Pense aux films que tu aimes. Entends-tu une musique ? Qu'il s'agisse des mélodies envolées de Star Wars ou d'E.T., des guitares réverbérées des vieux westerns ou des paysages de synthés de Blade Runner, la musique donne vie aux chefs-d'œuvre du cinéma. La composition pour l'image est une forme d'art d'une grande richesse qui nous a offert certains des plus beaux morceaux du siècle passé.
Dans cet article, nous te présentons dix des plus grands compositeurs et compositrices de musique de film de tous les temps. Certains ont posé les fondations de la musique de film. D'autres ont exploré de nouvelles directions audacieuses. Et certains ont forgé une signature sonore qui n'appartient qu'à eux. Chacun de ces illustres artistes nous a offert des œuvres inoubliables, et ils ont énormément à nous apprendre sur l'art de composer pour le cinéma.
Accéder directement aux sections :
- Qui est le plus grand compositeur de musique de film de tous les temps ?
- Qui est le compositeur de musique de film le plus prolifique ?
- Top 10 des compositeurs de musique de film de tous les temps
- Commencer à explorer la musique de film
Qui est le plus grand compositeur de musique de film de tous les temps ?
Désigner le meilleur compositeur de musique de film dépend de la personne à qui l'on pose la question. Si l'histoire du cinéma te passionne, Max Steiner mérite d'être salué pour avoir inventé la musique de film telle que nous la connaissons. Si tu as un faible pour les thèmes mémorables, John Williams est sans doute le maître absolu des mélodies emblématiques. Et si tu recherches des sonorités inédites et audacieuses, Vangelis ou Mica Levi (Micachu) pourraient bien être tes références incontournables.
Chacun de ces artistes a apporté une contribution unique et essentielle à l'art de la musique de film. Découvre leur univers et vois celui qui résonne le plus en toi.
Qui est le compositeur de musique de film le plus prolifique ?
Le compositeur de musique de film le plus prolifique est sans doute Ennio Morricone, qui a signé plus de 400 bandes originales au cours de sa vie. En plus d'avoir défini le son du western, Morricone a composé pour une variété vertigineuse de genres, et son influence se fait encore sentir aujourd'hui. Mais la concurrence est rude face à des géants comme Max Steiner, auteur de plus de 300 bandes originales, ou Hans Zimmer, qui en compte environ 250 à son actif (et la liste s'allonge encore).
10 des meilleurs compositeurs et compositrices de musique de film de tous les temps
1. Max Steiner
Max Steiner a contribué à inventer la musique de film telle que nous la connaissons. Comme l'a écrit le critique Paul Cote : « La musique de Steiner a exercé une influence extraordinaire sur les techniques, les approches et les conventions qui constituent encore aujourd'hui les fondements de la musique de film dans le monde occidental. »
Pourquoi a-t-il été si influent ? Le calendrier a joué en sa faveur. Né en 1888, Steiner a commencé à travailler à Hollywood à l'époque du cinéma muet et s'est retrouvé aux premières loges pour façonner la transition vers le cinéma parlant. Son parcours singulier a également joué un rôle : né en Autriche avant de fuir vers les États-Unis à l'âge adulte, Steiner a mis à profit sa formation classique européenne pour développer le langage musical du septième art.
Steiner s'est inspiré de la technique du « leitmotiv » de Richard Wagner pour insuffler de la dramaturgie aux films. Il écrivait des thèmes mélodiques pour chaque personnage, capturant et sublimant leur personnalité à travers ses choix de mélodies. Steiner a également été l'un des premiers à synchroniser étroitement la musique avec l'action à l'écran. Ces principes peuvent sembler évidents aujourd'hui, mais c'est précisément parce que Steiner (et ses contemporains comme Erich Korngold) en ont fait les pierres angulaires de la musique de film.
Steiner a composé plus de 300 bandes originales, dont beaucoup de classiques qui le hissent parmi les plus grands compositeurs de cinéma. Sa musique pour Gone With The Wind (1939) s'est inspirée de mélodies traditionnelles américaines pour restituer l'atmosphère du Sud américain pendant la guerre de Sécession. Dans Casablanca (1942), il a transformé la mélodie d'une chanson populaire, « As Time Goes By », en un magnifique thème devenu l'un des éléments les plus mémorables du film, ainsi qu'un moment d'anthologie de la musique de cinéma.
2. Bernard Herrmann
Une génération après Max Steiner, Bernard Herrmann a totalement bouleversé les codes de la musique de film. Les envolées romantiques de Steiner reflétaient une époque plus insouciante de l'histoire d'Hollywood. À l'inverse, la musique d'Herrmann était tranchante et rythmée, reposant sur de courts motifs répétitifs et des accords dissonants. Comme l'écrit le critique Alex Ross, ce son « était original, voire expérimental, mais aussi utile » : il faisait écho au climat plus sombre de l'Amérique de l'après-Seconde Guerre mondiale. Cela a fait d'Herrmann l'un des plus grands compositeurs de cinéma de l'après-guerre.
Herrmann était réputé pour utiliser des instruments inhabituels afin de capturer l'ambiance d'un film. Dans la bande originale qui l'a révélé, pour Citizen Kane (1941) d'Orson Welles, il a utilisé la sonorité grave et fébrile de quatre flûtes alto lors de la scène d'ouverture sous haute tension. Il a également expérimenté de nouvelles technologies, à l'image des thérémines plaintifs que l'on entend dans The Day The Earth Stood Still (1951).
Herrmann est surtout célèbre pour ses collaborations sur neuf films d'Alfred Hitchcock, où sa musique amplifie l'angoisse et propulse parfois l'action. L'exemple le plus emblématique reste la scène de la douche dans Psycho (1960). À l'origine, Hitchcock ne voulait aucune musique pour cette séquence, mais Herrmann, connu pour son caractère particulièrement difficile, a insisté. Difficile aujourd'hui d'imaginer ce monument du cinéma sans ces cordes stridentes et perçantes. Bernard Herrmann a prouvé qu'une bande originale pouvait être acérée, dissonante et exigeante, tout en servant magistralement le septième art.
3. Ennio Morricone
Le destin fait parfois bien les choses. Ennio Morricone et Sergio Leone étaient camarades de classe à Rome dans les années 1930. Mais ils ne se sont retrouvés que des décennies plus tard, formant l'un des tandems réalisateur-compositeur les plus emblématiques de l'histoire du cinéma. Tout a commencé en 1964, lorsque Leone a invité Morricone à composer la musique de A Fistful of Dollars. Réaliser un western en Italie pouvait sembler un pari risqué. Pourtant, le style de mise en scène de Leone a donné naissance à un genre à part entière, le « western spaghetti », dont Morricone a forgé le son inimitable.
Ce son était épuré, porté par des mélodies puissantes et combinant des instruments orchestraux traditionnels avec des sonorités insolites : claquements de fouet, coups de feu, guitares électriques, cloches, harmonicas et le timbre vibrant de la guimbarde. Un style si singulier que les compositions de Morricone, pour des films tels que The Good, The Bad, and the Ugly, comptent parmi les plus reconnaissables de l'histoire du cinéma. Son approche a également ouvert de nouvelles perspectives pour la composition à l'image, en prouvant qu'il n'est pas nécessaire de disposer d'un immense orchestre pour créer une musique magistrale. Morricone a ensuite composé plus de 400 bandes originales dans une multitude de genres, faisant de lui l'un des compositeurs les plus prolifiques en plus d'être l'un des plus grands.
4. John Williams
Impossible d'imaginer les six dernières décennies du cinéma sans John Williams. Ses thèmes emblématiques sont trop nombreux pour être tous cités, du fameux motif à deux notes de Jaws aux amples mélodies de Jurassic Park, E.T. et tant d'autres. Dès les années 1960 et 1970, Williams a remis au goût du jour le son de « l'Âge d'or » hollywoodien hérité de Max Steiner, en y apportant une touche moderne. Ses bandes originales offraient au public une véritable évasion tout en rappelant une époque dorée. Comme l'a souligné l'auteur Dan Golding : « En redynamisant le son de l'orchestre hollywoodien dans les années 1970, Williams a relié le passé au présent. »
Son véritable coup d'éclat a eu lieu en 1977 avec Star Wars. À l'époque, les films de science-fiction recevaient plutôt des bandes-son futuristes saturées de sonorités synthétiques expérimentales. La musique orchestrale majestueuse de Williams a pris le contre-pied absolu, conférant au film une profondeur et une intensité émotionnelle inattendues. Elle a fait sensation et a changé à jamais la trajectoire de la musique de film.
Williams a depuis composé pour d'innombrables chefs-d'œuvre, d'Indiana Jones à Schindler’s List en passant par Harry Potter. Ses musiques magnifient le drame et approfondissent l'émotion, rendant les moments forts euphoriques et les passages sombres d'un grand lyrisme. Mais ce sont avant tout ses airs immédiatement fredonnables qui font de lui l'un des plus grands maîtres du genre. Williams a compris qu'une mélodie marquante renforce l'attachement du spectateur à un film et peut transformer un succès du box-office en une œuvre culte pour toute une vie. Le réalisateur et complice de longue date Steven Spielberg a d'ailleurs déclaré : « John Williams a été le contributeur le plus déterminant de ma réussite en tant que cinéaste. »
5. Joe Hisaishi
Joe Hisaishi est le compositeur de musique de film le plus célèbre du Japon, et l'homme derrière l'univers sonore des films tant aimés du Studio Ghibli. Ses compositions allient le romantisme d'un John Williams aux idées audacieuses issues de la musique minimaliste, New Age et électronique qu'il a explorée dans les années 1970 et 1980, en particulier sous l'influence du groupe pionnier japonais Yellow Magic Orchestra.
Hisaishi a contribué à façonner le genre de l'animation japonaise grâce à sa longue collaboration avec le réalisateur de Ghibli, Hayao Miyazaki. Il a signé la musique de la quasi-totalité des films de Miyazaki, dont des classiques inoubliables comme My Neighbor Totoro et Spirited Away. Ses créations sont à ce point indispensables aux productions du Studio Ghibli que l'équipe lui demande souvent des maquettes très tôt dans le processus de production, laissant la musique guider l'orientation du film.
Hisaishi s'est décrit comme un « compositeur basique et simple. Je veux seulement composer des choses que je peux jouer facilement chez moi au piano. » Son talent pour écrire de magnifiques mélodies est sans doute l'un des secrets de son succès. Mais cette humble description ne rend pas justice à la complexité de ses partitions, qui insufflent la vie aux animations de Miyazaki. Joe Hisaishi parvient à rendre réelles et émouvantes les scènes les plus fantastiques. C'est avant tout cela qui fait de lui l'un des plus grands compositeurs de cinéma de tous les temps.
6. Vangelis
Vangelis s'est emparé des outils électroniques pour créer certaines des bandes originales les plus singulières de tous les temps. Le compositeur grec a connu une brillante carrière en dehors du cinéma, d'abord avec le groupe de rock progressif Aphrodite’s Child, puis en solo en devenant l'un des pionniers du genre New Age. Mais les bandes originales extraordinaires qu'il a composées dans les années 1980 ont constitué l'apogée de son œuvre, confirmant son statut parmi les meilleurs compositeurs de cinéma.
Sa bande originale la plus célèbre reste celle de Chariots of Fire (1981). Le critique Roger Ebert l'a qualifiée de « l'une des bandes originales les plus remarquables du cinéma depuis bien longtemps ». Le thème d'ouverture épique, qui marie un piano somptueux à des instruments synthétiques, compte parmi les plus célèbres de l'histoire du septième art. L'autre grand triomphe de Vangelis fut Blade Runner (1982), où il associa des synthétiseurs envoûtants à du jazz digne d'un film noir, créant un alliage unique entre passé et futur.
Vangelis a tiré parti des nouvelles technologies pour réinventer le processus de composition à l'image. Il n'hésitait pas à imaginer des sonorités épiques inspirées de l'orchestration traditionnelle. Cependant, grâce aux instruments électroniques, il n'avait pas besoin de passer des mois sur une partition sur papier avant de réserver une session avec un orchestre : il pouvait se servir de ses synthés pour réagir aux images en temps réel, capturant souvent sa réaction spontanée face à une scène en train de se dérouler. Par cette approche inédite, Vangelis a repoussé les limites de la musique de film.
7. AR Rahman
AR Rahman est l'un des compositeurs les plus célèbres du cinéma indien, doté d'un talent exceptionnel pour mêler des influences variées au sein de bandes originales audacieuses et entraînantes. Depuis son ascension dans les années 1990, on lui attribue la réinvention de la musique de film indienne. Selon le magazine TIME, il « domine l'industrie musicale à tel point qu'il a composé la bande-son de toute une génération ».
Dans l’univers unique du cinéma indien, chansons et musiques de film ne font qu’un : les compositeurs doivent donc également être d’excellents auteurs-compositeurs. Rahman enrichit son travail de composition de sonorités éclectiques, comme dans son film révélateur, Roja (1992), où il associe les styles cinématographiques indiens traditionnels au reggae et à la jungle, avec des orchestrations dignes de Broadway et des touches à la Morricone, pour un résultat saisissant. Le reste du monde l’a découvert en 2008 avec Slumdog Millionaire. Des titres de la bande originale comme « Jai Ho » illustrent le sens mélodique redoutablement accrocheur de Rahman, mêlé à des rythmes électroniques entraînants et des éléments orchestraux épiques pour créer une signature sonore unique.
8. Hans Zimmer
Hans Zimmer est la véritable rockstar de la musique de film moderne. Il compte parmi les compositeurs de cinéma les plus célèbres de tous les temps, ayant signé la bande originale de nombreux blockbusters majeurs de notre époque. Il est difficile de définir un « son Zimmer » unique : il maîtrise aussi bien l’épique (Gladiator, Interstellar) que le familial (The Lion King, Pirates of the Caribbean) ou le futuriste (Inception, Dune). La marque de fabrique de Zimmer réside dans sa démarche : embrasser les nouvelles technologies et aller sans cesse de l’avant.
Zimmer n’a pas suivi de formation musicale académique poussée et s’appuie sur des outils électroniques pour concrétiser ses idées. Cela lui a permis d’avoir une longueur d’avance lorsque la musique de film est entrée dans l’ère électronique. Sa bande originale révolutionnaire pour Rain Man (1988), par exemple, associait un synthétiseur Fairlight CMI à des steel drums pour un rendu unique. De nombreuses partitions de Zimmer marient ainsi instruments classiques et textures électroniques. Il a également été le pionnier du travail en équipe avec d’autres compositeurs, une méthode qui stimule le renouvellement des idées et lui permet de répondre à une immense demande.
Avant tout, Zimmer a un sens aigu de l’évolution des tendances. Il a été à l’avant-garde de plusieurs révolutions sonores du cinéma, du romantisme teinté de musiques du monde de Gladiator (2000) à son audacieuse partition pour Inception (2010) – qui a popularisé le son de braaam abondamment copié depuis –, en passant par son travail sur les récents films Dune, véritable quintessence de la science-fiction moderne. Si tu regardes un blockbuster dont la bande-son semble résolument contemporaine, Hans Zimmer est très probablement derrière.
9. Mica Levi
Il est facile de se laisser absorber par l’histoire de la musique de film : après tout, nous avons derrière nous des décennies de chefs-d’œuvre inoubliables. Mais des compositeurs contemporains conçoivent aujourd’hui des œuvres tout aussi essentielles que celles des maîtres du passé. Mica Levi compte parmi les plus grandes figures de notre époque dans ce domaine. En seulement quelques bandes originales, Levi a développé une approche sonore pionnière : minimaliste et déroutante, mais ponctuée d’une touche d’humour et de romance. Une musique signée Mica Levi ne s’oublie pas.
Le coup d’éclat de Levi est survenu avec le troublant film de science-fiction Under The Skin (2013). Dans ce long-métrage, une extraterrestre débarque sur Terre avec une mission prédatrice, mais finit par chercher à entrer en contact avec les humains. La musique de Levi saisit parfaitement ce mélange d’horreur et d’intimité. Levi a puisé son inspiration chez le compositeur de la fin du XXe siècle György Ligeti (dont la musique figure dans 2001 et The Shining de Stanley Kubrick) pour imaginer des textures dissonantes venues d’un autre monde. Mais la partition offre également des moments de romance, à l’instar du morceau « Love », magnifique composition pour cordes à la singularité envoûtante. Comme l’a écrit Pitchfork, « l’engagement de Levi envers les thèmes du film est total, et la musique est intimement tissée dans l’ADN du long-métrage. »
Les autres bandes originales de Levi font preuve d’une sensibilité tout aussi remarquable envers les œuvres qu’elles accompagnent. Pour The Zone of Interest (2023), Levi a compris que la meilleure approche consistait à ne presque pas écrire de musique. Le film relate l’histoire glaçante d’une famille nazie installée juste à côté du camp d’Auschwitz, et le design sonore joue un rôle crucial dans la restitution de l’atmosphère. Afin de laisser toute leur place à ces bruits ambiants, Levi n’a composé que 14 minutes de musique. Dès l’ouverture, la musique descend vertigineusement en hauteur pendant trois minutes sur un écran noir, captant l’attention absolue du public. C’est l’un des moments les plus intenses de la musique de film contemporaine.
10. Hildur Guðnadóttir
Autre compositrice moderne à repousser les limites, Hildur Guðnadóttir réinvente la manière d’intégrer la musique au cinéma. Violoncelliste émérite qui a enregistré et joué aux quatre coins du globe, elle a notamment participé aux bandes originales les plus réputées du regretté Jóhann Jóhannsson (dont Arrival et Sicario), ce qui explique sans doute pourquoi ses textures sonores nous semblent si familières. Ses compositions, souvent guidées par son violoncelle, sont sombres et subtiles, convenant parfaitement aux thrillers psychologiques où la musique explore des vies intérieures tourmentées.
Pour composer une bande originale, Guðnadóttir a recours à des méthodes originales destinées à souder la musique à l’image. Pour Joker (2019), elle a composé les thèmes majeurs très en amont, et le réalisateur Todd Phillips a diffusé cette musique sur le plateau afin de guider le jeu des acteurs. L’acteur principal Joaquin Phoenix a raconté avoir été « profondément bouleversé » en entendant la partition, précisant qu’elle l’avait aidé à faire naître la métamorphose de son personnage en Joker.
Pour Tár (2022), Guðnadóttir a conçu une musique destinée à être écoutée par les interprètes dans leurs oreillettes pendant le tournage de certaines scènes – bien qu’elle ne figure pas sur l’album de la bande originale. La musique entendue par le public reste d’une subtilité extrême, instillant une sourde angoisse qui s’infiltre dans ton subconscient sans même que tu t’en rendes compte. C’est le contre-pied parfait des thèmes immédiatement « fredonnables » de John Williams et consorts. Hildur Guðnadóttir nous prouve qu’il existe une multitude de chemins pour compter parmi les plus grands compositeurs de musique de film de tous les temps.
Lance-toi dans la musique de film
Dans cet article, nous avons exploré le parcours de dix des plus grands compositeurs et compositrices de musique de film. Du romantisme de l’âge d’or de Max Steiner aux partitions épiques de Hans Zimmer et aux expérimentations avant-gardistes de Mica Levi, nous avons parcouru l’histoire du cinéma sous toutes ses facettes. Maintenant que tu cernes mieux les secrets d’une grande bande originale, pourquoi ne pas essayer de composer ta propre musique pour l’image ?
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