El arreglo musical es el arte de organizar y adaptar una pieza de música. Implica tomar decisiones sobre cómo se estructuran, orquestan y presentan dentro de una composición los distintos elementos musicales, como la melodía, la armonía, el ritmo y la instrumentación.
Los elementos o componentes principales que conforman un arreglo son la forma, la instrumentación, el ritmo, la armonía y, posiblemente, el diseño de sonido y los elementos de textura. En este artículo exploraremos las diferentes posibilidades de las técnicas de arreglo, los aspectos que intervienen al arreglar música y cómo pueden influir en el modo en que se percibe la música en una producción concreta.
Fundamentos del arreglo musical:
- Forma
- Instrumentación
- Ritmo
- Armonía
- Diseño de sonido y texturas
- Cómo combinarlo todo en una producción real
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1. Forma: cómo encajan entre sí las distintas partes
La forma en el arreglo musical tiene en cuenta cómo se organizan en el tiempo las distintas partes de un tema o pieza musical. Puede que tengamos las ideas básicas para una canción, con estrofa, estribillo y puente, y luego, durante la fase de arreglo, decidamos que queremos, por ejemplo, repetir dos veces los estribillos y después añadir una nueva estrofa tras el puente. Quizá esa nueva estrofa funcione a modo de “breakdown”, lo que a su vez nos hará pensar en cómo presentar esa sección en términos de instrumentación y dinámica, en contraste con las partes anteriores y posteriores.
En lo personal, creo que las decisiones relativas a la forma de una pieza son tan importantes como la instrumentación o incluso los elementos centrales de una canción. Podemos tener una melodía realmente pegadiza y memorable con una letra fantástica, pero si las partes no están bien planteadas y tenemos un número inadecuado de repeticiones o no hay suficientes secciones para mantener la atención viva, el resultado puede ser un tema que no enganche tanto.
Si la forma está bien estructurada, la música debería resultar emocionante y fresca en la medida justa: nos presenta algo familiar (y por tanto cómodo y agradable, donde “sentirse como en casa”), pero con las sorpresas suficientes para mantener al oyente intrigado con lo que está por llegar a medida que avanza la canción.
Tomemos como ejemplo la obra maestra de Queen: “Bohemian Rhapsody”
Casi todo el mundo conoce este clásico de Queen de 1975. Aunque no es su única canción de estructura larga y múltiples secciones, sí es sin duda la más famosa.
Es un ejemplo de composición magistral que te lleva por un auténtico viaje, pero solo después de sentar las bases e invitarte a un universo musical muy familiar durante casi tres minutos. Por eso la utilizo como ejemplo para explorar la forma. Y como veremos aquí, la influencia de la música clásica en Freddie Mercury está especialmente presente en este tema.
Tras la emblemática intro vocal y una vez que entra el piano con el motivo arpegiado, la canción parece asentarse en un ritmo determinado y se desarrolla más o menos como un tema pop tradicional, con una estrofa seguida de un estribillo y luego otra estrofa y estribillo (aunque la letra no se repite como esperaríamos en un estribillo habitual). Después, aproximadamente en el minuto 2:36, Bryan May entra con un solo de guitarra increíble sobre los mismos cambios de acordes con los que ya nos habíamos familiarizado.
Hasta aquí, las cosas han ocurrido de una forma más o menos esperable. Pero al cabo de casi 3 minutos de tema, todo cambia radicalmente: un repentino cambio de tonalidad nos transporta a una sección musical completamente distinta, que se desarrolla y atraviesa diversas variaciones para convertirse al final en el épico tema de rock que conocemos, con coros, nuevos riffs contundentes de guitarra y aún más solos de guitarra.
Se trata de una manipulación verdaderamente ingeniosa de la forma. Al introducir esta sección completamente nueva, el tema se renueva de un modo totalmente inesperado y, al hacerlo, el regreso al motivo y tono originales al final ofrece una recompensa redonda. Al alejarse cada vez más de lo que habíamos considerado nuestro hogar musical durante los tres primeros minutos, volver a la tonalidad y ambientación iniciales al final supone una gratificación muy esperada. Es el tipo de canción que, al terminar, hace que quieras tomarte unos instantes para reflexionar y asimilar lo que acaba de pasar.
Sin ponernos demasiado técnicos ni académicos, vale la pena señalar que el modo en que se produce el regreso al tema inicial es muy similar a la estructura de un concierto clásico. Podríamos pensar que el solo de guitarra que arranca en 4:45 y luego se funde en un pasaje rápido de piano en 4:52 actúa de forma parecida a una cadenza en un concierto. Por lo general, esto ocurría al final de la sección de “desarrollo” (de forma parecida a como surge aquí la sección inédita y más audaz a partir de 3:00) y servía para que el solista brillase e interpretase una sección solista casi improvisada. Tras ello, tenía lugar el regreso al tema y la tonalidad originales.
Si te pica la curiosidad y quieres profundizar en ello, te recomiendo investigar la “forma sonata”.
2. Instrumentación: ¿quién toca qué?
Cuando hablamos de instrumentación, nos referimos a la elección de sonidos o instrumentos que asumirán las distintas funciones musicales en el arreglo. Podemos tomar las mismas partes musicales interpretadas, por ejemplo, con guitarra, una voz y un violín tradicional en una canción folk, y reasignarlas a un sintetizador (para tocar los acordes), un violonchelo para encargarse de la melodía vocal y, quizá, un banjo (para tocar los pasajes melódicos del violín original).
Incluso sin cambiar ni una sola nota del arreglo, al modificar la instrumentación influiremos de forma decisiva en cómo se percibe la música. Cambiar la instrumentación implica cambiar las texturas que escuchamos, y esa es una de las formas más potentes de modelar el sonido de un arreglo.
En este caso, hablamos de cambiar instrumento por instrumento en partes que ya estaban compuestas. Esto puede resultar muy eficaz al trabajar con una pieza musical que tiene un arreglo fácilmente reconocible: cambiando únicamente la instrumentación, captaremos la atención del oyente tocando las mismas notas pero con timbres completamente distintos.
En un escenario muy distinto, donde quizá no haya un arreglo musical previo al elegir la instrumentación, estamos definiendo una serie de parámetros para lo que será posible. Para mí, el proceso suele empezar con una idea melódica (o una idea de disposición de acordes) y pensando qué instrumento quedaría bien para tocarla. Pero enfocarlo al revés, pensando en un sonido interesante con independencia de las notas, también puede despertar infinidad de ideas musicales basadas únicamente en las posibilidades del instrumento y en lo que le hayamos escuchado tocar en otras canciones u obras.
En contextos más tradicionales, podemos pensar en varios tipos de agrupaciones predefinidas como punto de partida para posibles instrumentaciones en un proyecto. Algunas de ellas podrían ser un cuarteto de cuerda (dos violines, una viola y un violonchelo), una sección rítmica / combo de jazz (piano o guitarra, contrabajo y batería) o una big band (básicamente una sección rítmica de jazz más una sección de metales formada por cuatro trompetas, cuatro trombones, dos saxos altos, dos saxos tenores y un saxo barítono).
Otros tipos estándar de instrumentación habituales en la música tradicional son el conjunto vocal o coro SATB (soprano, contralto, tenor y bajo; un coro contará con varias voces en cada cuerda) y las orquestas de cámara y sinfónicas completas.
“See The World” de Aaron Gibson: arreglada para bajo eléctrico, cuarteto de cuerda y voz
Este es uno de los proyectos más especiales en los que he participado, tanto por la sensibilidad de la música como por el reto técnico de crear un arreglo para ella. Aquí, la elección de los instrumentos del arreglo y cómo encajaba cada parte en el puzle musical fueron cruciales para que todo funcionase al unísono.
El principal reto aquí radica en que el bajo eléctrico se mueve por un amplio abanico de texturas y notas: desde la parte más grave del registro, con notas profundas que llenan el espacio, hasta registros más percusivos y agudos.
Un cuarteto de cuerda suele tener tesituras y papeles muy definidos para cada uno de sus instrumentos. El violonchelo suele encargarse de la parte más grave del espectro, los violines cubren los agudos y la viola cohesiona todo en el centro.
En este caso, el cuarteto adopta distintas formas y funciones conforme avanza el tema, ya sea para imitar algunos de los sonidos que crea el bajo o para actuar como elemento de contraste y generar un sonido más lleno cubriendo los huecos que deja el bajo.
Por ejemplo, durante la intro, el bajo aporta un patrón rítmico de rasgueo sobre el que canta la voz; para complementarlo, el cuarteto toca acordes largos y sostenidos con algunos acentos melódicos que arropan la línea vocal. Esto crea un sonido rico y equilibrado en esa sección. La disposición espacial de las notas y lo abierta que es la sonoridad del cuarteto resultan clave para dar apoyo y, al mismo tiempo, dejar espacio para que el bajo destaque y la voz siga siendo el centro de atención indiscutible.
3. Ritmo: groove y mucho más
Aunque a menudo se pasa por alto, el ritmo es uno de los componentes clave a la hora de hacer arreglos. En cuanto añadimos un nuevo componente melódico o modificamos la melodía de una canción, ya estamos aplicando cambios rítmicos a la pieza. Si tomamos las notas de una melodía existente y modificamos la duración o el punto de inicio de algunas de ellas, la melodía se percibirá muy distinta a la original. Sería un cambio rítmico sencillo en el arreglo, pero puede tener un impacto tremendo en cómo se siente la música.
Cuando cambiamos el ritmo de la melodía, eso provocará que otras partes subordinadas a ella también deban cambiar (como una pista de acompañamiento que toca acordes por debajo de la melodía), y cuando cambiamos los acentos en las progresiones de acordes de un tema, transformamos las sensaciones del groove. Todas las piezas musicales están conectadas y se retroalimentan entre sí. Es fascinante. Solo hace falta escuchar con atención y comprobar cómo afecta cada cambio a los demás elementos de la música.
Escuchemos “1612” de Vulfpeck como ejemplo
Esta sería una canción perfectamente válida y que funcionaría sin problemas incluso con un patrón uniforme de rasgueo en la guitarra o con blancas marcando los acordes en el piano. Cuenta con una progresión armónica similar a la estructura estándar I-IV de blues, lo cual ya está muy bien de por sí. Pero la forma en que las distintas partes están organizadas rítmicamente lleva el tema a otro nivel.
El bajo sincopado y el bombo de la batería crean todo tipo de acentos, mientras que el ostinato del piano ayuda a mantener el tempo. La combinación de estos dos elementos genera esa sensación de groove. El “groove” es todo lo que interactúa en conjunto: los golpes y los silencios entre ellos. Esto permite que la voz juegue libremente con giros melódicos de todo tipo. Al contar con un pulso rítmico tan marcado, queda muchísimo margen para la improvisación y la espontaneidad. Esta canción es pura muestra de groove y buen rollo.
4. Armonía: la sustancia musical del alma
Esta es una de mis partes favoritas. Los acordes son, en cierto modo, los canales que tocan la fibra sensible del oyente. Es increíble todo lo que se puede conseguir con una simple sustitución armónica o una inversión sutil de alguno de los acordes de un tema.
Muchas veces, al trabajar con compositores, mi labor como productor y arreglista consiste en descubrir qué es lo que ya funciona en la música y qué agradecería un pequeño retoque para potenciar los elementos centrales del tema. En mi opinión, los cambios de acordes y cómo se estructuran a lo largo de la canción son factores clave para que un tema funcione. Suelo decantarme por cambios pequeños y sutiles en lugar de grandes rearmonizaciones de secciones enteras. Pero, a veces, puede que una canción no tenga suficiente movimiento armónico y empiece a resultar demasiado repetitiva o poco atractiva tras repetir varias veces una progresión de acordes sencilla.
Si tenemos suerte, podemos encontrar formas de hacer que la melodía existente funcione sobre una secuencia distinta de acordes. Esto puede aportar una perspectiva totalmente nueva al estribillo de un tema, o incluso permitirnos crear un puente que destaque gracias a este enfoque.
El arreglo para guitarra de Pat Metheny de “Don’t Know Why”
Este es un magnífico ejemplo de lo que se puede lograr al reimaginar la base de acordes que sostiene una canción.
Si conoces esta canción, popularizada por Norah Jones en su álbum de debut “Come Away With Me”, podrás escuchar con qué maestría Pat Metheny mantuvo la melodía original casi intacta a la vez que le daba un significado completamente nuevo con sus rearmonizaciones. Lo que me fascina de esta versión es que se asegura de que nos acostumbremos al tema durante la primera parte del arreglo, tocando la melodía tal y como la conocemos y alterando solo de forma sutil el funcionamiento de la armonía subyacente, con pequeñas variaciones y cambios de registro, añadiendo y quitando notas de bajo, pero sin alterar de forma sustancial la estructura de los acordes.
Luego, justo cuando creemos que eso será todo, introduce un cromatismo ingenioso y con mucho gusto en la interpretación y lleva los acordes mucho más allá de su tonalidad original a partir del minuto 2:04. Pero todo encaja y suena natural porque la estructura de la melodía se mantiene intacta. Al aferrarse a lo conocido, consigue llevarnos en un auténtico viaje armónico.
5. Diseño de sonido y texturas: el uso de paisajes sonoros en la música
Dentro de los arreglos musicales en la producción actual, tenemos la posibilidad de añadir sonidos texturales que no sugieren necesariamente notas o acordes concretos, sino que crean un halo de sonido alrededor de otros elementos, aportando sensación de espacio, un matiz de color y una atmósfera especial. Un buen ejemplo es añadir ruidos y chasquidos de vinilo de fondo o sonidos ambientales del mundo real (paisajes sonoros urbanos, el canto de los pájaros o el romper de las olas en la orilla).
Encontramos ejemplos de esto desde épocas tan tempranas como las de The Beatles y Pink Floyd. De este modo, los elementos de diseño de sonido pasan a formar parte prácticamente de las decisiones de instrumentación, y la forma en que los utilizamos puede influir en lo que transmite cada parte de la canción.
Si tenemos un sonido de fondo concreto durante la intro y luego hacemos que se desvanezca cuando entra la voz en la estrofa, estamos tomando decisiones formales respecto a esa textura. La textura puede mantenerse durante toda la canción y desaparecer de golpe en un momento dado para generar contraste.
La verdad es que no hay reglas escritas sobre cómo utilizar las texturas ni casi nada en realidad. (Quizás haya alguna regla escrita por ahí, pero te animo enormemente a usar el oído y tu propio criterio. Si suena bien, ¡es que funciona!).
Un vistazo a la textura: “Wish You Were Gay” de Billie Eilish
Este es uno de mis temas favoritos del álbum de debut de Billie. Toda una joya para el pop contemporáneo, tanto en términos de sonido y mezcla como de producción y arreglos.
Todo está hecho con sutileza e ingenio. Y lo mismo ocurre con el diseño de sonido en este tema. Billie y el productor Finneas utilizaron lo que parecen grabaciones de campo de multitudes para dialogar con lo que cuenta la letra y generar transiciones texturales entre secciones. En este caso, el diseño de sonido es un recurso tanto sonoro como narrativo. Para apreciar estos detalles, ponte auriculares y ve a 0:12, 0:29, 1:35 y 2:47 (este último es realmente sutil).
6. Integrándolo todo en una producción real
Aquí tienes un ejemplo de una producción reciente que hice para el artista chileno ZAPLA, en la que usamos un enfoque híbrido en el proceso de producción y arreglos, combinando instrumentos interpretados de forma más improvisada con otros sujetos a una partitura más pautada.
La canción me llegó como una pieza acústica solo con guitarra y voz. En la versión producida podemos escuchar una guitarra acústica principal, que conserva la semilla original del tema, y después se arreglaron y añadieron el resto de los elementos (piano, contrabajo, guitarra eléctrica, batería y violonchelos) para complementar la idea inicial.
Las guitarras, el piano y el contrabajo se interpretaron siguiendo un guion de acordes y con algunas pautas durante las sesiones de grabación, pero sin una partitura detallada. Las partes de violonchelo se compusieron primero tocando en un DAW con un controlador MIDI mediante Session Strings 2 de Kontakt, y más adelante se transcribieron a partitura para que un violonchelista las regrabara en el estudio.
Contar con una biblioteca de samples de cuerda realista fue fundamental para encontrar la inspiración sonora con la que crear un arreglo que encajara con el tema y empastara a la perfección con los instrumentos acústicos ya grabados.
Aquí tienes un fragmento del tema con las cuerdas VST tal y como se utilizaron durante la preproducción, correspondiente a la sección final de la canción que empieza en 3:08. Silenciamos algunos elementos durante los dos primeros compases para poder escuchar las partes de violonchelo con mayor claridad en este ejemplo.
Empieza a arreglar tu música
Espero que ahora tengas todo listo para profundizar en el mundo de la producción musical con mentalidad de arreglista. Se trata de pensar en la música en la que estás trabajando de forma holística y recordar que no hay reglas fijas a la hora de abordar un proyecto. Aunque hayamos desglosado los aspectos principales de un arreglo, en todos estos ejemplos intervenía más de un elemento en el proceso.
El panorama musical es inmenso y podemos profundizar en infinidad de temas y disciplinas específicas. Si hay algo de lo que hemos tratado en este artículo que te llame especialmente la atención, no dudes en indagar más. Una base sólida de armonía funcional, orquestación y las cualidades propias de cada instrumento, o un buen conocimiento de la síntesis, son herramientas que enriquecerán tu perspectiva y te darán libertad para crear con aún más soltura.
Imagina la creación, el arreglo y la producción musical como cocinar o preparar una ensalada, donde todos y cada uno de los ingredientes influyen en el resultado final del plato. El sabor, el toque crujiente y la cantidad de especias están conectados y colaboran para crear una experiencia fantástica.
Te animo a experimentar y utilizar las herramientas a tu alcance para crear combinaciones únicas de sonidos y texturas que conecten contigo. No temas salirte de la norma: todo forma parte del proceso. Coge una melodía, pruébala en un sinte, cambia el instrumento por otro sonido, dóblala, panoramízala, fíltrala. Pásatelo bien con ello. Descubre qué te emociona; seguro que también conectará con los demás.
Kontakt ofrece una increíble paleta de sonidos y opciones a solo unos clics para que explores todo tipo de posibilidades sonoras, y el Kontakt Player gratuito viene incluido en Komplete Start para que puedas empezar.
