El último sencillo de Adana Twins, “Keep On Coming”, es una colaboración con Ocean Flor y el vocalista Jesse Trinidad que lleva su sonido a un terreno aún más expresivo. Publicado a través de su propio sello TAU, el tema arranca con un aire cinematográfico y vulnerable para ir creciendo poco a poco hacia algo más urgente y eufórico, hasta el punto de que Pete Tong abrió con él su sesión en Coachella.
Uno de los ingredientes secretos que une todo esto es Guitar Rig.
Conocido por su flexibilidad y su capacidad para moldear el tono con gran expresividad, Guitar Rig ayuda al dúo afincado en Hamburgo a poner en primer plano capas sutiles, añadir agresividad donde haga falta y dar a sus líneas de bajo el peso que necesitan para sostener el tema.
En esta entrevista, nos explican cómo ha cambiado su forma de usar Guitar Rig a lo largo de los años (de la distorsión pura y dura a una emoción modelada al detalle) y desglosan las técnicas concretas detrás de algunos de sus sonidos favoritos en “Keep On Coming” y en su remezcla del clásico de Josh Wink “Higher State of Consciousness”.
Pasa directamente a estas secciones:
- El objetivo emocional detrás de cada sesión con Guitar Rig
- Técnicas para equilibrar agresividad y claridad
- Capas lo-fi y amplis ideales para lograr intimidad
- Trucos de estéreo utilizados en el remix de Josh Wink
- Cómo hacer que los temas suenen íntimos pero listos para la discoteca
- Consejos para productores que buscan una calidez imperfecta
Esta entrevista está repleta de oro para tu flujo de trabajo. Además, prueba los sonidos de Adana Twins con estos presets gratuitos de Guitar Rig.
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Al abrir Guitar Rig hoy en día, ¿cuál suele ser el objetivo: moldear el tono, aportar movimiento o generar una atmósfera?
Cuando abrimos Guitar Rig en el estudio, nuestro principal objetivo es generar emociones. Guitar Rig es nuestra opción predilecta para inyectar alma a nuestras producciones, sobre todo cuando se trata de líneas de bajo que transmitan cuerpo, riqueza y casi vida propia, como si llevaran todo el peso del tema. Lo usamos para añadir calidez, definición y carácter.
Por ejemplo, pasamos un bajo de sintetizador por un ampli para darle esa profundidad orgánica y crujiente, o le añadimos capas de Tape Delay para evocar una sensación nostálgica y humana. Aunque moldear el tono y crear movimiento forman parte del proceso (usando efectos como delays o paneo para dar vida), todo ello está al servicio de un objetivo mayor: el impacto emocional.
No nos limitamos a girar diales; nos preguntamos: «¿Te hace sentir algo esta línea de bajo? ¿Marca el estado de ánimo?». La versatilidad de Guitar Rig nos permite perseguir ese núcleo emocional, ya sea al construir una intro melancólica o un drop para el momento álgido de la sesión, pero resulta especialmente útil cuando nuestras producciones necesitan un toque analógico de estilo indie o rock.
Adana Twins sugieren probar esto: Duplica tu pista de bajo o crea una pista de retorno para procesado en paralelo. Mantén el bajo original en mono para mayor claridad. Aplica efectos como delays o modulación a la pista secundaria de “bajo estéreo” y automatízalos para añadir profundidad dinámica y textura.
¿Cómo se encuentra el equilibrio entre una textura sutil y pasarse de la raya, sobre todo en temas tan emotivos como “Keep On Coming”?
El equilibrio entre una textura sutil y el exceso de procesado es crucial, sobre todo en temas tan emotivos como “Keep On Coming”, donde la línea de bajo y los demás elementos deben brillar sin quedar sepultados. Aquí usamos Guitar Rig para potenciar el peso emocional de la línea de bajo y de otras capas, tratándolo como una herramienta de precisión.
Por ejemplo, aplicamos un ampli a una línea de bajo para darle un toque cálido y ligeramente saturado, pero manteniendo la ganancia baja y mezclándolo con la señal directa para asegurarnos de que el bajo conserve su claridad y pegada. El objetivo es que la línea de bajo suene con cuerpo y vida sin tapar el corazón del tema.
En “Keep On Coming”, también usamos Reverb Delight de Guitar Rig para añadir una profundidad sutil a un corte vocal. A veces somos muy partidarios de la automatización para mantener el dinamismo: modular parámetros como el feedback del delay o el corte del filtro permite que la textura evolucione sin saturar la mezcla. Se trata de estar al servicio de la emoción, no de lucirse.
Y también utilicé “8 Bit Raum” en los acordes gruesos de house para darles un toque extra de garra.
Adana Twins sugieren probar esto: Empieza con presets y luego ajusta. La biblioteca de presets de Guitar Rig es un punto de partida excelente. Elige un preset que encaje con tu estado de ánimo y modifica un solo parámetro (como la caída de la reverb o el drive de la distorsión) para adaptarlo al núcleo emocional de tu tema. Experimenta con lo que suene bien.
¿Ha cambiado la forma de usar Guitar Rig desde vuestros primeros temas, o sigue resolviendo los mismos problemas esenciales?
Nuestra forma de usar Guitar Rig ha evolucionado desde nuestros primeros EP, cuando trabajábamos más con samples. Por aquel entonces, lo usábamos sobre todo para añadir distorsión pura y dura, buscando sonidos contundentes y listos para la discoteca.
Se trataba de resolver el problema de hacer que nuestros temas pegaran fuerte, metiendo una emulación de Tubescreamer o Big Muff en un sintetizador de bajo para darle agresividad. Aquellas primeras líneas de bajo tenían fuerza, pero a veces carecían de profundidad emocional.
Ahora, por ejemplo con nuestro último lanzamiento en TAU, usamos Guitar Rig para transmitir más emociones y moldear líneas de bajo que suenen llenas de vida, llevando el alma del tema. También recurrimos a componentes lo-fi y efectos de modulación para añadir texturas que refuercen la atmósfera.
Utilicé el preset Vocal Dimension para algunos bucles de voz, por ejemplo. Aunque sigue resolviendo la necesidad básica de aportar carácter, ahora se trata más bien de crear capas llenas de emoción, tendiendo un puente entre los momentos íntimos y la energía de la pista de baile. El conjunto ampliado de herramientas de Guitar Rig encaja a la perfección con nuestra evolución hacia producciones más profundas y evocadoras.
Adana Twins sugieren probar esto: Modula cualquier parámetro con LFO y macros. Asigna LFO o macros a prácticamente cualquier parámetro (como el corte del filtro, el tiempo de delay o la mezcla de la reverb) para crear sonidos en constante evolución y llenos de vida. Es una forma genial de inyectar movimiento y conseguir que tus producciones sigan sonando frescas y dinámicas.
Cuando hace falta que una capa “respire” en el campo estéreo, ¿cómo ayuda Guitar Rig a conseguirlo?
Cuando queremos que una capa “respire” en el campo estéreo, Guitar Rig es una de nuestras herramientas clave para crear amplitud y movimiento. La combinación de efectos estéreo (chorus, phaser, módulos de paneo, delays creativos) nos permite tomar un sonido estático y dotarlo de una sensación de espacio y dinamismo.
Por ejemplo, solemos utilizar Vintage Chorus o Psyche Delay para añadir un movimiento sutil a un pad o una voz, ayudando a que encaje en la mezcla sin pelearse con otros elementos.
Una técnica que usamos a menudo, sobre todo para las líneas de bajo, consiste en crear una segunda pista dedicada al procesado estéreo. En este duplicado, usamos Guitar Rig para diseñar un campo estéreo amplio, a veces con emulaciones de amplis, modulación estéreo o efectos mid/side, que luego podemos controlar por separado respecto a la línea de bajo principal en mono. Este enfoque nos permite mantener los graves bien definidos y contundentes, mientras que la capa procesada en estéreo aporta profundidad y emoción en las frecuencias más altas.
Al combinar estas pistas, conseguimos un sonido de bajo sólido para pinchar en el club y a la vez lleno de vida en la mezcla.
Un gran ejemplo de esto en acción fue nuestra remezcla de “Higher State of Consciousness” de Josh Wink. Me compré dos o tres pedales de guitarra analógicos pensando que me darían el carácter que buscaba para la línea de bajo. Sin embargo, tras probarlos, terminé usando Guitar Rig porque me ofrecía mucho más control y flexibilidad.
El resultado fue tan convincente que el propio Josh quedó impresionado; tanto que más adelante se puso en contacto conmigo para pedirme la línea de bajo, ya que la original de los años 90 se había perdido.
Ese momento demostró lo potente que puede ser Guitar Rig, no solo para el diseño sonoro creativo, sino también para ofrecer resultados profesionales que hasta las leyendas de la música saben apreciar.
Adana Twins sugieren probar esto: Experimenta. Pasa voces, sintes o bucles de batería por los amplis y efectos de Guitar Rig. Prueba el ampli Fire Seeker en un corte vocal para conseguir una capa con textura y carga emotiva que complemente una línea de bajo contundente.
¿Cómo ayuda Guitar Rig a mantener el tono emocional en temas que buscan sonar íntimos pero listos para la discoteca?
Guitar Rig es fundamental para crear temas que resulten íntimos y a la vez funcionen en la discoteca, especialmente para nuestras líneas de bajo gruesas y los elementos con mayor carga emocional. Para lograr esa intimidad, solemos utilizar componentes lo-fi como Noise Machine, que aportan una textura clásica y ligeramente imperfecta. En “Keep On Coming”, pasamos un sintetizador de bajo por el ampli Tweed Delight con poca ganancia, lo que le dio una cualidad cálida y palpable, muy personal y envolvente.
Esas sutiles imperfecciones hacen que la línea de bajo resulte cercana y atrape a quien la escucha.
En cuanto a la pegada para la discoteca, los amplis de Guitar Rig nos permiten llevar algunas de estas líneas de bajo a un terreno potente y dinámico. El ampli Bass Rage, por ejemplo, aporta una pegada con garra que garantiza que el bajo destaque en el equipo de sonido de cualquier sala sin perder profundidad emocional. También usamos Loop Machine Pro para añadir capas de elementos rítmicos o bucles vocales en directo.
Al mezclar texturas íntimas con elementos procesados y enérgicos (cuidadosamente ecualizados para encajar en la mezcla), Guitar Rig nos ayuda a crear líneas de bajo y capas que resultan tan personales como ideales para la pista de baile, logrando conectar con el público a nivel emocional a la vez que lo ponen a bailar.
Para quienes producen música y buscan esa textura cálida y no demasiado limpia, ¿cuál sería el mejor consejo para usar Guitar Rig como es debido?
Considéralo como un patio de recreo y pasa cualquier cosa (voces, sintes, bucles de batería o incluso grabaciones de campo) por sus amplis y efectos.
Experimenta sin miedo con cadenas de señal poco convencionales: por ejemplo, combina un ampli a válvulas agresivo con un tape delay modulado o una reverb lo-fi en fuentes que no sean guitarras. Ajusta una saturación sutil y una calidez de estilo analógico retocando los ajustes del previo y de la ecualización, y no temas llevar los plug-ins al límite en busca de accidentes afortunados.
La clave está en explorar más allá de los sonidos de guitarra tradicionales y dejar que la versatilidad del plug-in dé forma a tu propia identidad sonora.
En resumen
Muchísimas gracias a Adana Twins por mostrarnos con tanta claridad cómo encaja Guitar Rig en su proceso de trabajo. Lo que más llama la atención es lo integrado que lo tienen en su día a día. Es una herramienta de confianza a la que recurren cuando algo necesita sonar más cálido, más amplio o más vivo. Ya sea mediante la sutil oscilación de una capa lo-fi o la apertura estéreo de un duplicado de bajo procesado, lo utilizan para potenciar la emoción sin ensuciar la mezcla.
La gente busca formas de que sus temas peguen con más fuerza sin aplastar la dinámica. De añadir agresividad sin perder profundidad. Guitar Rig parece ofrecer ese punto intermedio donde seguir experimentando sin renunciar a un acabado impecable.
No se trata tanto de los ajustes específicos como de la mentalidad: usa las herramientas, persigue la emoción y deja que el procesado permanezca invisible a menos que deba hacerse notar.
