L’arrangement musical est l’art d’organiser et d’adapter un morceau de musique. Il consiste à décider de la manière dont les différents éléments musicaux tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et l’instrumentation sont structurés, orchestrés et présentés au sein d’une composition.
Les éléments ou composantes clés d’un arrangement sont la structure, l’instrumentation, le rythme, l’harmonie, ainsi qu’éventuellement le design sonore et les textures. Dans cet article, nous explorerons les différentes possibilités offertes par les techniques d’arrangement, les divers aspects de l’arrangement musical et la façon dont ils influencent la manière dont la musique est perçue au sein d’une production.
Accède directement aux bases de l’arrangement musical :
- La structure
- L’instrumentation
- Le rythme
- L’harmonie
- Le design sonore et les textures
- Réunir tous ces éléments dans une production concrète
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1. La structure : comment les différentes parties s’articulent
La structure (ou la forme) de l’arrangement musical concerne la manière dont les différentes parties d’un morceau s’organisent dans le temps. On peut partir des idées de base d’un morceau, avec un couplet, un refrain et un pont, puis, pendant la phase d’arrangement, décider par exemple de répéter le refrain deux fois et d’ajouter un nouveau couplet après le pont. Ce nouveau couplet pourrait faire office de « breakdown », ce qui nous amènera à réfléchir à la façon de présenter cette section sur le plan de l’instrumentation et de la dynamique, pour contraster avec les sections précédentes et suivantes.
Personnellement, je trouve que les décisions relatives à la structure d’un morceau sont tout aussi importantes que l’instrumentation, voire que les éléments fondateurs d’une chanson. On peut avoir une mélodie particulièrement entraînante et mémorable avec d’excellentes paroles, mais si les différentes parties ne sont pas bien pensées, qu’il y a trop ou pas assez de répétitions ou de sections pour renouveler l’attention, le morceau risque au bout du compte de manquer d’impact.
Si la structure est bien équilibrée, la musique semblera captivante et fraîche, tout en offrant quelque chose de familier (et donc de confortable et agréable, procurant ce sentiment d’être « en terrain connu »), mais avec suffisamment de surprises pour tenir l’auditeur en haleine à mesure que le morceau évolue.
Prenons comme exemple le chef-d’œuvre de Queen, « Bohemian Rhapsody »
Nous sommes nombreux à bien connaître ce classique de Queen sorti en 1975. Bien qu’il ne s’agisse pas de leur seul morceau long composé de multiples sections, c’est sans aucun doute le plus célèbre.
C’est l’exemple d’un morceau magistralement conçu qui nous emmène dans un véritable voyage, mais seulement après avoir posé le décor et nous avoir plongés dans un univers musical familier pendant près de trois minutes. C’est la raison pour laquelle je l’utilise pour illustrer la structure. Et comme nous allons le voir ici, l’influence de la musique classique sur Freddie Mercury est particulièrement évidente dans ce morceau.
Après l’emblématique intro a cappella et l’entrée du piano avec son motif en arpège, le morceau semble trouver son tempo de croisière. Il évolue alors plus ou moins comme une chanson pop traditionnelle, avec un couplet suivi d’un refrain, puis un autre couplet et refrain (même si les paroles ne se répètent pas comme on pourrait s’y attendre dans un refrain classique). Puis, à environ 2:36, Brian May intervient avec un incroyable solo de guitare sur la même grille d’accords qui nous était devenue familière.
Jusqu’ici, les choses se sont déroulées de manière plus ou moins prévisible. Puis, au bout de presque 3 minutes, tout bascule radicalement : un changement soudain de tonalité nous propulse dans une section musicale complètement différente, qui se développe et traverse diverses variations pour se muer finalement en l’épopée rock que l’on connaît, ponctuée de chœurs d’opéra, de nouveaux riffs de guitare percutants et d’encore plus de solos de guitare.
C’est une manipulation magistrale de la structure. En introduisant cette section inédite, le morceau se renouvelle de façon tout à fait inattendue, et ce faisant, le retour au motif et au ton d’origine à la fin procure une immense sensation d’accomplissement, comme si la boucle était bouclée. En s’éloignant progressivement du refuge musical instauré durant les 3 premières minutes, retrouver la tonalité et l’ambiance initiales à la fin est une récompense très attendue. C’est le genre de chanson qui te donne envie de prendre un moment pour reprendre tes esprits et assimiler ce qui vient de se passer une fois le morceau terminé.
Sans entrer dans des considérations trop théoriques ou académiques, il est intéressant de noter que le retour au thème initial se structure de manière très proche d’un concerto classique. On peut considérer que le solo de guitare qui commence à 4:45 puis se fond dans une descente de piano à 4:52 joue un rôle semblable à celui d’une cadence dans un concerto. En temps normal, cela intervient à la fin de la section de « développement » (un peu comme cette section audacieuse et inédite qui démarre ici à 3:00) et donne au soliste l’occasion de briller lors d’un passage quasi improvisé. Après cela, s’opère le retour au thème et à la tonalité d’origine.
Si le sujet t’intéresse et que tu souhaites l’explorer plus en détail, je te conseille de te renseigner sur la « forme sonate ».
2. L’instrumentation : qui joue quoi ?
Quand on parle d’instrumentation, on fait référence au choix des sons ou des instruments qui assureront les différents rôles musicaux au sein de l’arrangement. On peut très bien prendre les parties musicales jouées, disons, à la guitare, avec une voix soliste et un violon dans un morceau folk, et les réassigner à un synthétiseur (pour jouer les accords), un violoncelle pour reprendre la mélodie vocale et, pourquoi pas, un banjo (pour interpréter les phrases mélodiques du violon initial).
Même sans changer une seule note dans l’arrangement, le simple fait de modifier l’instrumentation transforme profondément la façon dont la musique est perçue. Changer d’instrumentation revient à changer les textures que nous entendons, et c’est l’un des moyens les plus puissants de façonner le son d’un arrangement.
Dans ce cas précis, il s’agit de remplacer un instrument par un autre sur des parties déjà composées. Cette approche peut s’avérer très efficace sur un morceau dont l’arrangement est facilement reconnaissable : en ne modifiant que l’instrumentation, on capte l’attention de l’auditeur en jouant les mêmes notes mais avec des timbres radicalement différents.
Dans une tout autre optique, lorsqu’il n’y a aucun arrangement préalable au moment de choisir l’instrumentation, nous définissons un ensemble de paramètres qui vont déterminer ce qui sera possible. En ce qui me concerne, tout part généralement d’une idée mélodique (ou d’un voicing d’accords) en imaginant quel instrument serait sympa d’utiliser pour la jouer. Mais la démarche inverse, qui consiste à partir d’un son intéressant indépendamment des notes jouées, peut déclencher toute une série d’idées musicales, simplement inspirées par le potentiel de l’instrument et ce qu’on a déjà pu entendre dans d’autres morceaux ou compositions.
Dans des contextes plus traditionnels, on peut s’appuyer sur plusieurs ensembles préétablis comme point de départ pour concevoir l’instrumentation d’un projet. Parmi eux, citons par exemple le quatuor à cordes (deux violons, un alto et un violoncelle), la section rythmique ou combo de jazz (piano et/ou guitare, contrebasse et batterie), le big band (essentiellement une section rythmique de jazz complétée par une section de cuivres composée de quatre trompettes, quatre trombones, deux saxophones altos, deux saxophones ténors et un saxophone baryton).
Parmi les autres configurations courantes de la musique traditionnelle, on retrouve l’ensemble vocal ou chœur SATB (soprano, alto, ténor, basse, un chœur comptant plusieurs interprètes par pupitre), ainsi que les orchestres de chambre et les orchestres symphoniques au grand complet.
« See The World » d’Aaron Gibson – arrangé pour basse électrique, quatuor à cordes et voix
C’est l’un des projets les plus marquants auxquels j’ai participé, tant par la sensibilité de la musique que par le défi technique qu’a représenté l’écriture de son arrangement. Ici, le choix des instruments et la manière dont chaque partie s’imbriquait dans ce puzzle musical ont été déterminants pour obtenir un résultat cohérent.
La difficulté principale résidait dans le fait que la basse électrique explore une très large palette de textures et de notes, depuis les fréquences les plus graves qui remplissent l’espace sonore jusqu’à des registres plus percussifs et plus aigus.
Dans un quatuor à cordes, chaque instrument a généralement un registre et un rôle bien précis. Le violoncelle occupe habituellement le bas du spectre, les violons couvrent les aigus, et l’alto fait le lien au milieu.
Dans le cas présent, le quatuor adopte différentes formes et fonctions au fil du morceau, que ce soit pour imiter certains sons produits par la basse ou, au contraire, pour apporter un contraste et enrichir le son global en occupant les fréquences laissées libres par la basse.
Par exemple, durant l’intro, la basse joue un motif rythmique en strumming sous la voix, tandis que le quatuor vient compléter l’ensemble avec des accords tenus et quelques accents mélodiques pour soutenir le chant. Cela donne un son riche et équilibré tout au long de cette section. L’espacement des notes et l’ouverture du voicing joué par le quatuor sont essentiels : ils permettent à la fois de soutenir le chant, de laisser la basse percer dans le mix et de conserver la voix au premier plan.
3. Le rythme : le groove et bien plus encore
Souvent négligé, le rythme constitue pourtant l’un des piliers de l’arrangement. Dès que l’on intègre un nouvel élément mélodique ou que l’on modifie la mélodie d’une chanson, on apporte des changements rythmiques au morceau. Si l’on prend les notes d’une mélodie existante et que l’on modifie la durée ou le point de départ de certaines d’entre elles, le ressenti sera totalement différent de la mélodie originale. Il ne s’agit là que d’une simple modification rythmique au sein de l’arrangement, mais son impact sur la perception de la musique peut être immense.
Dès qu’on modifie le rythme de la mélodie, les autres éléments qui dialoguent avec elle doivent s’adapter (par exemple, une partie d’accompagnement qui joue des accords sous la ligne de chant). Et lorsqu’on modifie les accents lors des changements d’accords d’un morceau, c’est toute la sensation du groove qui se transforme. Toutes les composantes musicales sont interconnectées et se nourrissent mutuellement. C’est fascinant : il suffit d’écouter attentivement pour constater comment chaque changement rejaillit sur l’ensemble du morceau.
Écoutons par exemple « 1612 » de Vulfpeck
Ce morceau fonctionnerait déjà très bien avec un simple accompagnement régulier de guitare en strumming ou des accords de piano plaqués en blanches. Sa progression harmonique rappelle un classique blues de type I-IV, ce qui est déjà très efficace en soi. Mais c’est la façon dont les différentes parties sont arrangées sur le plan rythmique qui propulse véritablement le morceau dans une autre dimension.
La basse syncopée et le kick de la batterie génèrent toutes sortes d’accents, tandis que l’ostinato du piano assure la pulsation. La combinaison de ces deux éléments crée cette sensation de groove. Le « groove » réside précisément dans cette alchimie d’ensemble, entre les impacts et les silences qui les séparent. Cela permet à la voix de s’amuser avec la mélodie et d’y apporter mille variations. Grâce à une assise rythmique aussi marquée, la place est grande pour l’improvisation et la spontanéité. Ce morceau repose entièrement sur le groove et le plaisir de jouer.
4. L’harmonie : la substance émotionnelle de la musique
C’est l’un de mes aspects préférés. Les accords sont en quelque sorte la clé pour toucher la corde sensible. Il suffit d’une simple substitution d’accord ou d’un subtil renversement pour métamorphoser complètement un morceau.
Bien souvent, lorsque je travaille avec des auteurs-compositeurs, mon rôle en tant que producteur et arrangeur consiste à identifier ce qui fonctionne déjà dans la musique et ce qui mériterait une petite retouche afin de sublimer les éléments clés du morceau. Je trouve que les changements d’accords et la manière dont ils sont agencés tout au long du morceau constituent l’un des facteurs déterminants de sa réussite. J’ai plutôt tendance à privilégier de petites modifications subtiles plutôt que de réharmoniser des sections entières. Mais parfois, un morceau manque tout simplement de mouvement harmonique et commence à sembler trop répétitif ou peu captivant après quelques répétitions d’une simple progression d’accords.
Avec un peu de chance, on peut trouver des moyens de faire fonctionner la mélodie existante sur une suite d’accords différente. Cela peut donner une toute nouvelle dimension au refrain d’un morceau, ou encore permettre de créer un pont qui sort du lot grâce à cette approche.
L’arrangement pour guitare de « Don’t Know Why » par Pat Metheny
C’est un magnifique exemple de ce qu’il est possible d’accomplir en réinventant la progression d’accords qui soutient un morceau.
Si tu connais ce morceau, rendu célèbre par Norah Jones sur son premier album « Come Away With Me », tu remarqueras avec quelle habileté Pat Metheny a conservé la mélodie originale presque intacte tout en lui donnant un sens entièrement nouveau grâce à ses réharmonisations. Ce que j’adore dans cette version, c’est qu’il s’assure que nous soyons bien imprégnés du morceau pendant la première partie de l’arrangement : il joue la mélodie telle qu’on la connaît et ne modifie que subtilement l’harmonie sous-jacente, avec de légères variations et des changements de registre, en ajoutant ou en retirant des notes de basse, mais sans altérer de façon significative la structure des accords.
Puis, juste au moment où l’on pense que l’arrangement va en rester là, il introduit des chromatismes particulièrement astucieux et pleins de goût, emmenant les accords bien au-delà de leur tonalité d’origine à partir de 2:04. Pourtant, tout cela fonctionne parfaitement et semble naturel, car la structure de la mélodie reste intacte. En s’appuyant sur des éléments familiers, il parvient à nous emmener dans un véritable voyage harmonique.
5. Design sonore et textures : utiliser des paysages sonores dans la musique
Dans le cadre de l’arrangement au sein de la production musicale moderne, nous avons la possibilité d’ajouter des sonorités texturées qui n’évoquent pas nécessairement des notes ou des accords précis, mais créent plutôt un halo sonore autour des autres éléments, apportant une sensation d’espace, une couleur singulière et une atmosphère. Un bon exemple consiste à ajouter des bruits et craquements de vinyle en arrière-plan ou des sons d’ambiance du monde réel (qu’il s’agisse de paysages sonores urbains, de chants d’oiseaux ou du ressac des vagues sur le rivage).
On en trouve des exemples dès l’époque des Beatles et de Pink Floyd. De cette façon, les éléments de design sonore font presque partie intégrante des choix d’instrumentation, et la manière dont nous utilisons ces sons peut influencer l’ambiance ressentie dans les différentes parties du morceau.
Si un son d’arrière-plan particulier retentit pendant l’intro mais qu’on le fait disparaître en fondu à l’arrivée de la voix sur le couplet, nous prenons alors des décisions de structure vis-à-vis de cette texture. La texture peut aussi perdurer tout au long du morceau et être soudainement coupée à un moment donné pour créer un effet de contraste.
À vrai dire, il n’existe aucune règle gravée dans le marbre concernant l’utilisation des textures ou de quoi que ce soit d’autre. (Peut-être que certaines règles existent quelque part, mais je t’encourage vivement à te fier à ton oreille et à tes propres goûts. Si le résultat sonne bien, c’est que ça fonctionne !)
Gros plan sur les textures : « Wish You Were Gay » de Billie Eilish
C’est l’un de mes morceaux préférés du premier album de Billie. Un apport remarquable à la pop contemporaine, tant sur le plan du son et du mixage que de la production et de l’arrangement.
Tout est exécuté avec subtilité et ingéniosité, y compris l’utilisation du design sonore dans ce morceau. Billie et le producteur Finneas ont utilisé ce qui ressemble à des enregistrements de terrain (field recordings) de foules pour faire écho aux paroles et créer des transitions texturées entre les sections. Ici, l’apport du design sonore est à la fois sonore et narratif. Pour repérer ces détails, mets un casque et écoute à 0:12, 0:29, 1:35 et 2:47 (celui-ci est particulièrement subtil).
6. Mettre tout cela en pratique dans une véritable production
Voici un exemple tiré d’une production récente réalisée pour l’artiste chilien ZAPLA, dans laquelle nous avons adopté une approche hybride pour l’arrangement et la production, avec des instruments joués de manière plus improvisée et d’autres plus structurés.
Le morceau m’a été présenté à l’origine comme une pièce acoustique comprenant seulement une guitare et une voix. Dans la version produite, on entend une guitare acoustique principale qui porte l’idée fondatrice du morceau, puis tous les autres éléments (piano, contrebasse, guitare électrique, batterie, violoncelles) ont été arrangés et ajoutés pour enrichir cette idée initiale.
Les guitares, le piano et la contrebasse ont été enregistrés d’après une grille d’accords et quelques consignes données pendant les sessions, sans partition écrite détaillée. Les parties de violoncelle ont d’abord été composées dans un séquenceur logiciel à l’aide d’un contrôleur MIDI et de Session Strings 2 dans Kontakt, avant d’être transcrites sur partition pour qu’un violoncelliste vienne les réenregistrer en studio.
Disposer d’une bibliothèque d’échantillons de cordes réaliste a été déterminant pour trouver l’inspiration sonore nécessaire à la création d’une partie qui dialogue avec le morceau et s’intègre harmonieusement aux instruments acoustiques déjà enregistrés.
Voici un extrait du morceau avec les cordes VST telles qu’elles ont été utilisées pendant la préproduction, correspondant à la section finale qui démarre à 3:08. Certains éléments sont coupés pendant les deux premières mesures afin que l’on puisse entendre plus distinctement les parties de violoncelle dans cet exemple.
Commence à arranger ta musique
J’espère que tu es désormais prêt(e) à explorer plus en profondeur l’univers de la production musicale avec un regard d’arrangeur. Il s’agit avant tout d’aborder la musique sur laquelle tu travailles de façon globale et de garder à l’esprit qu’il n’existe aucune règle absolue pour aborder un projet. Même si nous avons décomposé les aspects fondamentaux d’un arrangement, dans chacun de ces exemples, plusieurs dimensions entraient en jeu simultanément.
Le paysage musical est immense, et l’on peut approfondir une multitude de sujets et de disciplines spécifiques. Si certains points abordés dans cet article piquent ta curiosité, n’hésite pas à aller plus loin. De solides bases en harmonie fonctionnelle, en orchestration et sur les différentes caractéristiques des instruments, ou encore une bonne compréhension de la synthèse, sont autant d’atouts qui enrichiront ta vision et t’offriront la liberté de créer de manière encore plus spontanée.
Considère la création musicale, l’arrangement et la production comme la préparation d’un bon plat, où chaque ingrédient a un impact sur le résultat final. La saveur, le croquant et le dosage des épices interagissent pour offrir une expérience mémorable.
Je t’encourage à expérimenter et à utiliser les outils à disposition pour imaginer des combinaisons uniques de sons et de textures qui te correspondent. N’hésite pas à sortir des sentiers battus : cela fait pleinement partie du processus créatif. Prends une mélodie, joue-la sur un synthé, change d’instrument pour un son différent, double-la, ajuste son panoramique, filtre-la. Amuse-toi. Trouve ce qui te fait vibrer : nul doute que cela touchera aussi les autres.
Kontakt met à ta disposition une incroyable palette de sons et d’options en quelques clics pour explorer toutes sortes de pistes sonores, et le Kontakt Player gratuit est inclus dans Komplete Start pour te permettre de démarrer immédiatement.
