzanne Cianne. Qui sait, leur génie créatif inspirera peut-être tes prochains morceaux !
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- Edgard Varèse
- Daphne Oram
- Laurie Spiegel
- Pierre Schaeffer
- Raymond Scott
- Morton Subotnick
- Wendy Carlos
- Suzanne Cianne
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1. Edgard Varèse
Edgard Varèse (1883–1965) était un compositeur américain d’origine française et un pionnier de la production sonore du XXe siècle, souvent qualifié de « père de la musique électronique ». Ses œuvres novatrices mettaient l’accent sur le timbre et le rythme, envisageant la musique comme des « corps sonores dans l’espace » et rompant avec les formes et les thèmes traditionnels.
Né à Paris, Varèse se consacre d’abord à la musique contre la volonté de son père avant de s’installer à Berlin en 1907, où il est influencé par des compositeurs comme Erik Satie, Claude Debussy et Ferruccio Busoni. Après avoir émigré aux États-Unis en 1915, il compose Amériques, une œuvre révolutionnaire achevée en 1921 mais jouée pour la première fois en 1926. Varèse cofonde également l’International Composers’ Guild, qui soutient les compositions modernes d’artistes américains et européens.
La musique de Varèse repousse les limites grâce à la dissonance, à l’asymétrie et à l’utilisation des premiers instruments électroniques tels que les ondes Martenot et le thérémine. En 1930, il compose Ionisation, la toute première œuvre classique écrite exclusivement pour un ensemble de percussions, puis retourne à Paris pour réviser Amériques afin d’y intégrer de nouvelles technologies. Son œuvre a toujours reflété sa conviction profonde : les supports électroniques avaient le potentiel de révolutionner la musique.
En 1958, Varèse accède à une reconnaissance internationale grâce à Poème électronique, une pièce écrite pour le pavillon Philips lors de l’Exposition universelle de Bruxelles. Cette composition multimédia associait le son, le visuel et la spatialisation, s’appuyant sur 400 haut-parleurs pour diffuser un son qui se déplaçait dynamiquement dans l’espace, consacrant son statut de créateur en avance sur son temps.
L’attention portée par Varèse au timbre, au rythme et aux nouvelles technologies a inspiré toute une génération de jeunes musiciens, parmi lesquels Robert Lamm et Terry Kath du groupe Chicago, John Zorn ou encore Frank Zappa.
2. Daphne Oram
Daphne Oram (1925–2003) était une compositrice électronique pionnière, inventrice de l’Oramics Machine et ardente défenseuse de la musique électronique en tant que forme d’art à part entière. Elle a cofondé le prestigieux BBC Radiophonic Workshop et a largement contribué au développement de techniques sonores expérimentales. Bien qu’ayant reçu une offre pour étudier au Royal College of Music en 1942, Oram a choisi de travailler comme ingénieure de studio débutante à la BBC, où sa carrière dans la musique électronique a véritablement commencé.
Dès le milieu des années 1940, Oram compose une musique qui associe l’orchestration acoustique à de l’électronique en direct et à des platines vinyles. Elle milite auprès de la BBC pour obtenir des équipements de musique électronique et commence à expérimenter les techniques de la musique concrète : enregistrement, manipulation et mise en boucle de bandes magnétiques.
Dans les années 1950, ses expériences novatrices avec des magnétophones aboutissent à la création de la toute première partition entièrement électronique de la BBC, réalisée à l’aide d’oscillateurs d’ondes sinusoïdales, d’enregistreurs à bande et de filtres. Cet engouement grandissant pour les sons électroniques débouche en 1958 sur la création du BBC Radiophonic Workshop, cofondé par Oram.
Désillusionnée par la volonté de la BBC d’utiliser principalement l’atelier pour concevoir des musiques de fond et des effets sonores plutôt que des compositions originales, Oram quitte l’institution un an seulement après sa création. Elle fonde alors son propre studio, les Oramics Studios for Electronic Composition, à Tower Folly. Elle y développe pleinement sa vision artistique en composant des œuvres pour la radio, le cinéma, la publicité, des expositions et des performances en direct. Elle crée même, sans être créditée, des effets sonores pour des films de James Bond tels que Dr. No et Goldfinger.
L’invention la plus remarquable d’Oram, l’Oramics Machine, était un système révolutionnaire de séquençage et de synthèse sonore par dessin (« drawn sound »). Il permettait de dessiner directement des formes d’onde, des hauteurs de notes et des enveloppes de volume sur une pellicule pour générer des sons, illustrant son esprit avant-gardiste et sa volonté de repousser les frontières de la musique électronique. Aujourd’hui, elle reste dans les mémoires comme une pionnière majeure dont les travaux ont façonné l’histoire de la musique électronique.
Tout au long de sa carrière, Daphne a donné des conférences sur la musique électronique et les techniques de studio. Son ouvrage, An Individual Note of Music, Sound and Electronics (1971), explore la physique du son et l’émergence de la musique électronique sous un angle philosophique.
3. Laurie Spiegel
Laurie Spiegel (née le 20 septembre 1945) est une compositrice américaine renommée pour ses pièces de musique électronique et son logiciel avant-gardiste de composition algorithmique, Music Mouse. Également guitariste et luthiste émérite, Spiegel est inscrite au National Women’s Hall of Fame. Son interprétation musicale de l’œuvre Harmonices Mundi de Johannes Kepler a été intégrée à la section « Sounds of Earth » du Voyager Golden Record, embarqué à bord des sondes spatiales Voyager en 1977. De plus, son morceau « Sediment » (1972) a été utilisé dans le film The Hunger Games en 2012.
Embed :Après avoir obtenu une licence de sociologie, Spiegel étudie la musique à Londres puis la composition à la Juilliard School à Manhattan. Elle devient une pionnière de la composition algorithmique en travaillant sur des synthétiseurs comme ceux de Buchla et le système GROOVE des Bell Labs, ainsi que sur des systèmes numériques à l’image du synthétiseur AlphaSyntauri pour les ordinateurs Apple II. Son logiciel le plus marquant, Music Mouse (1986), était un « instrument intelligent » conçu pour les ordinateurs Macintosh, Amiga et Atari, affirmant encore davantage son influence dans la musique électronique.
Au-delà de la musique électronique, Spiegel a également composé pour le piano, la guitare et de petits ensembles orchestraux. Ses contributions à la musique contemporaine lui ont valu le prix Grants to Artists de la Foundation for Contemporary Arts en 2018, consacrant son statut de pionnière tant dans la composition classique qu’électronique.
4. Pierre Schaeffer
Pierre Schaeffer (1910–1995) était un compositeur, acousticien et ingénieur en électronique français, largement considéré comme le père de la musique concrète. Ce genre novateur a émergé dans l’Europe d’après-guerre en utilisant les nouvelles technologies musicales pour manipuler et modifier des sons enregistrés grâce au traitement du signal et à des techniques sur bande magnétique. Schaeffer a été le premier à employer la bande magnétique dans la composition musicale, révolutionnant ainsi la production musicale moderne.
Embed :En 1942, Schaeffer fonde le Studio d’Essai (devenu plus tard le Club d’Essai) au sein de la Radiodiffusion nationale, qui devient un haut lieu tant pour l’expérimentation musicale que pour les activités de la Résistance française pendant la Seconde Guerre mondiale. Il crée plus tard le Groupe de recherche de musique concrète (GRMC) au sein de la radiodiffusion française, ce qui lui donne accès à des technologies de pointe pour mener ses expérimentations révolutionnaires. De 1968 à 1980, il enseigne au Conservatoire de Paris, formant des figures comme Éliane Radigue et Jean-Michel Jarre, ce dernier l’ayant d’ailleurs qualifié de tout premier disc-jockey.
Au-delà de ses créations musicales, Schaeffer a abondamment écrit sur la philosophie et la théorie de la musique concrète, publiant des essais, des romans, des pièces de théâtre et des biographies. Ses innovations dans l’enregistrement et les techniques d’échantillonnage ont jeté les bases de la musique électroacoustique et électronique moderne, faisant de lui l’une des personnalités les plus influentes de l’histoire de la musique expérimentale.
5. Raymond Scott
Raymond Scott (né Harry Warnow, 1908–1994) était un compositeur, chef d’orchestre, pianiste, producteur de disques et inventeur d’instruments électroniques américain. D’abord connu comme compositeur de musique d’illustration, Scott est aujourd’hui considéré comme un pionnier de la musique électronique. Ses compositions ont acquis une immense notoriété après avoir été adaptées dans les dessins animés de Warner Bros., notamment Looney Tunes et Merrie Melodies, avant d’apparaître plus tard dans The Simpsons, SpongeBob SquarePants et bien d’autres.
En 1936, Scott forme le Raymond Scott Quintette, qui rencontre un succès immédiat grâce à son style de « jazz descriptif », mariant le swing à des changements de tempo inédits et à des rythmes syncopés. Scott commence sa carrière comme pianiste au sein de l’orchestre de CBS Radio avant de s’intéresser rapidement à l’ingénierie sonore. Pendant les séances d’enregistrement, il travaille souvent depuis la régie, expérimentant l’acoustique et diverses techniques de prise de son.
Scott était également un inventeur avant-gardiste d’instruments électroniques. Il a conçu des machines comme l’Electronium, capable de composer et d’interpréter automatiquement de la musique à l’aide de processus algorithmiques – un ancêtre précoce de l’intelligence artificielle. Ses innovations dans le domaine du séquençage électronique ont influencé des figures majeures telles que Bob Moog, qui a conçu des circuits pour Scott et l’a cité comme une source d’inspiration déterminante.
Dans les années 1970, Berry Gordy, le fondateur de Motown, engage Scott comme directeur du département de recherche et de musique électronique du label, un poste qu’il occupe de 1971 à 1977. Les travaux pionniers de Scott, tant sur le plan musical que technologique, ont façonné l’avenir de la musique électronique et de l’ingénierie sonore.
6. Morton Subotnick
Morton Subotnick est l’un des pionniers du développement de la musique électronique et un innovateur dans les œuvres mêlant instruments et autres médias, notamment les systèmes musicaux informatiques interactifs. La plupart de ses œuvres intègrent une partie informatique ou un traitement électronique en temps réel. Morton a été l’un des premiers compositeurs à collaborer avec le concepteur d’instruments électroniques Don Buchla. L’œuvre qui a rendu Morton célèbre est Silver Apples of the Moon. Composée en 1967 à l’aide du synthétiseur modulaire Buchla, cette pièce présente des timbres synthétisés saisissants pour l’époque, ainsi qu’un contrôle de la hauteur de note auquel beaucoup d’autres compositeurs de musique électronique contemporains avaient renoncé.
Embed :En 1969, Morton est invité à rejoindre une équipe d’artistes partant pour Los Angeles afin d’imaginer un nouvel établissement d’enseignement. Morton cofonde le désormais célèbre California Institute of the Arts et en devient le doyen associé. Il occupe ce poste au sein de l’école de musique pendant quatre ans avant de démissionner pour prendre la direction du programme de composition. Quelques années plus tard, il crée un programme dédié aux nouveaux médias qui intègre les technologies interactives et le multimédia dans le cursus pédagogique.
Alors que la musique électronique précédente s’appuyait sur des structures non traditionnelles, les compositions électroniques de Morton sont structurées de manière plus proche de la musique classique pour instruments acoustiques à laquelle le public est habitué, tout en proposant des timbres inédits et des manipulations de hauteur qu’aucun orchestre ne pourrait produire.
7. Wendy Carlos
Wendy Carlos (née le 14 novembre 1939) est une compositrice et musicienne américaine reconnue pour sa musique électronique et ses bandes originales de films. Elle a étudié la physique et la musique à l’Université Brown, puis la composition musicale à l’Université Columbia, où elle a fait la rencontre de Robert Moog et a contribué au développement du synthétiseur Moog.
Carlos a accédé à la notoriété avec Switched-On Bach (1968), un album reprenant des œuvres de Jean-Sébastien Bach interprétées au synthétiseur Moog. L’album a rencontré un succès retentissant, remportant trois Grammy Awards et devenant le premier album de musique électronique à être certifié disque de platine aux États-Unis.
Durant cette période, Carlos a entamé sa transition avec le suivi du Dr Harry Benjamin, un pionnier des soins de santé pour les personnes transgenres. En 1969, lors d’un concert avec l’Orchestre symphonique de Saint-Louis, elle s’est déguisée en homme car son apparence avait changé sous l’effet de son traitement hormonal. Bien que la prestation ait été un succès, cette expérience l’a poussée à renoncer aux apparitions publiques. Le succès phénoménal de Switched-On Bach s’est également accompagné d’une immense pression, et Carlos s’est retirée dans son studio, fuyant la vie publique par crainte des moqueries et de violences potentielles.
Malgré sa réserve, Carlos a continué d’innover dans la musique électronique, publiant d’autres albums et composant des bandes originales de films cultes, notamment Orange mécanique (1971) et Shining (1980) de Stanley Kubrick, ainsi que Tron (1982) de Disney. Ses contributions à la musique et à la technologie ont laissé une empreinte indélébile, et elle demeure célébrée comme une artiste visionnaire et pionnière.
7. Suzanne Cianne
Suzanne Ciani est une pionnière de la musique électronique aux États-Unis. Après avoir obtenu un master en composition à l’UC Berkeley, elle a collaboré avec les pionniers John Chowning et Max Matthews avant de travailler avec le concepteur de synthétiseurs Don Buchla au début des années 1970. Son expertise sur le synthétiseur Buchla a lancé une brillante carrière de claviériste et de designer sonore publicitaire, créant des sons emblématiques pour des publicités et des jeux vidéo tout au long de la décennie.
Elle est devenue la première femme à composer la bande originale d’un grand film hollywoodien, The Incredible Shrinking Woman, avant de poursuivre une carrière solo mêlant instruments électroniques et acoustiques. Ses albums instrumentaux lui ont valu cinq nominations aux GRAMMY Awards ainsi que de nombreuses distinctions. Ces dernières années, Suzanne est revenue à ses racines électroniques en donnant des concerts solo au synthétiseur modulaire, notamment lors d’une performance remarquée au Moogfest 2016.
Nommée ambassadrice artistique pour l’éducation au Berklee College of Music pour l’année 2016-2017, Suzanne a travaillé directement avec les étudiants et les enseignants pour concevoir des projets interdisciplinaires et faire le pont entre Berklee et les mondes plus larges de la musique et de l’art. En 2017, le documentaire A Life in Waves est sorti sur les écrans, mettant en lumière ses contributions majeures à la musique et au design sonore.
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