Marion Di Napoliの音楽制作に対するアプローチは、感情に根ざしています。クラシックピアノのバックグラウンドを持ち、エレクトロニック・プロデューサーへと転身した彼女は、エモーショナルなコード進行と粗削りでリズミカルなエネルギーを融合させたサウンドをここ数年追求してきました。Charlotte de Witte主宰のレーベルからリリースされた最新作『Fade Away』は、クラブの直感と深いつながりを融合させたボーカル主導のトラックで、その進化を見事に表現しています。
彼女のワークフローの中心にあるのが、Maschine Mikroです。
Marionにとって重要なのは、正確さを追求したり厳格なテンプレートに縛られたりすることではありません。耳にする音に対して身体的に反応しながら、その瞬間と寄り添い続けられるツールを持つことです。そのフィジカルでダイナミックな操作性が、トラックを形作る上で大きな役割を果たしており、直感的なスケッチから始まって完全なアレンジへと磨き上げられていくことがよくあります。
今回のインタビューでは、Maschine Mikroによってより直感的に作曲できる理由や、スタジオで完璧主義を克服する方法、そして制作プロセスの一環として不完全さの価値をどのように見出しているのかについて、Marionが語ってくれました。
セクション一覧：
- 制作プロセスにおいて自発性が核となる理由
- Maschine Mikroが感情主導の作曲を支える仕組み
- リズム、表現力、フィジカルコントロールのつながり
- ミニマリズムと繊細さのバランス
- 不完全さと実験を通して地に足をつける方法
機材、直感、そして感情を駆使して独自のサウンドを形作るMarionの制作スタイルを見ていきましょう。
『Fade Away』のように感情が高まる楽曲を制作する際、考えすぎる前に素早くアイデアを形にすることはどれほど重要ですか？
私にとって、クリエイティビティとはまさに自発性そのものです。トラックに時間をかければかけるほど、その本質や本来のDNAを見失ってしまうような気がします。約6年前にプロデュースを始めた頃は、1つの作品を完成させるのに何週間も、時には何ヶ月も費やしていました。細部にまでこだわり、完璧に仕上げようと絶えず調整を繰り返していたのです。しかし時が経つにつれ、完璧さを追い求めることは、音楽からむき出しの感情を奪ってしまうことが多いと気づきました。完璧主義は、むしろ本物の純粋さを損なうことがあるのです。無傷なものを作ろうとすると、そのアイデアを最初にワクワクさせたバイブスから遠ざかってしまうことがあります。
その意識の変化をきっかけに、私はMIDIコントローラーであるMaschine Mikroを使い始めました。アイデアが頭に浮かんだら、すぐにキャプチャーしたいのです。触覚的で直感的なデバイスがあれば、考えすぎることなく制作プロセスに没頭できます。ループを1つ打ち込み、パッドを叩いてすぐにレイヤーを重ねていくことができます。そこからパターンやアイデアが自然とあふれ出てくるのです。
アイデアのスケッチができたら、コンピューターに向かい、キーボードとマウスを使ってより正確に構成を整えていきます。ですが、最初のフェーズであるスケッチやラフドラフトは、常に自発的なものです。それこそが音楽に生命を宿し続ける秘訣です。
Marion Di Napoliからのプロのヒント：特定の成果を期待せず、自由な発想でリラックスして、Maschine Mikroを使って1人でジャムセッションを楽しんでみてください。そこにこそ、制作の面白さが詰まっています。
マウスやキーボードを使う場合と比べて、Maschine Mikroでリズムを叩き出したりボーカルカットをトリガーしたりする身体的な動作は、クリエイティブな流れにどのような変化をもたらしますか？
私が実感する最大の違いは、やはりリズムにあります。マウスやキーボードで作業していると、すべてがはるかに機械的になりがちです。音色や全体のサウンドに関してはMaschine Mikroがなくても対応できますが、リズムに関してはまったく別次元の体験になります。より自発的で、よりリアルに感じられるのです。大きなメリットの1つは、ベロシティ対応のパッドです。
ボーカルチョップであれパーカッション要素であれ、パッドを使うことでパターンに緊張感やダイナミクスをしっかりと加えることができます。他では再現しにくい表現力を生み出してくれるのです。
Marion Di Napoliからのプロのヒント：フィンガードラミングには、ボーカル、ドラム、テクスチャーの断片など、あらゆる要素を活用できます。クリエイティビティに限界はありません。
セッションを始めるとき、普段はリズム、ボーカルのアイデア、それともテクスチャーのどれから着手することが多いですか？ Mikroはそれを捉えるのにどう役立っていますか？
それは本当にその時々によりますね。私は1つの制作プロセスに縛られることはありません。マシンを使っているときでも、ピアノやギターなどの楽器を弾いているときでも、探究し、新しいことを試し、アイデアに導かれるままに進めるのが好きです。
Mikroを使うとき、事前にトラック制作を始めていて頭の中に明確なアイデアがあることもあれば、完全に白紙の状態からスタートすることもあります。白紙のときは、テクスチャーやボーカル、シンセの音などを打ち込んでいきます。そうした瞬間は、感情に身を任せ、機材の直感的でインタラクティブな側面に頼るようにしています。
素晴らしい結果につながることもあれば、どこにも行き着かないこともあります。それでもプレッシャーを感じず、明確な成果を決め込まずに、ただジャムセッションを楽しむ時間を大切にしています。探求し、試し、実験するスペースを自分に与えるのです……そして正直なところ、最高のアイデアが形になり始めるのは、大抵そういうときなのです！
Marion Di Napoliからのプロのヒント：まずは演奏し、整理は後回しにしましょう。頭の中でプロジェクトをきれいに計画しすぎると、直感を妨げてしまうことがよくあります。まずはとにかく演奏し、パターンの整理は後から集中して行いましょう。
まだ荒削りな良いアイデアに対して、疑念を抱かないようにするにはどうすればいいでしょうか？ 手を使って作業することは、ブレずに集中し続けるのに役立ちますか？
マシンを使った制作の強みであり、時に課題でもあるのは、すべてが非常に素早く自発的に進むという点です。その瞬間には考えすぎる余地がなく、クリエイティビティに従ってアイデアを重ねていくだけです。私にとってそのプロセスは完全に感情主導なので、とても気に入っています。分析しすぎることなく、その瞬間に心地よいと感じることをやるだけです。それこそが純粋な創造性です。
私は普段からインスピレーションを受けやすいタイプなので、アイデアはすぐに浮かんでくる方です。しかし、Mikroを使ってパターンを構築し様々な要素を重ねる初期段階を終えたら、一歩引いて厳選する必要があります。すべてをそのまま残しておくわけにはいかないからです。
実際のところ、私の楽曲はかなりミニマルな仕上がりが好みで、それぞれの音に確固たる居場所があり、意図を持って空間を埋めている状態にしたいのです。お互いに衝突する要素を重ねすぎるのではなく、要素同士のコール＆レスポンスのようなダイナミクスを意識して制作することがよくあります。
すべてを並べ終えたら、本格的な選別作業が始まります。何を残し、何が調和し、何が合わないのかを決めるのです。そして正直に言うと、これが最も難しい作業の1つです。作ったものすべてを気に入ってしまうこともあるので、何をカットするか選ぶのは本当に骨が折れます。
手を使って作業することについて言えば、クリエイティブなフローがさらに濃密になります。自発的なアイデアが次々と湧き出てくるのです。そこから、どのアイデアが真にトラックのためになるかを判断します。残りのアイデアは手放すか、今後のプロジェクトのために保存しておきます。
Marion Di Napoliからのプロのヒント：間違いを恐れないでください。コントローラーを使うメリットは、いつでも戻って修正できる点にあります。ビートを外したり間違ったノートを叩いてしまっても問題ありません。演奏を続けましょう。調整は後からいくらでもできます。
ワークフローにおいて、感情の繊細さと技術的な正確さのバランスをどのように取っているか教えていただけますか？
私はすべてがバランスに尽きると信じています。私にとって、トラックにおける感情や繊細さは、技術的な正確さとほぼ対立するものです。技術的な側面に踏み込むと、クリエイティブな瞬間から一歩外に出て、リスニング体験をスムーズで心地よいものに仕上げる作業にシフトします。
私にとって素晴らしいトラックには、両方が不可欠です。感情の核となる作品の魂と、適度な技術的洗練です。たとえばテクノでは、最もインパクトのあるトラックが必ずしも技術的に最も洗練されているとは限りません。そこに感情が宿っているからこそ心に響くのです。人々が音楽を聴くのは、その魂、感情を揺さぶる力、連れて行ってくれる旅、呼び覚まされる記憶、そして掻き立てられる感情を求めているからです。
楽曲を聴くすべての人のうち、技術的な細部を評価できるプロデューサーやプロフェッショナルはおそらく1%に過ぎません。残りの人々は、感情的なつながりを求めて聴いているのです。
技術面を完璧にすることばかりに集中しすぎると、楽曲の魂や個性を失ってしまう恐れがあります。しかしその一方で、どれほど素晴らしい感情の核を持っていても、プロデュースが粗悪で聴き心地が悪ければ、やはり人の心には届きません。
だからこそ私にとって大切なのは、その絶妙なバランスを見つけることです。トラック本来のエネルギーを薄めたり手を加えすぎたりすることなく、自然な流れと心地よいサウンドを実現できる最低限の技術的ケアを施しながら、楽曲の本質に忠実であり続けることです。
Marion Di Napoliからのプロのヒント：革新的であってください。これまで見たことも試したこともないことに挑戦してみましょう。
自分のスタイルを模索している新進アーティスト、特に初期段階で不完全な作品を作ることを恐れているかもしれない人たちに、どんな言葉を贈りますか？
王道を外れることを恐れず、自分を枠にはめたり既存のものをなぞったりしないようにと、迷わず伝えたいです。人々に自分の音楽を聴いてもらいたいなら、新鮮でユニークなものを提示する必要があります。
自分自身のサウンドを見つけるのは決して簡単なことではありません。ですが、実験を続け、探求を続け、そして何よりもルールを破ることを恐れてはいけません。不完全さこそがアートを美しくすると私は心から信じています。最も力強いアイデアが生まれるのは、そうした粗削りで不完全な瞬間であることが多いのです。
音楽の魂であるクリエイティビティは、マニュアルから学べるものではありません。自ら体験し、感じるものです。マシンを使うにせよ、楽器を使うにせよ、コンピューターだけで完結させるにせよ、自らのクリエイティビティに導かれるままに進むことが不可欠です。
技術面に関しては、時間と経験とともに身についてきます。耳が肥え、聴くものを分析するようになり、自分のトラックを絶えず見直すようになります。それには忍耐と多くの練習、そして何よりも情熱が必要です。
まとめ
制作プロセスや、感情や直感と意図や正確さのバランスについて語ってくれたMarion Di Napoliに感謝します。Maschine Mikroを使った彼女のワークフローは、彼女の音楽全体に流れる精神を如実に表しています。すなわち、その瞬間に従い、リアルに感じるものを形にし、思考が邪魔をする前に手を動かすということです。RPMからリリースされた『Fade Away』で、そのスピリットを存分に体感できます。
Maschineの触覚的な世界をまだ体験したことがないなら、考えすぎるのをやめてトラックを肌で感じることから何が生まれるのか、Marionのワークフローが改めて気づかせてくれるはずです。
