Von der Kinoleinwand bis zum Kopfhörer: Die energiegeladene Welt des K-Pop verlangt nach einem klanglichen Feinschliff, der gleichzeitig chirurgisch präzise und absolut kinoreif ist. Im mit dem Golden Globe ausgezeichneten Film K-Pop Demon Hunters definiert die Musik die gesamte Welt.
Wir haben mit zwei maßgeblichen Köpfen hinter dem Soundtrack des Films gesprochen: Producer Lindgren (Dua Lipa, BTS) und Mix-Engineer Curtis Douglas (TWICE, Snoop Dogg, Hunter Hayes), der kürzlich für seine Arbeit an dem Projekt mit fünf GRAMMY-Nominierungen bedacht wurde. Sie erzählen, wie sie Tools von Native Instruments und iZotope eingesetzt haben, um riesige Sessions zu bändigen und einen Sound zu kreieren, der ebenso brachial wie kristallklar ist.
Top-Tools für die Produktion entdecken
Lindgren, du als Producer von „Takedown“ und Curtis, du als Mixer und Vocal-Editor: Ihr wart beide maßgeblich daran beteiligt, einen zentralen Song des Soundtracks zu formen. Wie haben sich eure jeweiligen Rollen und kreativen Visionen ergänzt, um den Anforderungen eines K-Pop-inspirierten Actionfilms gerecht zu werden?
Lindgren: Curtis und ich haben schon an vielen Projekten zusammengearbeitet. Als es also um Mix und Editing ging, war er für mich der Einzige, der für diese Herausforderung infrage kam. Die Produktion von „Takedown“ wuchs zu etwas heran, das jemanden mit weniger Erfahrung völlig überfordert hätte – aber Curtis hat das Monster gebändigt. Wir standen in ständigem Austausch und haben unzählige Feinschliffe vorgenommen, noch bevor wir das Ganze dem Label oder Studio präsentiert haben.
Curtis: Lindgren und ich haben einen sehr ähnlichen Geschmack, was das Mischen seiner Produktionen zu einem extrem angenehmen und intuitiven Prozess macht. Die Session war zwar riesig, kam aber perfekt organisiert bei mir an und klang bereits fantastisch. Wir feilen so lange daran, bis es sich für uns alle absolut richtig anfühlt, und dann schicken wir es ab.
Curtis, du hast für den Soundtrack bei allen Vocals RX De-click und De-clip eingesetzt. Kannst du uns Schritt für Schritt erklären, wie du diese Reparatur-Tools genutzt hast, um diesen druckvollen, hochglanzpolierten K-Pop-Sound zu erzielen?
Curtis: Ich reagiere extrem empfindlich auf Mundgeräusche wie Klicks und Popplaute. In lauten Passagen gehen sie vielleicht unter, aber in intimen Momenten – wie dem Intro von „Free“ – lenken sie enorm ab.
Ich nutze RX De-click als AudioSuite-Plug-in in Pro Tools. Ich wähle einen kurzen Abschnitt aus, etwa die erste Hälfte einer Strophe, und loope ihn. Dann aktiviere ich „Output Clicks Only“ und passe die Sensitivity so an, dass ich wirklich nur noch die Klicks höre. Wenn die Sensitivity zu hoch eingestellt ist, entstehen Artefakte und die eigentliche Gesangsspur wird beschädigt. Das will ich natürlich vermeiden. Diesen Vorgang wiederhole ich mit jedem Algorithmus (Single Band, Multi-Band und Low Latency), um wirklich alles zu erwischen.
Gegen Clipping setze ich De-clip ein. Manchmal übersteuern bestimmte Laute das Mikrofon, wodurch einzelne Wörter stärker saturiert klingen als der Rest. Mit De-clip bändige ich diese Wörter und sorge dafür, dass sie sich klanglich nahtlos in die übrigen Vocals einfügen.
Curtis, wie hast du die Balance zwischen konkurrenzfähiger Lautheit und der für den Kinosaal nötigen cinematischen Wucht gefunden?
Curtis: Die Wahl des richtigen Limiters spielt bei diesem Sound eine riesige Rolle. Ich wusste: Wenn ich zu weit von meinem gewohnten Workflow abweiche, leiden die Mixe darunter. Ich habe dafür gesorgt, dass alles dynamisch bleibt, indem ich den Output der Master-Sektion von Ozone automatisiert habe.
Am Ende eines Mixes nehme ich mir meist 15–20 Minuten Zeit, um herauszufinden, welcher Limiter am besten klingt. In der Regel entscheide ich mich entweder für IRC 2 oder den Clipping-Modus in IRC 3. IRC 2 klingt transparent und druckvoll; dazu greife ich, wenn mir der Clipping-Modus zu gesättigt vorkommt.
Lindgren, abgesehen von diesem Soundtrack: Was sind deine unverzichtbaren Go-to-Tools von Native Instruments im Alltag?
Lindgren: Ich kann mich gar nicht daran erinnern, wann ich das letzte Mal einen Song ohne Kontakt produziert habe. Auch wenn ich Unmengen an analogen Synths horte: Bestimmte Dinge passen einfach nicht in mein Studio, wie etwa ganze Orchester. Außerdem liebe ich die Gitarren und Bässe.
- FM8: Immer noch ein absolutes Biest – ich liebe es, ihn an seine Grenzen zu bringen.
- Guitar Rig: Bei mir ständig im Einsatz, egal ob als Amp-Simulation oder einfach als Effekt-Rack.
Curtis, nach deinen fünf GRAMMY-Nominierungen: Was ist der wichtigste Ratschlag, den du angehenden Mix-Engineers mit auf den Weg geben kannst?
Curtis: Lass dir Zeit. Bei einer riesigen Spurenanzahl verliert man schnell den Überblick. Wenn du deine Sessions ordentlich organisierst und beschriftest, geht das Management viel leichter von der Hand. „Golden“ habe ich in einer einzigen Session gemischt, aber „Soda Pop“ hat drei Tage gedauert. Ich gebe keinen Mix ab, auf den ich nicht wirklich stolz bin – ganz egal, wie lange es dauert.
Mach preisgekrönte Musik
Egal, ob du eine gigantische Session bändigst oder Vocals mit chirurgischer Präzision reparierst: Die richtigen Tools und ein geduldiger Workflow sind unverzichtbar für professionelle Ergebnisse. Wenn du auf eine gute Organisation setzt und die passenden Prozessoren nutzt – von RX bis Kontakt –, heben sich deine Tracks garantiert auf jeder Plattform ab.
