映画音楽制作（フィルム・スコアリング）とは、映画のための音楽を作曲することを指しますが、その対象は他の映像メディア全般にも広がります。一般的にはインストゥルメンタルが中心ですが、歌曲や、作品の象徴的なサウンドの一部となるほど個性的で特徴的な音響効果が含まれることもあります。
本ガイドでは、映画音楽制作に欠かせない基本要素、映画やビデオゲームなどの映像メディア向けの作曲プロセス、そして劇伴作曲家（フィルム・コンポーザー）になるためのステップについて解説します。
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映画音楽制作（フィルム・スコアリング）とは？
映画音楽制作（フィルム・スコアリング）とは、映画やその他の映像メディアのために特化した音楽を作曲するプロセスのことです。作品の感情的なインパクト、雰囲気、物語性を高めるためにオリジナルの楽曲を制作します。作曲家は監督と密接に連携しながら、意図したムードを捉え、重要な瞬間を際立たせるように、音楽をシーンと同期させていきます。
映画向けの音楽制作は、従来の楽曲制作と根本的に大きく異なるわけではありません。しかし、映画音楽における最大の相違点は、音楽やサウンドが「物語を伝える」という大きな目的に奉仕しなければならない点にあります。また、映像の中にすでに存在する要素からインスピレーションを得て、作曲を進める上での指針とすることができます。
映画音楽が映像メディアにどれほどの影響を与えるか、実際に確かめてみましょう。次の実験を試してみてください。YouTubeでいくつかの映画からお気に入りのシーンを探します。そして、音量を完全にミュートにし、字幕だけをオンにします。シーンを見ながら字幕を声に出して読むか、頭の中で台詞を思い出しながら、他の音は一切再生せずに視聴してください。どのように感じたでしょうか？ 物語の感情はどれくらい伝わってきましたか？ 失われてしまったものはどれくらいあり、記憶の中のシーンとどれほど違って感じられたでしょうか？
記憶していたものとはかなり違って感じられたのではないでしょうか。
今度は、台詞のないシーンをいくつか探してみましょう。今回は再生する前に、元の音声をミュートにするだけでなく、お気に入りの音楽配信サービスで最近再生した曲のリストを開き、直近の曲を1つ選んで、まるで映画の一部であるかのようにそのシーンに合わせて流してみてください。無音のときと比べてどのような違いがありましたか？ 選んだ曲によって物語の意味合いが変わったでしょうか？ 別の曲（例えばプレイリストからランダムに選んだあまり知らない曲）に変えて、もう一度そのシーンを再生してみるとどうでしょう？ 印象はどのように変わったでしょうか？
これらの簡単な実験からわかるように、映画のストーリーやシーンにおいて、音響効果や音楽が与える影響の大きさには驚くべきものがあります。映画音楽は、聴覚を通じて得られる感情や意味の深みをシーンにもたらしてくれます。音が知覚にどう影響するかを感じるために、必ずしも映画を見る必要はありません。ノイズキャンセリングヘッドホンを着けて散歩に出かけるだけでも実感できます。私たちの世界では視覚的要素が前景に立ちがちですが、音は私たちに魔法のような不思議な感情を呼び起こす力を持っています。
劇伴音楽は物語の魅力を高め、監督のビジョンを推し進め、これまでにない形で映画を心に響かせる力を持っています。また、音楽や音には時間の流れや独特のテンポを生み出す役割もあります。映画の出来事は通常、現実とは異なる時間軸で進行します。時間が引き延ばされたり縮められたりする中で、音楽は音の流れや音楽的な出来事を通じて体験を繋ぎ止め、そうした時間を操る演出を支えることができます。
映画音楽を構成する要素
劇伴作曲家を目指す上で役立つ、映画音楽制作の不可欠な要素を探っていきましょう。
音楽と映像メディアの伴奏
先ほど触れたように、映画音楽制作には音楽を付けるための映像メディアが必要です。これは映画のワンシーンやビデオゲームのカットシーンから、抽象的なアート作品に至るまで、あらゆるものが対象となります。
音楽はシーンの筋書きや感情を伝える手助けをし、映像の中で起こっている出来事に応じて劇的に変化させることができます。
映画音楽は、実にありとあらゆる素材から生み出すことができます。作曲を始めるためのスタイルやアプローチは多種多様で、必ずしも伝統的な手法で作られた楽曲ばかりではありません。オーケストラ主体のスコアもあれば、空間的なサウンドスケープをベースにしたものもあります。民族楽器で演奏されるスコアもあれば、通作形式の楽曲というよりも楽曲集に近い構成のものもあります。
音響効果とエレクトロニック要素
映画音楽には、リアリズムを生み出したり、緊張感を高めたり、シーン内の特定の感情を伝えたりするために、音響効果が含まれることもあります。これらは音楽や映像と綿密に同期され、重要な瞬間を強調し、ストーリー展開を後押しして、観客を映画の世界へとより深く引き込みます。
フォーリーエフェクトや環境音のようなサウンドデザインの要素は、映像を補完しストーリーテリングを高めるために、スコアに組み込まれることがよくあります。
特定の瞬間とタイミングの活用
映画音楽は、物語を前進させるために刻一刻と変化することがあります。『Jurassic Park』（1993年）のこのシーンでは、静寂の瞬間から突如として鋭い叫び声やスウェルが続き、ヴェロキラプトルの襲撃シーンに臨場感を与えています。こうした楽曲は、求められるまさにその瞬間に適切な音が鳴るよう、綿密に作曲、アレンジ、エディットされています。
ストーリーラインとキャラクターを印象付ける音楽テーマの活用
ほとんどの映画音楽に見られる特徴の1つが、物語を繋ぎ止めるテーマ（主題）の存在です。これらの音楽テーマ（通常はメロディーですが、わずかなコード進行や特定のテクスチャーである場合もあります）は、印象的でわかりやすい音楽的モチーフであり、特定のキャラクター、場所、シチュエーションを特定の動機（モチーフ）と結びつけることで、ストーリーの進行を導く役割を果たします。
筆者のお気に入りのスコアの1つは、伝説的な映画音楽作曲家Ennio Morriconeによる1988年の映画『Cinema Paradiso（ニュー・シネマ・パラダイス）』の音楽です。映画の中では、アメリカに渡って映画監督として成功を収めた主人公が、何年も経ってから幼少期を過ごしたイタリアの故郷へと戻り、思い出の旅へと私たちを誘います。Ennioは、幼少期から思春期、大人への過渡期、そして映画の代名詞とも言える哀愁を帯びたメインテーマで彩られる現在に至るまで、主人公の人生の各段階に合わせて異なるテーマを作曲しました。その音楽は単体でも素晴らしいだけでなく、主人公の人生の歩みを描き出す手法には思わず鳥肌が立つほどです。スコアにはピアノ、シロフォン、ギターなどがフィーチャーされ、主に弦楽オーケストラが伴奏を務めているほか、要所で木管楽器や金管楽器が加わり、より重厚な響きを生み出しています。
Ennioは映画音楽の歴史において最も重要な人物の1人であり、彼が手掛けた膨大な映画音楽のカタログを深く掘り下げてみることを強くお勧めします。最近公開された素晴らしいドキュメンタリーでは、彼のキャリア全体を辿りながら、その音楽的進化や彼がいかに映画音楽に革命をもたらしたかを知ることができます。
映画音楽の作曲プロセス
映画音楽を作曲する意義について理解が深まったところで、映画音楽の制作プロセスと、制作を始めるためのヒントを詳しく見ていきましょう。
1. 映画のストーリーとビジョンを理解する
映画などの映像メディアの根底にあるストーリーとビジョンを理解することは、作曲において不可欠です。ビジョンは、ストーリーを伝えるために使用するジャンル、スタイル、楽器編成、エフェクトに直結します。
通常、これは監督との最初の打ち合わせで行われ、映画の全体的なビジョン、テーマ、感情のトーンについて話し合います。この打ち合わせでは、映画のラフカットやシーンを視聴して、テンポ感、ムード、スタイルを大まかに把握するとともに、撮影手法、編集、視覚効果など、音楽が引き立てるべき視覚的要素を理解します。
脚本が入手できる場合は、ストーリー、登場人物、物語の展開を完全に把握するために、目を通しておくことをお勧めします。これにより、音楽に反映できる感情的な瞬間や登場人物同士の関係性を見出すことができます。
2. スコアの作曲、録音、アレンジ
映画のストーリーとビジョンが固まったら、作品にマッチする適切なサウンドパレットを見つけるために、様々な音楽的モチーフ、テーマ、楽器編成を試してみましょう。
制作したアイデアをデモ音源にまとめ、制作チームに提示してフィードバックを受けながらブラッシュアップを重ねます。監督が最初のアイデアにあまり惹かれなかったとしても、落ち込む必要はありません。映画音楽の制作は非常に反復的で協調的なプロセスであり、映画に完璧にフィットする音楽を見つけるまでに何度もフィードバックと手直しが行われます。
モチーフ、テーマ、楽器編成の方針が固まったら、いよいよ映像に合わせた楽曲制作に入ります。
監督と作曲家の間で行われるスポッティング・セッションは、通常、映画内のどこに音楽を
配置すべきかを決めるために行われます。これにより、音楽が最も効果を発揮する重要な瞬間、感情の盛り上がり、場面の転換点を特定できます。
これらのポイントや場面転換が決まったら、各シーンに合わせたスコアの作曲とアレンジを開始できます。意図した感情を伝え、物語を支えるために、テンポ、強弱（ダイナミクス）、オーケストレーションを綿密に検討しましょう。
また、キュー（cue）の作成も行います。これは映画の特定のシーンや瞬間のために用意される個々の音楽セグメントや楽曲を指します。各キューは通常、映画内の特定のシーン、シークエンス、または感情の節目に対応しており、物語の表現力を高めるよう綿密に作られています。
作曲家Alan Silvestriが映画音楽の制作プロセスについて語る動画を以下でご覧ください。
3. オーケストレーションと楽器編成
オーケストレーションと楽器編成（インストゥルメンテーション）は、作曲における重要な要素です。映画の規模や予算によっては、オーケストレーターと協力して様々な楽器やアンサンブル向けに楽曲をアレンジすることもあります。オーケストレーターは、フルオーケストラ、小編成アンサンブル、電子楽器、またはそれらの組み合わせなど、各シーンのムードや雰囲気を引き立てる楽器やサウンドを選定します。
オーケストレーションや楽器編成をすべて自分一人で行う場合、圧倒されてしまうかもしれません。ここでは、楽曲制作の参考になるオーケストラの選択肢をいくつか見ていきましょう。
John Williamsによるオリジナルの『Star Warsのスコア』のように、フルストリングスセクション、音程のある打楽器、木管楽器、金管楽器を駆使した、極めてシンフォニックな古典的映画音楽が存在します。こうした驚くべき音楽世界は、豊かで重層的であり、技術的にも非常に複雑です。
しかし、すべての映画や映像メディアがフルオーケストラのサウンドを必要としているわけではありません。時には「より少ないことは、より豊かなこと（Less is more）」であり、ミニマルなアプローチが非常に印象的で効果的な場合もあります。私たちは、音楽で支えようとしているストーリーや映像からインスピレーションを得る必要があります。銀河規模の戦闘シーンに音楽の背景を与えるにあたり、John Williamsがあのような壮大でエピックなサウンドの楽曲を書くに至ったのは、至極当然のことと言えるでしょう。
また、音楽的な無駄を極限まで削ぎ落としてスコアリングされた映画もあります。そうした手法は、物語に極めて親密で心に残る雰囲気をもたらすことができます。
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プロセッシングやシンセサイズを施したピアノや、前衛音楽の世界で使われる「プリペアド・ピアノ」の面白さは、西洋音楽において最も親しまれているサウンドの音響的可能性を広げてくれる点にあります。私たちはピアノの音を耳にすると、いつでも親しみを感じます。その音色は非常に特徴的であるため、音響的に限界まで攻めた実験を試みても、心のどこかでどこか馴染みのある感覚を保ち続けることができるのです。
6. エディットとミキシング
スコアが完成すると、ミュージックエディター、サウンドデザイナー、エンジニアたちとともにミキシングとエディットのプロセスが始まります。
セリフや効果音のトラックは、ミキシングの前にエディットされ確定されます。これにより、重要なオーディオ要素を覆い隠すことなく、セリフや効果音の周りに音楽を配置してミックスできるようになります。
ミュージックエディターは、制作されたキューを扱いながらミキシング用の音楽トラックを準備します。これには、特定のシーンに合わせて個々のミュージックキューを編集したり、タイミングを微調整したり、映像の視覚的キューと完璧に一致するように必要なカットやトランジションを作成したりする作業が含まれます。
7. 最終確認と修正
作曲家、監督、その他の主要な関係者が音楽のついた映像をレビューし、音楽がストーリーテリングを効果的に高め、作品のクリエイティブなビジョンと合致しているかを確認します。監督からのフィードバックをもとに必要な修正が行われ、これには楽曲の構成、オーケストレーション、あるいは音楽のミックスの調整などが含まれます。
オーケストラ楽器向けに作曲する際の留意点
最初のうちは、楽器の技術的な制約や音域、演奏上の限界などをあまり気にしすぎないことをおすすめします。肩の力を抜いて直感に従い、バーチャルインストゥルメントからインスピレーションを得ながら、その瞬間に導かれるままに音楽を展開させましょう。インディペンデント映画や映画専攻の学生作品、小規模なプロジェクトでは、スコアを演奏するセッションミュージシャンを雇う予算がないことがほとんどです。そのため、手に入る最高峰のバーチャルサウンドを活用し、想像力と創造性を駆使して空間配置やレイヤリングを工夫し、「イン・ザ・ボックス」（PC上）で素晴らしいサウンドに仕上げるのが最も確実な方法です。
その後、生演奏のミュージシャンと仕事をする機会が訪れた際には、作曲対象となる楽器の演奏性能を考慮することが不可欠になります。音域やスピード、演奏可能なインターバル（音程）と不可能なもの、さらには各楽器でチューニングしやすい音と合わせにくい音に至るまで、これらすべての考慮事項が最終的な成果の成否を分けます。こうした制約はレコーディングの仕上がりに影響を与えるだけでなく、あらかじめ考慮しておくことで制作プロセス全体がはるかにスムーズになります。
オーケストラや室内楽のアレンジを手がけてきた私個人の経験から言えば、最初の生演奏スコアリングプロジェクトは小編成のアンサンブルで計画することをおすすめします。そして理想的には、レコーディングを依頼できる演奏者とプロセスの早い段階で連絡を取り、様々な奏法について対面で相談や実験を行ったり、疑問のあるスコアの特定セクションを録音前に実際に試奏してもらったりすると良いでしょう。
専用の楽譜作成ソフトウェアを使ってスコアを適切に準備することも極めて重要です。制作の進め方によっては、DAW上ではまとまりがあって音楽的に聴こえていたMIDIトラックが、記譜フォーマットにエクスポートした途端に不自然に見えたり、全く読めなくなってしまったりすることがあります。シンコペーションや不規則なリズム、人間らしく音楽的なフレージングに聴こえていたパートが、まるで前衛的で超難解な楽譜のように変換されてしまうこともあるのです。渡された楽譜に不満を抱くセッションミュージシャンから、良い演奏を引き出すことはできません。私たちが目指すのは、自らの音楽的ビジョンをスタジオで魔法のように具現化することなのです。
VSTの素晴らしいところは、クリック1つで無限のサウンドを試すことができ、音程も完璧で、どんなに難度の高いフレーズでも難なく演奏してくれる点です。しかし生演奏のアンサンブルでは、少なくとも大半の場合、同じようにはいきません。人間が奏でる生楽器には抗いがたい魔法がありますが、VSTで作ったスコアやデモが生演奏のレコーディングでどのように再現されるかをある程度把握しておく必要があります。経験を積み、サウンドを予測できるようになる唯一の方法は、実際にやってみることです。まずは小規模から始め、実験し、試し、修正し、それを繰り返しましょう。プロジェクトを重ねるごとに、より万全な準備ができるようになります。近道はありませんが、生演奏で自分の音楽が鳴り響くのを聴く瞬間には、鳥肌が立つほどの感動が待っています。
ビデオゲームのスコアリング
映画（または時間軸が固定された他の映像メディア）とビデオゲームのスコアリングとの主な違いは、ゲーム音楽には物語的な要素と非物語的な要素の両方の役割が求められる点です。ゲームのジャンルによって物語性の度合いは異なりますが、ゲームプレイの前にストーリーを語るシーンが入るのが一般的です。こうしたプリレンダリングされたカットシーンにはスコアが付けられ、毎回同じように再生されます。これらのシーンはミニ映画と捉え、作曲時も同様のアプローチで取り組むことができます。
ゲーム内のそれ以外の音楽は異なる役割を担っており、ゲームプレイ体験に寄り添い、それを音楽的な器として支えます。プレイヤーはゲーム環境内を自由に移動でき、ステージの展開もプレイごとに少しずつ異なるため、音楽もそうした変化に対応し、リアクティブかつダイナミックな性質を持つ必要があります。
音楽は通常、複数のパーツに「ステム分割」され、UnrealやUnityなどのゲームエンジンによってトリガーされます。プレイヤーの選択や行動に応じて、エンジンが楽曲の様々なレイヤーを再生し、ループを作成したり効果音や追加パートを加えたりすることで、絶え間なく変化する音楽体験を生み出し、ゲームへの没入感や一体感を高めます。
ビデオゲーム向けの作曲はノンリニア（非線形）な特性を持つため、多くの場合パズルを組み立てるような感覚で制作されます。ゲーム内の変化に合わせて、セクションをループさせたり他の音楽セクションと入れ替え可能にしたりします。また、ゲーム内のアクションに応じて様々な音楽レイヤー（またはステム）が変化し、ミックスから音楽的要素を追加・削減することで密度を上げたり下げたりします。パッドやコードの伴奏、アンビエントサウンドなどのハーモニーを支える土台となるレイヤーもあれば、メロディを担うレイヤーもあります。これらのレイヤーはすべて互いに調和して機能し、時には単独でも成立する必要があります。
こうした様々なレイヤリングを実装するには、作曲家とゲームオーディオプログラマーの連携が鍵となります。想定される音響やゲームプレイのシナリオを検証するため、多くの実験を重ねる必要があります。修正や試行錯誤のやり取りは日常茶飯事であり、ある意味では、映画制作の最終段階でシーンの追加や変更が発生し、映像に合わせてスコアの各セクションの長さを調整する際の映画監督と作曲家のコラボレーションに似ています。
映画音楽のスコアリングを始める方法
1. ポートフォリオを作成する
他の多くのクリエイティブ分野と同様、ポートフォリオが何よりも重要です。自分の実力を示し、自身のスタイルやサウンドを世の中に伝える作品集を、時間をかけて丁寧に作り上げること以上に有益な投資はありません。
これは少し「鶏が先か、卵が先か」のような状況と言えます。経験を積むために最初の映画音楽の仕事を引き受けたいものの、クライアントや共同制作者に見せる実績がまだないからです。活動を始めたばかりの頃は、既存の映画の特定シーンを取り上げてリスコアリング（音楽の付け直し）を行っても構いません。大好きな短編映画を選び、自分のスタイルで完全に新しいスコアを作って、自身の音楽的・音響的ビジョンの実例として周囲に提示してみるのも良いでしょう。
ゲームスコアリングの世界では、プロジェクトへの採用前に「音楽提案（ピッチ）」としてイントロシーンのスコア制作を求められることがよくあります。ですから、インスピレーションを受けた既存のシーンに合わせて作曲することを恐れず、この方法で最初のポートフォリオ作品を作り始めましょう。
2. 業界関係者とのネットワーク作り
次のステップはネットワーキングです。人脈を築きクリエイティブなコミュニティの一員になることは、自身の活動の幅を広げる非常に強力な手段です。自分がどんな活動をしているかを周囲に発信しましょう。身近な知人を通じて、思いがけない重要人物へと繋がっていることも珍しくありません。
映画祭に参加したり、映画制作学科のある地元の大学と繋がったりすることは、地域のクリエイティブなシーンに溶け込み、知名度を上げていく素晴らしい方法です。映画専攻の学生は在学中に短編映画の制作を課されることが多く、そうしたプロジェクトでは作曲家が必要とされます。予算は限られているのが一般的ですが、映画音楽の世界に足を踏み入れ、実践に近い最初の経験を積む絶好のチャンスとなります。
3. まずは映画業界の他の音響制作に携わる
学生のプロジェクトでは、作曲家がフォーリー（効果音制作）やサウンドデザインを依頼されることも珍しくありません。最初のうちは、すべてを学びの機会として前向きに捉えましょう。サウンドデザインは非常に奥深く、様々なシーンのアクションやロケーションに現実味と息遣いを与える力を持っています。実際にやってみるとその魅力に惹き込まれるかもしれませんし、スコアリングのポートフォリオを構築しながら映画業界に関わり、現場で活動するより多くの人々と繋がる素晴らしい足がかりにもなります。
最初に手がける案件の報酬はそれほど多くないかもしれませんが、独自の音楽的アイデンティティを確立し始めるチャンスになります。過度なプレッシャーもないため、自分らしさを刻み込んだ音楽を作る好機と言えます。恐れずにリスクを取り、心から共鳴する音楽的アイデアを存分に追求しましょう。ポートフォリオはある意味で履歴書と同じくらい影響力を持つことを常に心に留めておいてください。この時期に蒔いた音楽の種は、ポートフォリオで示したスタイルや感性と共鳴する、より多くのプロジェクトへと実を結んでいくはずです。
4. メンターを見つける
メンターシップの価値を軽視してはいけません。メンター（あるいは複数の指導者たち）は、進むべき正しい方向を指し示し、適切なタイミングで潜在的なチャンスへと繋げてくれる心強い存在です。メンターはインスピレーションの源であり、自分自身の音楽性を探求する上で芸術的な指針を与えてくれるだけでなく、業界内での実体験に基づいた視点も共有してくれます。今後のコラボレーションを模索する際のアプローチ方法や業界の暗黙のルールなど、その道をすでに歩んできた経験者からしか学べないことが数多くあります。
映画祭は、経験豊富な映画音楽の作曲家に挨拶し、進むべき道を照らしてくれる指導者と出会う絶好の場所になり得ます。気軽に声をかけ、この分野に関心があることを伝え、機会があればお茶でもいかがですかと礼儀正しく誘ってみましょう。人によって話しかけやすさは異なりますが、誠意を持って接すれば、親切な人なら力になりたいと思ってくれるはずです。
さらに詳しいアドバイスをお探しの場合は、ホラー映画の作曲家や、映画・テレビ全般の音楽を手がける作曲家へのインタビュー記事もあわせてご覧ください。
5. 音楽理論と作曲を学ぶ
当たり前のことのように思えるかもしれませんが、何事にも時間がかかるものであり、それで良いのだということを今の時代だからこそ強調しておく必要があります。音楽や作曲は、1日や1週間で習得できるものではありません。もちろん、このような芸術を学ぶことは生涯にわたる旅ですが、最初の一歩を踏み出すための基礎的な概念やツールを身につけることは極めて重要な足がかりとなります。
もちろん、誰もが音楽学校に通う機会や手段を持っているわけではありませんが、時間をかけて音楽理論の基礎、記譜法、ソルフェージュを学ぶことは、様々な方法やそれぞれのペースで実践できます。
音楽学校に通う機会に恵まれているなら、その経験はかけがえのないものになります。周囲の誰もが同じテーマを学ぶことに情熱を注いでいる環境に身を置くことは、学びや探求を力強く後押ししてくれるでしょう。また音楽学校に通うことで、予算の有無にかかわらず、新しいプロジェクトへの参加に意欲的な演奏家たちとのコラボレーションの扉も開かれます。これは、本物のオーガニックなサウンドを取り入れたポートフォリオ作りを始める絶好の方法です。
映画音楽の作曲を始める
新たな表現やキャリアの道として劇伴音楽（フィルムスコアリング）を探求したい熟練の作曲家であっても、音楽を始めたばかりで映画やゲームの世界に惹かれ、音楽の視点からどのように関われるかに関心を持っている方であっても、ストーリーテリング全体を支えるレイヤーとして音楽を捉えることが第一歩であり、映画音楽の制作に向き合うための正しいマインドセットとなります。
現代の豊富なサウンドやツールのパレットを活用して、クリエイティブな情熱を解き放ちましょう。もっと映画を観て、ゲームをプレイし、登場人物たちの世界に入り込んで、物語をより引き立てるために創り出せるあらゆるサウンドスケープを思い描いてみてください。
可能性は無限大です。頭の中に響くそのサウンドは、きっとスピーカーから鳴り響かせることができます！
