お気に入りの映画を思い浮かべてみてください。何か音が聴こえてきませんか？Star WarsやE.T.の高揚感あふれるメロディー、往年の西部劇を彩るギターの響き、Blade Runnerのシンセスケープなど、音楽は名作映画に命を吹き込みます。映画音楽の作曲は、過去1世紀にわたり数々の珠玉の楽曲を生み出してきた、表現力豊かな芸術形式です。
本記事では、映画音楽史に名を刻む偉大な作曲家10人をご紹介します。劇伴制作（フィルムスコアリング）の基礎を築いた巨匠もいれば、大胆な新境地を切り拓いた音楽家、あるいは唯一無二のサウンドを確立した作家もいます。彼らが遺した忘れがたい名曲には、映画のための作曲における多くの学びが詰まっています。
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史上最高の映画音楽作曲家は誰か？
史上最高の映画音楽作曲家が誰であるかは、何を重視するかによって異なります。映画史を重んじるなら、今日の映画音楽の基礎を築いたMax Steinerが挙げられるでしょう。心に残るテーマ曲を好むなら、象徴的なメロディーを生み出す天才であるJohn Williamsが最高峰かもしれません。大胆で新しいサウンドを求めるなら、VangelisやMica Levi（Micachu）が最適な選択肢となるでしょう。
ここで紹介する作曲家たちは皆、映画音楽という芸術に独自かつ極めて重要な貢献を果たしてきました。ぜひそれぞれの作品を聴き、心に響く音楽を見つけてみてください。
最も多作な映画音楽作曲家は誰か？
最も多作な映画音楽作曲家といえば、生涯で400作以上の劇伴を手がけたEnnio Morriconeが挙げられます。西部劇の代名詞となるサウンドを確立しただけでなく、驚くほど幅広いジャンルの楽曲を作曲し、その影響力は現代の映画音楽にも色濃く残っています。しかし、300作以上のスコアを手がけたMax Steinerや、現在も250作以上のスコアクレジットを持つ（そして今なお増え続けている）Hans Zimmerなど、他にも錚々たる顔ぶれが競っています。
映画音楽史に名を刻む偉大な作曲家10選
1. Max Steiner
Max Steinerは、私たちが今日知る映画音楽の基礎を築いた立役者です。批評家のPaul Coteが述べているように、「Steinerの音楽は、西洋世界における映画音楽の基礎であり続ける技法、アプローチ、慣例に絶大な影響を与えた」のです。
なぜ彼はこれほど大きな影響力を持ったのでしょうか？その要因のひとつに時代背景があります。1888年に生まれたSteinerは、無声映画時代にハリウッドでのキャリアをスタートさせ、「トーキー（発声映画）」への移行期を牽引する絶好の立ち位置にいました。また、彼の波乱に満ちた経歴も一役買っています。オーストリアに生まれ、成人後にアメリカへと渡ったSteinerは、ヨーロッパで受けたクラシック音楽の教育を活かして映画音楽の語法を発展させていきました。
SteinerはRichard Wagnerの「ライトモティーフ（示導動機）」の手法を取り入れ、映画にドラマチックな深みをもたらしました。登場人物ごとに固有のメロディックなテーマ曲を書き下ろし、旋律によってその個性を表現・強調したのです。またSteinerは、スクリーンの動きに音楽を綿密にシンクロさせる技法の先駆者でもありました。こうしたアイデアは今日では当たり前に思えるかもしれませんが、それはSteinerや同時代のErich Korngoldらが、これらを映画音楽の基礎として定着させたからに他なりません。
Steinerは300作以上の映画スコアを手がけ、その多くが名作として知られ、彼を最も偉大な映画音楽作曲家の一人に押し上げています。Gone With The Wind（1939年）の音楽では、アメリカの伝統的なメロディーを取り入れて南北戦争期のアメリカ南部の雰囲気を鮮やかに描き出しました。またCasablanca（1942年）では、流行歌であった「As Time Goes By」のメロディーを華麗なテーマ曲へと昇華させ、映画で最も印象的な要素のひとつ、そして映画音楽史に残る珠玉のハイライトへと仕立て上げました。
2. Bernard Herrmann
Max Steinerの一世代後、Bernard Herrmannは映画音楽の常識を覆しました。Steinerの高揚感あふれるロマンティックな旋律が初期ハリウッドの無邪気な時代を反映していたのに対し、Herrmannの音楽は短く繰り返されるリフや不協和音を駆使した、鋭角でリズミカルなものでした。批評家のAlex Rossが述べるように、このサウンドは「独創的で実験的ですらあったが、同時に極めて機能的」であり、第二次世界大戦後のアメリカの陰鬱なムードを反映していました。これにより、Herrmannは戦後を代表する名作曲家の一人となったのです。
Herrmannは映画の雰囲気を捉えるために一風変わった楽器を使用することでも知られていました。出世作となったOrson Welles監督のCitizen Kane（1941年）では、冒頭の緊迫したシーンに4本のアルトフルートによる低く不穏な響きを採用しました。また、The Day The Earth Stood Still（1951年）で聴かれる不気味に鳴り響くテルミンのように、新しいテクノロジーの導入にも意欲的に挑戦しました。
Herrmannが最も広く知られているのは、Alfred Hitchcock監督とタッグを組んだ9本の映画でしょう。彼の音楽は緊張感を高め、時には物語の展開を力強く推進しました。最も有名な例が、Psycho（1960年）のシャワーシーンです。当初、Hitchcockはこのシーンに音楽をつけないことを望んでいましたが、気難しいことで知られるHerrmannが強く主張しました。あの突き刺すようなストリングスの音がなければ、この映画史に残る名場面は考えられません。Bernard Herrmannは、映画音楽が鋭敏で、不協和で、難解であっても、素晴らしい映画体験を生み出せることを証明したのです。
3. Ennio Morricone
運命の巡り合わせとは不思議なものです。Ennio MorriconeとSergio Leoneは、1930年代のローマで同級生でした。しかし2人が再会するのは数十年後のことで、映画史に燦然と輝く名監督・作曲家コンビを結成することになります。すべての始まりは1964年、LeoneがMorriconeにA Fistful of Dollarsの音楽制作を依頼したことでした。イタリアで撮影された西部劇は成功が難しそうに思われましたが、Leoneの演出手法は「マカロニ・ウェスタン（Spaghetti Western）」という一つのジャンルを確立し、Morriconeはそのサウンドを決定づけたのです。
そのサウンドは音数が少なく、力強いメロディーに牽引され、オーケストラ楽器に風変わりな音を組み合わせたものでした。鞭の音や銃声、エレクトリックギター、鐘の音、ハーモニカ、そして口琴の独特な響きなどが散りばめられています。The Good, The Bad, and the Uglyなどの映画に見られるMorriconeの劇伴は、映画史において最も印象的な音楽の一つとなりました。また彼の手法は、素晴らしい映画音楽を作るのに必ずしも巨大なオーケストラは必要ないことを示し、映画音楽の可能性を大きく広げました。Morriconeは幅広いジャンルで400作以上のスコアを手がけ、最も偉大な映画音楽作曲家の一人であると同時に、最も多作な作家の一人でもあったのです。
4. John Williams
過去60年間の映画史を、John Williams抜きで想像することは不可能です。『Jaws』の緊迫した2音から、Jurassic ParkやE.T.をはじめとする壮大なメロディーまで、誰もが知る象徴的なテーマ曲は数え切れません。1960年代から70年代にかけて、WilliamsはMax Steinerらのハリウッド「黄金期」のオーケストラサウンドを現代的な感性で蘇らせました。彼のスコアは観客に日常からの解放感と古き良き時代への憧憬を与えました。作家のDan Goldingが表現したように、「1970年代にハリウッドのオーケストラサウンドを再活性化させることで、Williamsは歴史と現代を結びつけた」のです。
彼の決定的なブレイクスルーとなったのが、1977年のStar Warsでした。当時、SF映画といえばエッジの効いたシンセサイザーによる未来的サウンドが主流でした。しかし、Williamsによる壮大なオーケストラサウンドトラックはその逆を行き、作品に驚くべき深みと感情的な説得力を与えました。このスコアは社会現象を巻き起こし、映画音楽の方向性を大きく変えたのです。
それ以来、WilliamsはIndiana JonesやSchindler’s List、Harry Potterなど、数多くの名作を手がけてきました。彼の音楽はドラマ性を高め、感情を深め、映画のクライマックスを高揚させ、静かな場面を叙情的に彩ります。しかし、彼を史上最高の映画音楽作曲家たらしめているのは、何よりも一度聴いたら口ずさめる親しみやすいメロディーです。Williamsは、優れたメロディーが観客と映画の結びつきを強め、単なる大ヒット作を一生の思い出に変える力を持つことを理解していました。長年のパートナーであるSteven Spielberg監督はかつて、「映画製作者としての私の成功に最も大きく貢献してくれたのは、John Williamsに他ならない」と語っています。
5. Joe Hisaishi
Joe Hisaishiは、日本を代表する映画音楽作曲家であり、世界中で愛されるスタジオジブリ作品の音楽を生み出してきた立役者です。彼のスコアは、John Williamsのようなロマンティシズムと、1970年代から80年代に吸収したミニマルミュージックやニューエイジ、電子音楽、とりわけ日本の先駆的バンドYellow Magic Orchestraからの大胆な着想を融合させています。
Hisaishiはスタジオジブリの宮崎駿監督との長年のコラボレーションを通じて、アニメーションというジャンルの確立に大きく貢献しました。My Neighbor TotoroやSpirited Awayといった不朽の名作を含め、宮崎監督のほぼすべての作品で劇伴を担当しています。スタジオジブリの映画において彼の音楽は極めて重要な存在であり、制作の早い段階で楽曲が依頼され、音楽が映画の方向性を導くことも少なくありません。
Hisaishiはかつて自身について、「素朴でシンプルな作曲家です。自宅のピアノで簡単に弾けるような曲を作りたいだけなのです」と語っています。美しいメロディーを紡ぎ出す天性の才能は、彼の成功の秘訣のひとつかもしれません。しかし、その謙虚な言葉だけでは、宮崎監督のアニメーションに命を吹き込む緻密なスコアを語り尽くせません。Joe Hisaishiは、どれほど幻想的なシーンであっても、リアルで心揺さぶるものに変えることができます。これこそが、彼を史上最高の映画音楽作曲家の一人にしている最大の理由です。
6. Vangelis
Vangelisはエレクトロニック楽器を駆使し、映画史上最も個性的なスコアの数々を生み出しました。このギリシャ出身の作曲家は、プログレッシブロックバンドのAphrodite’s Childでの活動や、ソロアーティストとしてニューエイジジャンルを開拓するなど、映画界の外でも輝かしいキャリアを築いていました。しかし、1980年代に手がけた圧巻の映画音楽は彼のキャリアの頂点であり、彼が最高峰の映画音楽作曲家の一人であることを証明しました。
彼の最も有名なスコアはChariots of Fire（1981年）です。映画批評家のRoger Ebertはこれを「久しく見られなかったほど際立った映画サウンドトラックの一つ」と評しました。豊かなピアノの響きとシンセサイザーを融合させた壮大なオープニングテーマは、映画史上最も有名な楽曲の一つに数えられます。Vangelisのもう一つの代表作がBlade Runner（1982年）で、幻想的なシンセとフィルムノワール調のジャズを融合させ、過去と未来が交錯する唯一無二の音世界を創り上げました。
Vangelisは新しいテクノロジーを取り入れ、劇伴制作のプロセスそのものを再定義しました。伝統的なオーケストレーションから着想を得た壮大なサウンドを恐れずに追求する一方で、電子楽器を取り入れたことで、緻密なスコア譜面を書き上げてオーケストラの演奏を録音するという従来の労力から解放されたのです。代わりに、シンセサイザーを用いて映像を観ながらその場でリアルタイムに反応し、シーンの展開に合わせて自発的に生まれたインスピレーションをそのまま楽曲に定着させることができました。この革新的なアプローチにより、Vangelisは映画音楽制作の可能性を大きく押し広げたのです。
7. AR Rahman
AR Rahmanはインド映画界を代表する名作曲家であり、多彩な音楽的ルーツを融合させて大胆かつキャッチーな劇伴を生み出す比類なき才能を持っています。1990年代に頭角を現して以来、Rahmanはインドの映画音楽を再定義したと評されています。TIME誌によると、彼は「音楽業界を完全に掌握し、ひとつの世代全体のサウンドトラックを提供してきた」存在です。
インド映画の独自の世界では、歌曲と劇伴（スコア）が一体となっているため、作曲家には優れたソングライターとしての手腕も求められます。Rahmanは自身のソングライティングに多彩なサウンドを取り入れており、ブレイクのきっかけとなった1992年の映画『Roja』では、おなじみのインド映画音楽のスタイルにレゲエ、ジャングル、ブロードウェイ風のオーケストレーション、そしてモリコーネ風の装飾を融合させ、目を見張る効果を生み出しました。2008年の『スラムドッグ$ミリオネア』によって、その名は世界中へと知れ渡ります。サウンドトラックに収録された「Jai Ho」などの楽曲では、力強いエレクトロニックビートと壮大なオーケストラ要素が融合し、独特なサウンドを生み出すRahmanの極めてキャッチーな作曲手法が見事に発揮されています。
8. Hans Zimmer
Hans Zimmerは、現代の映画音楽界におけるロックスターのような存在です。史上最も有名な映画作曲家の一人であり、現代を代表する数々の大作映画の音楽を手がけてきました。Zimmerサウンドを一言で定義するのは困難です。彼は壮大なスケール感（『グラディエーター』、『インターステラー』）、ファミリー向け作品（『ライオン・キング』、『パイレーツ・オブ・カリビアン』）、そして未来的世界（『インセプション』、『DUNE/デューン 砂の惑星』）のすべてを自在に操ります。新しいテクノロジーを積極的に取り入れ、常に前進し続ける姿勢こそがZimmerの代名詞です。
Zimmerは本格的な音楽教育をあまり受けておらず、自身のアイデアを具現化するためにエレクトロニックツールを活用しています。映画音楽が電子時代へと移行する中、このスタイルによって彼は時代の先を行く存在となりました。例えば、注目を集める契機となった『レインマン』（1988年）の劇伴では、Fairlight CMIシンセサイザーとスチールドラムを組み合わせ、ユニークな効果を生み出しました。Zimmerの手がけるサウンドトラックの多くは、クラシックな響きとエレクトロニックなテクスチャーが融合しています。また、彼はアイデアを絶え間なく湧き出させ、自身の作品に対する膨大な需要に応えるため、複数の作曲家チームと協働するアプローチを開拓した先駆者でもあります。
何よりZimmerは、時代の向かう先を見極める鋭い感覚を持っています。『グラディエーター』（2000年）に見られるワールドミュージックを取り入れたロマンスから、広く模倣されたあの重低音「braaam」サウンドを生み出した『インセプション』（2010年）の大胆なスコア、そして現代SFの音像を凝縮した近年の『DUNE/デューン』シリーズに至るまで、彼は映画音楽の新たな潮流の最前線に立ち続けてきました。ハリウッドの大作映画を観ていて劇伴が極めて現代的だと感じたら、その背景にはHans Zimmerがいると考えてまず間違いありません。
9. Mica Levi
映画音楽の歴史に魅了されるのはごく自然なことです。何十年にもわたる素晴らしいサウンドトラックの遺産が存在するのですから。しかし、過去の巨匠たちに決して引けを取らない、不可欠な音楽を生み出している現代の作曲家たちもいます。現代屈指の映画作曲家の一人がMica Leviです。わずか数本のサウンドトラックで、Leviはミニマルで奇妙でありながら、ユーモアやロマンスも散りばめられた革新的なサウンドを確立しました。Mica Leviのスコアを一度聴けば、耳から離れなくなるはずです。
Leviの出世作となったのは、不気味なSF映画『アンダー・ザ・スキン 種の捕食』（2013年）でした。作中では、捕食目的で地球にやってきた異星人が、次第に人間との繋がりを求めるようになります。Leviのスコアは、この恐怖と親密さの入り混じった空気を巧みに捉えています。彼らは20世紀後半の作曲家ジェルジ・リゲティ（スタンリー・キューブリックの『2001年宇宙の旅』や『シャイニング』で使用されたことで知られる）から着想を得て、異星のような不協和音のテクスチャーを作り出しました。一方で、奇妙なエッジを効かせた華麗なストリングストラック「Love」のように、ロマンチックな瞬間も存在します。Pitchforkのレビューにあるように、「映画のテーマに対するLeviの没入ぶりは圧倒的で、スコアは映画のDNAと分かちがたく織り合わされている」のです。
Leviの他のスコアも、作品に寄り添う繊細さは同様です。2023年の『関心領域』で、Leviは「音楽をほとんど書かないこと」こそが最善のアプローチだと気づきました。アウシュヴィッツの隣で暮らすナチス一家の身の毛もよだつ物語を描いた本作において、サウンドデザインはその舞台設定を伝える極めて重要な役割を果たしています。それらの環境音に余白を残すため、Leviが作曲した音楽はわずか14分にとどまりました。映画のオープニングでは、真っ黒な画面の中で3分間にわたり音楽のピッチが不気味に下降し、観客の意識を完全に釘付けにします。これは現代の映画音楽において、最も力強い瞬間のひとつと言えるでしょう。
10. Hildur Guðnadóttir
もう一人の既成概念を打ち破る現代の作曲家、Hildur Guðnadóttirは、映画制作に音楽を組み込む新たな手法を模索し続けています。Guðnadóttirは幅広い演奏やレコーディング歴を持つチェリストです。惜しくもこの世を去った名作曲家Jóhann Jóhannssonの代表作（『メッセージ』や『ボーダーライン』など）で演奏を務めており、彼女のサウンドに聴き覚えがあると感じる理由もそこにあるのかもしれません。彼女のチェロが主導するスコアは陰鬱で繊細であり、登場人物の乱れた内面を音楽が浮き彫りにするサイコスリラー作品において絶大な力を発揮します。
スコアを作曲する際、Guðnadóttirは音楽を映画により深く結びつけるための独特な手法を用います。『ジョーカー』（2019年）では、制作の早い段階で映画の主要テーマを作曲し、トッド・フィリップス監督は俳優たちの演技を導くためにその音楽を撮影現場で流しました。主演のJoaquin Phoenixは、そのスコアを聴いて「深く心を揺さぶられた」と振り返っており、主人公がジョーカーへと変貌していく姿を演じる上で大きな助けになったと語っています。
『TAR/ター』（2022年）の劇伴を手がけた際、Guðnadóttirは特定のシーンを演じる俳優たちがイヤホンで聴くための音楽を作曲しました（サウンドトラックには未収録）。観客が耳にするスコアは極めて繊細で、意識せずとも潜在意識へと忍び寄るような不穏なトーンをもたらしています。それは、思わず口ずさみたくなるJohn Williamsらの親しみやすいスコアとは対極にあると言えます。Hildur Guðnadóttirの歩みは、史上最高の映画作曲家へと至る道筋が実に多様であることを示しています。
映画音楽の世界を探求しよう
この記事では、映画史に名を刻む10人の偉大な映画作曲家をご紹介しました。Max Steinerによる黄金期のロマンスから、Hans Zimmerの壮大なサウンドトラック、そしてMica Leviの最先端サウンドに至るまで、映画音楽の歴史の広がりと奥深さをご覧いただきました。素晴らしい映画音楽を生み出す要素について理解を深めたところで、次はあなた自身の手で映画音楽を作ってみませんか？
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