Le dernier single d’Adana Twins, « Keep On Coming », est une collaboration avec Ocean Flor et le chanteur Jesse Trinidad qui emmène leur son vers des horizons encore plus expressifs. Sorti sur leur propre label TAU, le morceau s’ouvre sur une atmosphère intime et cinématique avant de monter progressivement en intensité jusqu’à devenir euphorique – au point que Pete Tong l’a choisi pour ouvrir son set à Coachella.
L’un des ingrédients secrets qui lie l’ensemble n’est autre que Guitar Rig.
Réputé pour sa flexibilité et sa capacité à sculpter le son avec émotion, Guitar Rig aide le duo hambourgeois à faire ressortir des couches subtiles, à ajouter du grain là où il le faut et à conférer à leurs lignes de basse tout le poids nécessaire pour porter le morceau.
Dans cette interview, ils reviennent sur l’évolution de leur utilisation de Guitar Rig au fil des années – de la distorsion brute à l’émotion sculptée – et détaillent les techniques précises derrière certains de leurs sons préférés sur « Keep On Coming » et leur remix du classique de Josh Wink, « Higher State of Consciousness ».
Au sommaire :
- L’intention émotionnelle derrière chaque session avec Guitar Rig
- Comment concilier grain et clarté
- Superposition lo-fi et choix d’amplis pour créer de l’intimité
- Les astuces stéréo utilisées sur le remix de Josh Wink
- Trouver l'équilibre entre intimité et efficacité en club
- Conseils pour les producteurs en quête d’une chaleur imparfaite
Un concentré de précieux conseils de production. En bonus, essaie les sons d’Adana Twins grâce à des presets gratuits pour Guitar Rig.
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Aujourd’hui, lorsque vous ouvrez Guitar Rig, quel est généralement votre objectif : sculpter le timbre, apporter du mouvement ou poser une ambiance ?
Quand nous ouvrons Guitar Rig en studio, notre objectif premier est de susciter des émotions. C’est notre outil incontournable pour insuffler de l’âme à nos productions, en particulier pour créer des lignes de basse amples, riches et vivantes, qui portent véritablement le morceau. Nous l’utilisons pour apporter de la chaleur, du mordant et du caractère.
Par exemple, nous faisons passer une basse synthétique dans un ampli pour lui donner cette profondeur organique et brute, ou nous superposons le Tape Delay pour évoquer une sensation humaine et nostalgique. Même si sculpter le son et apporter du mouvement font partie intégrante du processus – avec des effets comme les délais ou le panoramique pour insuffler de la vie –, tout cela sert un objectif plus vaste : l’impact émotionnel.
Nous ne nous contentons pas de tourner des potentiomètres, nous nous demandons : « Est-ce que cette ligne de basse procure une émotion ? Est-ce qu’elle guide l’ambiance ? » La polyvalence de Guitar Rig nous permet d’atteindre ce cœur émotionnel, que nous construisions une intro mélancolique ou un drop pour les heures de pointe, et tout particulièrement lorsque nos morceaux ont besoin d’une touche indie/rock analogique : c’est un outil incroyablement précieux.
Le conseil d’Adana Twins : duplique ta piste de basse ou crée une piste de retour pour un traitement parallèle. Conserve la basse d’origine en mono pour garder de la clarté. Applique des effets comme des délais ou des modulations sur la deuxième piste « basse stéréo » et automatise-les pour apporter de la texture et une profondeur dynamique.
Comment trouvez-vous le juste équilibre entre texture subtile et surcharge, surtout sur des morceaux chargés d’émotion comme « Keep On Coming » ?
L’équilibre entre texture subtile et surtraitement est crucial, surtout sur des titres empreints d’émotion comme « Keep On Coming », où la ligne de basse et les différents éléments doivent briller sans être écrasés. Ici, nous avons utilisé Guitar Rig avec beaucoup de finesse pour renforcer le poids émotionnel de la ligne de basse et d’autres couches.
Par exemple, nous appliquons un ampli sur une ligne de basse pour lui conférer une couleur chaude et légèrement saturée, mais nous gardons le gain bas et le mélangeons avec le signal brut (dry) pour que la basse conserve toute sa clarté et son punch. Le but est de rendre la basse ample et vivante sans étouffer le cœur du morceau.
Sur « Keep On Coming », nous avons aussi utilisé Reverb Delight de Guitar Rig pour apporter une profondeur discrète à un chop vocal. Nous aimons beaucoup utiliser les automatisations pour préserver le dynamisme : moduler des paramètres comme le feedback du delay ou la coupure du filtre permet à la texture d’évoluer sans envahir le mix. Il s’agit d’être au service de l’émotion, pas d’en faire trop.
Et j’ai aussi utilisé le preset « 8 Bit Raum » sur les accords house bien épais pour leur donner un peu plus de mordant.
Le conseil d’Adana Twins : commence par des presets, puis ajuste-les. La bibliothèque de presets de Guitar Rig est un excellent point de départ. Choisis un preset adapté à l’ambiance recherchée, puis modifie un paramètre – comme le déclin de la réverbe ou le drive de la distorsion – afin de l’adapter au cœur émotionnel de ton morceau. Teste ce qui sonne le mieux.
Votre utilisation de Guitar Rig a-t-elle évolué depuis vos premiers morceaux, ou répond-il toujours aux mêmes besoins essentiels ?
Notre utilisation de Guitar Rig a bien évolué depuis nos premiers EP, à l’époque où nous travaillions davantage avec des samples. Nous nous en servions alors principalement pour apporter une distorsion brute, dans l’optique d’obtenir des sons percutants et taillés pour le club.
Il s’agissait avant tout de faire frapper nos morceaux, en appliquant une émulation de Tubescreamer ou de Big Muff sur un synthé de basse pour lui donner du grain. Ces premières lignes de basse étaient audacieuses, mais manquaient parfois de profondeur émotionnelle.
Aujourd’hui, avec notre dernière sortie sur TAU par exemple, nous utilisons Guitar Rig pour susciter davantage d’émotion et sculpter des basses pleines et vivantes, qui portent l’âme du morceau. Nous explorons également les modules lo-fi et les effets de modulation afin d’ajouter des textures qui subliment l’atmosphère.
J’ai par exemple utilisé le preset Vocal Dimension sur certaines boucles vocales. S’il répond toujours à notre besoin fondamental d’ajouter du caractère, il s’agit désormais surtout de créer des couches riches en émotion, créant un pont entre des moments intimes et l’énergie du club. Les outils enrichis de Guitar Rig s’accordent parfaitement avec notre évolution vers des productions plus profondes et évocatrices.
Le conseil d’Adana Twins : module n’importe quel paramètre avec des LFO et des macros. Assigne des LFO ou des macros à pratiquement tous les paramètres – comme la fréquence de coupure du filtre, le temps de delay ou le dosage de la réverbe – pour créer des sons animés et évolutifs. C’est un excellent moyen d’insuffler du mouvement et de préserver la fraîcheur et la dynamique de tes productions.
Quand une piste a besoin de « respirer » dans le champ stéréo, comment Guitar Rig vous aide-t-il à y parvenir ?
Lorsque nous voulons qu’une piste « respire » dans le champ stéréo, Guitar Rig est l’un de nos outils de prédilection pour créer de la largeur et du mouvement. La combinaison d’effets stéréo – chorus, phaser, modules de panoramique, délais créatifs – nous permet de transformer un son statique en lui donnant de l’espace et du mouvement.
Par exemple, nous pouvons utiliser un Vintage Chorus ou le Psyche Delay pour apporter un mouvement discret à une nappe ou à une voix, ce qui l’aide à trouver sa place dans le mix sans entrer en conflit avec les autres éléments.
Une technique que nous employons souvent, surtout pour les lignes de basse, consiste à créer une seconde piste dédiée au traitement stéréo. Sur cette piste dupliquée, nous utilisons Guitar Rig pour concevoir une image stéréo élargie, parfois avec des émulations d’amplis, de la modulation stéréo ou des effets Mid/Side – que nous pouvons ensuite contrôler séparément de la basse principale en mono. Cette méthode nous permet de conserver un bas du spectre précis et puissant, tandis que la couche traitée en stéréo ajoute de la profondeur et du relief dans les fréquences aiguës.
En combinant ces pistes, nous obtenons un son de basse à la fois solide en club et vibrant dans le mix.
Un excellent exemple en pratique a été notre remix du morceau « Higher State of Consciousness » de Josh Wink. J’avais acheté deux ou trois pédales de guitare analogiques en pensant qu’elles apporteraient le caractère recherché pour la ligne de basse. Mais après plusieurs essais, j’ai fini par utiliser Guitar Rig, car il m’offrait bien plus de contrôle et de flexibilité.
Le résultat était tellement convaincant que Josh lui-même a été très impressionné, à tel point qu’il m’a recontacté plus tard pour me demander la ligne de basse, l’originale des années 1990 ayant été perdue.
Ce moment a vraiment montré à quel point Guitar Rig est puissant, non seulement pour le design sonore créatif, mais aussi pour offrir des résultats professionnels salués par les plus grands.
Le conseil d’Adana Twins : expérimente. Fais passer des voix, des synthés ou des boucles de batterie dans les amplis et effets de Guitar Rig. Essaie l’ampli Fire Seeker sur un chop vocal pour obtenir une couche texturée et émouvante en complément d’une basse percutante.
Comment Guitar Rig sert-il la dimension émotionnelle de morceaux qui doivent être à la fois intimes et taillés pour le club ?
Guitar Rig joue un rôle central dans la création de morceaux à la fois intimes et calibrés pour le club, tout particulièrement pour nos lignes de basse bien grasses et nos éléments riches en émotion. Pour le côté intime, nous faisons souvent appel à des modules lo-fi comme Noise Machine pour ajouter une texture rétro, légèrement imparfaite. Sur « Keep On Coming », nous avons passé une basse de synthé dans l’ampli Tweed Delight avec un gain très bas, ce qui lui a conféré une texture chaleureuse et organique, à la fois intime et accueillante.
Ces subtiles imperfections rendent la ligne de basse plus humaine et captivent immédiatement l’auditoire.
Pour l’aspect club, les amplis de Guitar Rig nous permettent de propulser certaines de ces basses dans un registre puissant et dynamique. L’ampli Bass Rage, par exemple, apporte une attaque brute qui garantit que la basse ressorte parfaitement sur le sound system d’un club tout en conservant sa profondeur émotionnelle. Nous utilisons aussi le Loop Machine Pro pour superposer des éléments rythmiques ou des boucles vocales en direct.
En associant des textures intimes à des éléments traités et entraînants – soigneusement égalisés pour s’intégrer dans le mix –, Guitar Rig nous aide à créer des lignes de basse et des couches à la fois personnelles et prêtes pour le dancefloor, touchant l’auditeur en plein cœur tout en le faisant danser.
Pour les producteurs en quête de cette texture chaleureuse et pas trop polie, quel conseil donneriez-vous pour utiliser au mieux Guitar Rig ?
Abordez-le comme un terrain de jeu et faites-y passer n’importe quoi : voix, synthés, boucles de batterie, ou même des enregistrements de terrain (field recordings), à travers ses amplis et ses effets.
Expérimentez sans hésiter des chaînes de signal non conventionnelles, comme l’association d’un ampli à lampes bien granuleux à un écho à bande désaccordé ou à une réverbe lo-fi sur des sources autres que la guitare. Obtenez une saturation subtile et une chaleur de type analogique en ajustant le préampli et les réglages de l’égaliseur, et n’ayez pas peur de pousser les plug-ins dans leurs retranchements pour provoquer d’heureux accidents.
L’essentiel est d’aller au-delà des sonorités de guitare traditionnelles et de laisser la polyvalence du plug-in forger votre propre identité sonore.
En conclusion
Un grand merci à Adana Twins pour nous avoir fait découvrir aussi précisément comment Guitar Rig s’intègre dans leur processus de création. Ce qui frappe avant tout, c’est la fluidité et le naturel avec lesquels ils l’utilisent. C’est un instrument incontournable auquel ils font confiance dès qu’un élément a besoin d’être plus chaud, plus large ou plus vivant. Qu’il s’agisse de l’oscillation subtile d’une couche lo-fi ou de l’ampleur stéréo d’une basse dupliquée et traitée, ils s’en servent pour faire primer l’émotion sans jamais brouiller le mix.
Beaucoup cherchent des solutions pour rendre leurs morceaux plus percutants sans en écraser la dynamique, pour ajouter du mordant sans perdre en profondeur. Guitar Rig semble leur offrir ce parfait compromis : un espace pour expérimenter librement sans sacrifier la netteté de la production.
Ce n’est pas tant une question de réglages précis qu’un état d’esprit : utilise les outils, recherche l’émotion et laisse les traitements rester discrets, sauf quand ils doivent s’exprimer haut et fort.
