Bien souvent, lorsque l’on pense à un morceau, notre esprit se tourne immédiatement vers la mélodie. La mélodie, ou « topline », est la partie que l’on fredonne ou que l’on chante, celle qui reste gravée dans nos mémoires. Mais une mélodie se suffit rarement à elle-même. Sa richesse et sa dynamique captivante découlent en grande partie des harmonies et des accords qui l’entourent.
Comprendre la définition de l'harmonie en musique permet de donner véritablement vie à nos mélodies. Grâce à une utilisation judicieuse de l'harmonie, on peut insuffler à une mélodie tension et résolution, complexité et profondeur.
Tu te demandes peut-être s'il vaut mieux te concentrer sur la mélodie ou sur l'harmonie dans tes propres morceaux. En réalité, il ne s'agit pas de les opposer. Elles fonctionnent main dans la main. Si la mélodie est la « star » du titre, ce sont bien l'harmonie et les accords qui lui confèrent tout son charisme.
Au sommaire :
- Qu'est-ce que l'harmonie en musique ?
- Les aspects fondamentaux de l'harmonie
- Les types d'harmonies en musique
- Comment utiliser l'harmonie pour composer
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Qu'est-ce que l'harmonie en musique ?
En musique, l'harmonie désigne l'émission simultanée d'au moins deux notes. Comme ces notes sont jouées en même temps et sont « empilées » les unes sur les autres, on qualifie souvent l'harmonie de dimension « verticale » de la musique.
L'harmonie apporte de la richesse et de la texture à la musique, et joue un rôle capital dans l'expression des émotions au sein d'une composition.
Voyons une forme élémentaire d'harmonisation en superposant des notes sur cette gamme de Do majeur :
Si l'on joue la gamme de Do majeur avec des notes supplémentaires superposées (nous commençons ici sur le Mi pour remonter toute la gamme majeure), voici ce que cela donne :
En revanche, si l'on joue cette même gamme en l'harmonisant à partir du La situé en dessous, voici le résultat :
Cela montre bien à quel point l'harmonie peut transformer une même ligne mélodique de façons très différentes.
En fin de compte, l'harmonie sert à établir un « centre tonal », un « foyer » sur lequel se reposer et vers lequel converger. Elle permet d'instaurer une tension, puis de la relâcher.
Jacob Collier explique brillamment le concept de tonalité de référence dans cette vidéo :
Il convient de préciser que la théorie abordée dans cet article repose sur les pratiques de la musique occidentale. Il existe bien d'autres approches de l'harmonie, qu'il s'agisse de systèmes de gammes, d'accords ou d'accordages d'instruments. La musique populaire s'appuyant principalement sur l'harmonie occidentale, c'est sur celle-ci que nous nous concentrons ici.
Les aspects fondamentaux de l'harmonie
Maintenant que nous avons cerné la définition générale de l'harmonie, penchons-nous sur plusieurs concepts harmoniques incontournables : les accords, les progressions d'accords, l'armure et la modulation.
Les accords
Quand on se demande ce qu'est l'harmonie en musique, il est essentiel de reconnaître le rôle fondamental que jouent les accords.
Les accords constituent le fondement même de l'harmonie, sur lequel la mélodie bâtit son pouvoir évocateur. Ils offrent un contexte et une toile de fond à la mélodie, permettant aux thèmes de se déployer et de nous faire voyager. C'est grâce aux accords et à l'harmonie que la musique trouve sa dynamique et son mouvement.
Un accord réunit généralement au moins trois notes jouées ou chantées simultanément. Selon les combinaisons choisies, le résultat sonore peut être radicalement différent.
Une méthode simple pour construire des accords consiste à prendre une gamme et à en retenir un degré sur deux. Reprenons l'exemple de la gamme de Do majeur.
Nous pouvons former un accord en sélectionnant trois degrés alternés de cette gamme (on prend une note, on en saute une, et ainsi de suite).
Écoutons ces trois notes alternées — Do, Mi et Sol — qui, jouées ensemble, forment l'accord de Do majeur. On les appelle les « notes de l'accord ».
Accords consonants et accords dissonants
Les accords consonants sont des combinaisons de notes qui produisent une sonorité stable et agréable à l'oreille. Ils procurent un sentiment de résolution et de repos. Les accords consonants peuvent être majeurs :
Ou mineurs :
À l'inverse, les accords dissonants engendrent une sonorité tendue, instable, voire perçante.
Il est important de noter que si une dissonance peut sembler « fausse » isolément, le contexte fait toute la différence en musique. Comme le montre l'exemple ci-dessous, un accord dissonant crée une tension qui est ensuite résolue de manière très satisfaisante par l'accord consonant qui le suit.
Les accords de tonique
L'accord de tonique est l'accord d'ancrage d'une tonalité. C'est le plus stable de tous, souvent employé au début ou à la fin d'une phrase musicale. Il est systématiquement construit sur le premier degré de la gamme. Ainsi, en Do majeur, l'accord de tonique est Do majeur, composé des notes Do-Mi-Sol (C-E-G). Observe les notes mises en surbrillance dans le piano roll : ce sont les notes de l'accord :
Les accords de dominante
Les accords de dominante suscitent une forte attente car ils précèdent la résolution vers la tonique. Dans une tonalité, l'accord de dominante se situe sur le cinquième degré de la gamme. En Do majeur, l'accord de dominante est donc Sol majeur (G majeur). Il est constitué des notes Sol-Si-Ré (G-B-D).
Les accords de pré-dominante
Ces accords servent à préparer les accords de dominante ; ils se placent donc généralement avant celle-ci dans une progression d'accords. Il existe plusieurs accords de pré-dominante, notamment ceux bâtis sur le deuxième et le quatrième degré de la gamme. Dans le cas de Do majeur, il s'agit de Ré mineur et de Fa majeur. L'accord de Ré mineur est composé de Ré-Fa-La (D-F-A).
L'accord de Fa majeur est quant à lui composé de Fa-La-Do (F-A-C).
Les progressions d'accords
Dans la musique occidentale, les accords sont souvent enchaînés pour traduire des mouvements harmoniques précis. Ces suites d'accords sont appelées des progressions d'accords ; elles confèrent structure et direction aux compositions musicales.
Certaines progressions d'accords sont devenues incontournables dans la musique pop et ont été utilisées d'innombrables fois. Prenons par exemple la progression I-III-IV-iv (en Do, cela correspond à Do majeur – Mi majeur – Fa majeur – Fa mineur).
(Garde à l'esprit qu'une progression d'accords peut être jouée dans n'importe quelle tonalité : tout dépend de la note ou de l'accord de départ).
En pratique, à quoi ressemble l'harmonie dans un morceau connu ? Eh bien, cette séquence d'accords précise a été employée dans de nombreux tubes, comme « Vampire » d'Olivia Rodrigo.
« Creep » de Radiohead :
« Get Free » de Lana Del Ray :
Et bien d'autres encore.
Les progressions d'accords n'appartiennent à personne : inspire-toi donc des plus grands pour enrichir ta propre composition.
L'armure
En musique, l'armure indique la tonalité d'un morceau et précise les notes à hausser ou à baisser systématiquement tout au long de la composition. Elle fait office de feuille de route pour les musiciens, leur indiquant quelles notes jouer au naturel, avec un dièse ou avec un bémol.
Par exemple, dans la tonalité de Mi mineur, on retrouve les notes suivantes :
Mi-Fa#-Sol-La-Si-Do-Ré-(Mi)
Puisqu'il s'agit de notre armure, le choix de la mélodie et des accords de notre morceau découlera directement de cet ensemble précis de notes.
La modulation
L'armure d'une composition n'est pas gravée dans le marbre. Dans de nombreux morceaux, on entend des « modulations », c'est-à-dire des changements de tonalité. Cela permet d'apporter un puissant revirement émotionnel à la musique.
Découvrons ce qui constitue sans doute l'exemple de modulation le plus célèbre de la musique pop : « I Will Always Love You » de Whitney Houston.
La majeure partie du morceau est dans la tonalité de La majeur. Tu peux écouter le refrain dans cette tonalité à 1:46. Le fameux changement de tonalité se produit à 3:09, où le morceau passe brusquement en Si majeur, rehaussant l’ambiance de manière triomphale.
Les types d’harmonie en musique
Il existe de nombreuses formes d’harmonie en musique. Dans la théorie musicale occidentale, on distingue notamment trois types d’harmonie courants :
- L’harmonie diatonique – qui utilise les notes de l’armure pour créer des mélodies et des accords.
- L’harmonie non diatonique – qui utilise les notes de l’armure ainsi que des notes extérieures à celle-ci.
- L’harmonie atonale – qui ne s’appuie sur aucun centre tonal traditionnel.
Découvrons certains de ces types plus en détail ci-dessous.
L’harmonie diatonique
L’harmonie diatonique intervient lorsque l’harmonie du morceau est centrée sur la tonique, dictée par l’armure. En d’autres termes, les accords et les mélodies de l’harmonie diatonique sont tous issus de l’armure. Cette forme d’harmonie est extrêmement courante dans la musique populaire.
L’harmonie non diatonique
Ce type d’harmonie utilise des accords et des mélodies qui s’écartent de la gamme diatonique. Elle est très présente dans le jazz, la musique classique et de nombreux autres genres actuels. Les compositeurs font appel à l’harmonie non diatonique pour « emprunter » des accords à différentes tonalités et apporter des couleurs harmoniques à leur musique.
John Coltrane intègre une harmonie non diatonique dans ce morceau pour lui apporter des couleurs tonales intéressantes et inattendues.
L’harmonie atonale
L’harmonie atonale est une approche de l’écriture musicale qui évite délibérément d’établir un centre tonal ou une tonalité de référence. Les musiciens qui adoptent ce concept cherchent généralement à explorer des dimensions musicales affranchies des relations harmoniques traditionnelles. Au lieu de cela, ils explorent des méthodes alternatives pour construire des narrations musicales.
Dans « Future Markets » de Jonny Greenwood, par exemple, il est impossible de discerner un centre tonal ou un point de résolution harmonique. Cette pièce a été composée de manière atonale.
Utilise l’harmonie pour composer tes morceaux
Maintenant que tu as la réponse à la question « Qu’est-ce que l’harmonie en musique ? », tu peux intégrer ces concepts dans tes propres productions.
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Pour illustrer le potentiel harmonique de Playbox ainsi que la puissance de ces concepts théoriques, voyons comment transformer une mélodie toute simple en quelque chose de captivant.
Commençons par une mélodie sans harmonie :
Ajoutons maintenant quelques accords issus directement du preset Curious Sun de Playbox. Après quelques ajustements et l’ajout d’une batterie et d’une basse, on obtient un résultat comme celui-ci :
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