オランダ出身のプロデューサーHuminalは、明瞭さとエモーションを巧みに両立させたメロディックハウスやテクノで高い評価を得ています。Purified RecordsからリリースされたMitch de Kleinとの最新コラボレーショントラックMirageは、緻密なサウンドデザインと豊かな空間の奥行きによって、その絶妙なバランスを実現しています。重厚なベースからコードのエアー感ある動きに至るまで、すべてのレイヤーが意図を持って配置され、決して混雑することのない、生命感あふれる空間を生み出しています。
Huminalにとって、その秘訣はサウンドを形作る制作ツールにあります。Mirageの制作において、Raumは彼のワークフローを決定づける存在となり、メロディや動きを邪魔することなく引き立てる空間を作り出すことを可能にしました。彼のリバーブの使い方は単なるアンビエンスの付加にとどまらず、楽曲のコンポジションそのものの一部となり、ミックス内の各サウンドに適切な居場所と広がりを与えています。
今回のインタビューでは、HuminalがMirageの制作にRaumをどのように活用したのか、表現手法としてのアトモスフィアへのアプローチ、そして没入感あるミックスを実現する細部のこだわりについて語ってくれました。
各セクションへのジャンプ：
- HuminalがRaumでMirageを構築し、没入感ある奥行きを生み出した方法
- Raumが単なるエフェクトを超え、クリエイティブな制作プロセスの一部となった理由
- 様々な再生環境でアトモスフィアを忠実に再現する方法
- メロディックハウスにおけるリバーブ、空間、疾走感のバランスを保つコツ
- アーティストのアイデンティティとしてのアトモスフィア
- 空間が果たす役割の定義
優れたリバーブがエレクトロニックミュージックにおいてなぜ最も強力なツールになり得るのか、Komplete StartバンドルでRaumを無料で入手して確かめてみましょう。
Mirageには非常に際立った空間の広がりがあります。トラックの制作を始める際、どのようなアトモスフィアにしたいか最初からイメージがあるのでしょうか、それともサウンドデザインをしていく中で形作られていくのでしょうか？
いいえ、普段は特定のアトモスフィアをあらかじめ想定して曲作りを始めることはありません。すべてはメロディやテーマから始まり、そこから周囲のアトモスフィアや空間を構築していきます。このEPのタイトルトラックでは、非常に壮大なコード進行を思いついたので、ミックスに十分な奥行きと空間を与え、幽玄で幻想的な空気感を作り出したいと考えました。
私たちはMirageでRaumを多用しました。本当に素晴らしいサウンドのリバーブです。Kompleteバンドルの一部としてすでに持っていたのですが、Mitchとのスタジオセッションでようやくその真価に気づきました。それ以来、手掛けるほぼすべてのプロジェクトで活躍しています。
とはいえ、コードのスケール感を演出しているのはリバーブだけではありません。基本的なノコギリ波をレイヤーし、ユニゾンをかなり持ち上げることで、コード進行をワイドで力強いサウンドに仕上げています。
Huminalからのプロのヒント：新しいシンセやエフェクトを購入する前に、すでに持っているのに使っていないものを見直してみましょう。思わぬ隠れた名機が眠っているかもしれません。
ご自身のワークフローにおいて、リバーブやディレイを単なるエフェクトとして扱っていますか？それともミックス内で独自のスペースを必要とするインストゥルメントのように捉えていますか？
エフェクトがどれだけサウンドを変化させるかにもよりますが、ミックス内で各要素がどのスペースを占めているかは常に意識するようにしています。例えば、リードをサポートすることが主目的で目立たせる必要のないパッドなら、ミックス内で少し奥へ引っ込め、センドではなくチャンネルに直接リバーブをインサートすることが多いです。
際立たせるべきリードサウンドには、通常センドを使ってリバーブをかけます。そうすることでリードが前面に出てクリアさを保ちつつ、背後に適度な奥行きと空間を得ることができます。
クラブの音響システム、ヘッドホン、小型スピーカーなど、様々な環境でミックスの没入感をしっかりと再現するために、どのようにテストしていますか？
普段はスタジオモニター、ヘッドホン、iPhoneのスピーカー、車の中など、異なる音響システムでミックスを試聴しています。これにより、トラックのエネルギーや没入感が様々な環境でどう再現されるかを確認し、それに応じて微調整を行います。
クラブでのトラックのテストは少し難しくなります。自分の曲をプレイしている最中はフロアの客席に立てないからです。そのため、仲間のDJやプロデューサーにダンスフロアでの鳴り方をチェックしてもらい、フィードバックをもらうことがよくあります。もちろんモニタースピーカーでもある程度は把握できますが、最終的にはメインシステムでどう鳴るかを知る必要があります。
楽曲制作中に常にチェックしていることのひとつが、モノラルでどう聴こえるかです。これは特に大型の音響システムにおいて、重要な要素がすべて埋もれずに際立っているかを確認する優れた方法です。
Huminalからのプロのヒント：サウンドカードやキーボードにモノラルのショートカットを設定しておくと、モノラルとステレオを素早く切り替えられるので、どの環境でもしっかりと鳴るかを確認しやすくなります。
ダンスフロアでのエネルギーを損なうことなく、トラックに奥行きや空間を加えたいと考えている若手プロデューサーに向けてアドバイスはありますか？
先ほども言ったように、制作中は常にミックスをモノラルでチェックすることです。大型の音響システムでメインの要素がブレずにしっかりと残り、埋もれてしまわないようにするための最も手軽な方法です。
リバーブの扱いには注意が必要です。大きなエネルギーをもたらしてくれる一方で、ヘッドルームを圧迫し、重要なディテールをぼやけさせてしまうこともあります。奥行きを生み出す方法は他にもたくさんあります。ディレイや控えめなユニゾンレイヤー、クリエイティブなパンニングでも十分に効果を得られます。
Huminalからのプロのヒント：リバーブタイムをトラックのBPMに合わせて設定しましょう。ドラムにおいては、リバーブが次のキックに被って濁るのを防ぎ、タイトなリズムを維持できます。
アトモスフィアはアーティストのアイデンティティを示す指標になり得ると思いますか？
間違いなくなれると思いますし、そうしているプロデューサーもたくさんいますが、自分の作品において常に一定のアトモスフィアを保っているとは言えません。ですから、それが私のプロダクションのトレードマークというわけではありません。私にとって常に原動力となるのはリードメロディやテーマであり、その周囲のアトモスフィアはそれを支え、引き立てるものであるべきだと考えています。
「Mirage」のように壮大でエネルギッシュなトラックを作りたい時もあれば、親密で繊細、内省的な雰囲気を持つ、よりエモーショナルなトラックを目指す時もあります。そうした場合は単なるエネルギーよりも、繊細さやそれが呼び起こす感情にフォーカスします。トラックを通してどんなストーリーを伝えたいかによって全く違ってきます。
改めて振り返ってみて、あなたにとってアトモスフィアとは一体何でしょうか？
私にとってアトモスフィアは、自分を定義づけるラベルというよりもツールです。特定の「サウンド」を追い求めるのではなく、楽曲ごとにひとつの旅路を描き出すことこそが大切なのです。
「Mirage」のような疾走感のあるトラックであれ、より内省的な場面であれ、空間や奥行き、テクスチャーがいかに楽曲のエモーショナルなインパクトを高められるかに焦点を当てています。その意味でアトモスフィアは、私のキャリアやスタイルそのものを定義づけるものではなく、表現したい感情を伝えるための役割を果たしています。
Huminalからのプロのヒント：リバーブに手を伸ばす前に、まずは各要素のパンニングを試してみてください。サウンドをぼやけさせることなく、ミックスに空間とクリアさをもたらすことができます。
まとめ
Mirageには、メロディと動き、エモーションと緻密さのバランスという、Huminal独自のアプローチが凝縮されています。Raumはその空間の探求をサポートし、クリアさを失うことなくテクスチャーと広がりを加えました。
Huminalにとって、サウンドデザインはストーリーを語る手法のひとつです。Raumの多様性は、深遠で内省的なパッセージから開放的で高揚感あるビルドまで、そうした物語を緻密に構築する自由を与えてくれます。その結果、楽曲のエモーションに常に寄り添い、緻密でありながら没入感に満ちたサウンドが生まれるのです。
