La teoría musical se suele asociar a intérpretes y músicos del ámbito clásico. Por eso, puede que no parezca un conocimiento esencial para quien produce o crea ritmos. Creer esto puede limitar seriamente tus habilidades de producción musical. Aprender teoría musical te da herramientas para llevar tu trabajo a otro nivel. Además de ofrecerte un flujo de trabajo eficiente, entender la teoría musical fomentará tu creatividad y te proporcionará un conocimiento profundo de elementos musicales como samples, patrones de batería, acordes y mucho más.
Si estás a punto para dar un salto de calidad en tu forma de componer música, probablemente te estés preguntando cómo aprender teoría musical. Este artículo te servirá de guía para empezar y te orientará en la dirección adecuada para iniciar (o continuar) tu aprendizaje de la teoría musical. Si alguna de las ideas te llama especialmente la atención, no dudes en saltar de una sección a otra y hacer clic en los enlaces a lo largo del artículo para obtener más información.
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¿Qué es la teoría musical?
La teoría musical es el estudio de los elementos y las estructuras de la música. Abarca toda una serie de conceptos: desde los más básicos, como entender cómo se escriben las notas en un pentagrama o en el piano roll, hasta ideas más complejas como las relaciones entre acordes y escalas. En esencia, la teoría musical proporciona una serie de principios para que los músicos puedan analizar, componer e interpretar música.
La teoría musical occidental moderna se construyó sobre el lenguaje musical que diversos compositores fueron consolidando en sus obras a lo largo de los últimos siglos. La teoría se basa en lo que ya suena bien a nuestros oídos y no al revés. Conviene recordarlo, ya que, aunque la teoría musical sirve para marcar pautas, no existen reglas inquebrantables que debas seguir a rajatabla. Aun así, dominar los conceptos básicos te ayudará enormemente a la hora de componer tu propia música.
¿Puedo aprender teoría musical de forma autodidacta?
Al tratarse de un tema tan amplio, podrías pensar que necesitas ir al conservatorio o a una escuela de música para asimilarlo. Aunque titulaciones y diplomas están al alcance de algunas personas, por desgracia esa no es la realidad de todo el mundo.
Por suerte, es perfectamente posible aprender teoría musical por tu cuenta. La enorme variedad de recursos online, libros y cursos hace que el aprendizaje autodidacta sea más fácil que nunca. Muchos de estos recursos están incluso disponibles gratis. Empieza por lo básico, como las definiciones y la terminología, y luego avanza gradualmente hacia temas más complejos como la armonía y la composición.
No necesitas gastarte una fortuna para empezar a aprender teoría musical. Lo que sí debes poner de tu parte es curiosidad y cierta disciplina. La práctica constante, la escucha activa y la experimentación consolidarán todo lo que vayas aprendiendo.
Fundamentos de teoría musical
Pongámonos manos a la obra y veamos los conceptos básicos de la teoría musical. Los temas que presentamos a continuación están todos interrelacionados, por lo que comprender un concepto influirá sin duda en cómo veas los demás.
Ten en cuenta que toda la información de este artículo se basa en la teoría musical occidental. Es una forma de abordar las ideas predominantes en la música popular, pero existen muchos otros sistemas de conocimiento musical fuera de este marco.
Ritmo
El término “ritmo” abarca los aspectos temporales de la música: es decir, los patrones de notas y silencios que ocupan el tiempo. Algunos conceptos importantes englobados en la categoría del ritmo son el pulso, el tempo, las polirritmias y la síncopa.
Beat
En el mundo de la producción musical, a veces llamamos “beat” a la base instrumental de un tema, pero desde el punto de vista teórico ese término no es del todo exacto. Un pulso o beat es la unidad básica de tiempo en la música. Es el pulso constante y subyacente que sientes cuando escuchas una canción. El beat proporciona un marco sólido para organizar los acontecimientos musicales y actúa como la corriente que impulsa la música hacia delante. El pulso predominante en un tema viene determinado por un “compás” que parece una fracción. Dos compases muy comunes son el 4/4 y el 6/8.
Tempo
El tempo es la velocidad de una pieza musical. El tempo marca el ritmo general de una canción y también puede influir en su estado de ánimo. Los tempos lentos suelen generar una atmósfera reflexiva, mientras que los más rápidos aportan energía y emoción. El tempo se mide en “pulsaciones por minuto” o BPM para abreviar. Los BPM más rápidos se usan habitualmente en géneros de baile enérgicos como el drum and bass o el trance, mientras que los tempos más bajos se reservan para estilos relajados como el lo-fi y el ambient.
(Ten en cuenta que en un DAW los controles de tempo y compás suelen encontrarse juntos cerca de la ventana de transporte).
Polirritmias
Las polirritmias se producen cuando tocamos varios ritmos a la vez, uno encima de otro. Experimentar con polirritmias puede añadir complejidad a tu música si las utilizas con ingenio. Las polirritmias son habituales en el dubstep, el jazz y muchos tipos de música no occidental.
Escucha este ejemplo de polirritmias del paquete de samples Spotlight Collection: West Africa para Kontakt.
Síncopa
La síncopa se produce cuando el énfasis de un pasaje musical se traslada a los tiempos débiles o a contratiempo. Es una técnica que aporta dinamismo, imprevisibilidad y groove al ritmo.
La melodía en la música
Seguro que alguna vez se te ha pegado una canción y no has podido quitártela de la cabeza. Si te ha pasado, lo más probable es que esa melodía pegadiza sea la melodía en cuestión. La melodía de una canción es la parte que puedes cantar o tararear, y suele ser el elemento más destacado de un tema. Una melodía es una sucesión lineal de tonos musicales que da forma a una frase musical reconocible.
Las melodías se caracterizan por su tono, su ritmo y su contorno. También reciben el nombre de “top-lines” y, en el contexto del pop, suelen correr a cargo de la voz como elemento protagonista del tema.
Tono
Cuando hablamos de lo aguda o grave que es una nota en la música, nos referimos concretamente a la altura tonal o pitch. El tono de una nota se basa en su frecuencia fundamental. Cuanto más alta o más baja sea esa frecuencia fundamental, más agudo o más grave será el tono.
Cada nota en la música tiene un nombre único según su posición en el piano roll. Nos referimos a ella primero por su letra y, en segundo lugar, por un número que corresponde a la octava en la que se encuentra. Todas las notas contienen una de las siguientes letras:
A, B, C, D, E, F o G.
Así como un número del 0 al 8.
La descripción de una nota también puede incluir lo que llamamos una “alteración”. Las dos alteraciones principales son los “sostenidos” (#) y los “bemoles” (b). Un sostenido significa que la nota está inmediatamente por encima de la letra indicada, y un bemol significa que está inmediatamente por debajo. Un Eb está justo por debajo de un E natural, y un C# está justo por encima de un C natural.
Esta nota grave– es A#1:
Y esta nota aguda– es D5:
A veces, las alteraciones pueden compartir la misma tecla en el teclado o piano roll. Por ejemplo, F# comparte lugar con Gb. Las llamamos de distinta forma por razones analíticas, así que no te obsesiones con este tecnicismo mientras aprendes los conceptos básicos de la teoría musical.
Intervalos
Un intervalo es la distancia o diferencia que separa dos notas distintas. Hay varias formas de clasificarlos. Definimos los intervalos mediante los siguientes términos:
1. Tipo
Hace referencia a la cualidad o especie del intervalo y a la distancia exacta entre dos notas. Existen cinco tipos de intervalos: mayores, menores, justos, aumentados y disminuidos.
2. Distancia en semitonos
Un semitono es la distancia más pequeña entre dos notas en la teoría musical occidental. Por ejemplo, D y D# están a un semitono de distancia. A la distancia de dos semitonos se la denomina tono entero o simplemente tono. E está a un tono de distancia de D.
3. Distancia en nombres de notas/números
La diferencia entre las letras o nombres de las notas determina el valor numérico que asignamos al intervalo. Veámoslo en la práctica:
Podemos ver que la distancia entre C y E es de tres notas (contando C, tenemos C, D y luego E). Por tanto, a este intervalo lo llamamos tercera. Este ejemplo concreto es una tercera mayor, ya que también dista cuatro semitonos. Si el E bajase a Eb y estuviera a tres semitonos, sería una tercera menor.
Teniendo claros estos conceptos, puedes consultar esta tabla para ver qué tipo de intervalo separa dos notas:
Cuando los intervalos se tocan de forma sucesiva, se denominan “intervalos melódicos”. Cuando se tocan a la vez, son “intervalos armónicos”, y dan lugar a la armonía y a los acordes.
La armonía en la música
Aunque la melodía sea la parte más fácil de reconocer en una canción, la armonía es un elemento subyacente esencial que le aporta su contexto emocional. La armonía llena la música de tensión a medida que se aleja del centro tonal y la libera cuando regresa a “casa”.
La armonía surge al superponer varias notas a la vez. Los intervalos armónicos pueden transformar una melodía solista:
En una melodía armonizada:
O crear acordes.
Los acordes en la música
Un acorde es un conjunto de tres o más notas que suenan simultáneamente. Los acordes son componentes fundamentales de la teoría musical y desempeñan un papel protagonista en la estructura y el carácter de cualquier composición musical.
Damos nombre a los acordes en función de los intervalos que contienen. La nota más grave suele determinar la letra del acorde (la fundamental). A partir de ahí, los intervalos de tercera y quinta son rasgos determinantes. Si hay una tercera mayor presente (medida desde la fundamental), es un acorde mayor. Si hay una tercera menor, es un acorde menor. Lo mismo ocurre con el intervalo de quinta, que determina si el acorde es disminuido o aumentado.
Si nos fijamos en un acorde de mi mayor (E), contiene las notas E, G# y B. El intervalo E – G# es una tercera mayor, por lo que se trata de un acorde mayor. El intervalo E – B es una quinta justa, que no hace falta especificar en el nombre del acorde.
Tríadas
Los acordes de tres notas como mi mayor se llaman tríadas y suelen constar de una fundamental, una tercera y una quinta. Esta clase de acordes es omnipresente en la música popular. Encontramos los siguientes tipos de tríadas:
1. Tríadas mayores (fundamental, tercera mayor, quinta justa)
2. Tríadas menores (fundamental, tercera menor, quinta justa)
3. Tríadas disminuidas (fundamental, tercera menor, quinta disminuida)
4. Tríadas aumentadas (fundamental, tercera mayor, quinta aumentada)
Extensiones de acordes
Más allá de las tríadas básicas, un acorde puede incluir en realidad cualquier nota de la escala. Cuando añadimos notas a un acorde por encima de la tríada, estamos añadiendo “extensiones de acordes”. Esto puede generar sonoridades increíbles y únicas que se escuchan en infinidad de géneros como el jazz, el soul y el house.
Tomemos la tríada de Mi mayor anterior y añadámosle un Re# y un Fa# por encima. Ambas notas forman parte de la escala de Mi mayor, de la que hablaremos más adelante.
Ahora se llama Mi mayor novena (Emaj9). Se le llama “novena” en lugar de “segunda” porque estamos extendiendo el acorde por encima de la octava inicial o intervalo de octava. El acorde Emaj9 suena así:
Añadir extensiones a los acordes aportará una gran riqueza cromática y color a tus composiciones.
Inversiones de acordes
Una inversión consiste sencillamente en cambiar el orden de las notas del acorde que estás tocando y situar una nota distinta de la fundamental en el bajo. Fíjate en la misma tríada de Mi mayor de antes, formada por Mi, Sol# y Si. Estas notas no tienen por qué tocarse siempre en ese orden.
Si colocamos la tercera nota en la parte inferior y las tocamos en el orden Sol#, Mi y Si, se denomina “primera inversión” y suena así:
Si situamos la quinta nota, Si, en el grave del acorde, se denomina “segunda inversión” y suena de este modo:
Invertir acordes permite conseguir una conducción de voces suave y fluida al cambiar de acorde en una progresión armónica. Además, hace que los acordes suenen menos estables, por lo que pueden usarse para aliviar ligeramente la tensión sin llegar por completo al centro tonal.
Progresiones de acordes
Los acordes deben combinarse para generar una sensación de desarrollo y, en última instancia, una liberación de la tensión. Cuando encadenamos una serie de acordes distintos, hablamos de una “progresión de acordes”.
Las progresiones de acordes son un elemento esencial de la composición musical, y los acordes que elijas marcarán el estado de ánimo y la estructura de tus temas. Existen multitud de progresiones muy habituales en géneros como el R&B y el pop.
Es muy probable que ya hayas escuchado esta progresión de acordes antes:
Se trata de una vi-IV-I-V, y es una progresión de acordes extremadamente común en la música pop. Puedes escucharla en temas como “Ghost” de Justin Bieber:
Y también en “BEBE” de 6ix9ine y Anuel AA:
Una misma progresión de acordes puede emplearse en infinidad de canciones sin considerarse plagio. No dudes en utilizar las que más te gusten en tus composiciones; solo asegúrate de crear tus propias melodías.
¿Qué progresión de acordes conviene utilizar en cada contexto? ¿Cómo se componen progresiones de acordes desde cero? Para responder a estas preguntas, primero hay que entender el concepto de tonalidad.
Tonalidades en la música
Para que todo suene cohesionado y agradable al oído, las composiciones suelen utilizar una tonalidad. Una tonalidad ancla la pieza a un “centro tonal” y sirve de guía para saber qué escalas debemos elegir para los acordes y las melodías de un tema.
Una tonalidad se nombra con una letra (o nota), seguida de su cualidad (habitualmente mayor o menor). Por ejemplo, una canción puede estar en la tonalidad de La menor, en cuyo caso la pieza se basará principalmente en las notas de la escala de La menor, que son A-B-C-D-E-F-G-(A).
Esta escala determinará la sonoridad de la pieza, ya que la mayoría de las notas melódicas y los tonos de los acordes procederán de ella.
El círculo de quintas
El círculo de quintas es una herramienta fundamental para comprender las tonalidades y las escalas. Te permite visualizar las tonalidades en función de las notas que forman sus escalas y entender cómo se relacionan entre sí.
Al avanzar en el sentido de las agujas del reloj por el círculo, se van añadiendo sostenidos (#) a la tonalidad o escala. Al desplazarse en sentido contrario a las agujas del reloj, se añaden bemoles (b).
Escalas musicales
Puesto que las tonalidades derivan de las escalas, es fundamental tener claro qué es en realidad una escala. Una escala es una secuencia concreta de notas que constituye la base con la que construimos los acordes y las melodías de una composición. Las escalas más habituales son las escalas mayores y menores estándar, y se componen siguiendo una fórmula precisa de intervalos.
Escalas mayores
La escala mayor suena de esta forma:
Y se construye a partir de esta fórmula:
Tono-tono-semitono-tono-tono-tono-semitono.
En la tonalidad de Fa, por ejemplo, esa fórmula da como resultado esta escala:
F-G-A-Bb-C-D-E-(F)
Escalas menores
La escala menor suena así:
Y se compone con esta fórmula:
Tono-semitono-tono-tono-semitono-tono-tono.
Por lo tanto, la escala de Fa menor estará compuesta por estas notas:
F-G-Ab-B-C-Db-Eb-(F)
Échale un vistazo al círculo de quintas para comprobar por qué estas tonalidades contienen notas con bemoles.
Modos musicales
Si ya entiendes el concepto de escala, dominar los modos no te supondrá ninguna dificultad. Los modos son una forma de reaprovechar las fórmulas de las escalas para crear nuevas sonoridades a partir de las relaciones interválicas. Aunque pueda sonar complejo, en realidad es muy sencillo.
Un modo se genera tomando una escala y utilizando exactamente sus mismas notas pero empezando desde un grado distinto. Volvamos a fijarnos en nuestra escala de Fa mayor:
F-G-A-Bb-C-D-E-(F)
Esa es la escala mayor estándar que, en el contexto de los modos, también recibe el nombre de modo jónico. Si tomamos las mismas notas de esa escala pero empezamos en el segundo grado (Sol), obtenemos un modo nuevo:
G-A-Bb-C-D-E-F-(G)
Se llama modo dórico. Es una escala menor que presenta un sexto grado elevado, lo que aporta una pizca de brillo a la tonalidad. Suena así:
Existen siete modos de la escala mayor, cada uno con su propia fórmula. Del mismo modo, es posible crear modos a partir de otras escalas.
Composición de canciones
Además de la armonía, los acordes, las escalas y todo lo que hemos tratado hasta ahora, existen otras nociones de teoría musical que pueden enriquecer tu forma de componer canciones.
Estructura del tema
La estructura de una canción es un componente clave del arreglo musical. Al igual que ocurre con las progresiones de acordes, es práctica habitual utilizar y reinterpretar estructuras ya consagradas. Estructura tu tema organizándolo en secciones bien diferenciadas, como estrofas, estribillos y puentes.
Podemos identificar las partes de nuestras canciones con letras como “A”, “B” o “C” (no las confundas con notas o tonalidades). Anímate a experimentar con estructuras tradicionales como AABA, estrofa-estribillo o ABAB.
El canal de YouTube 12tone ofrece un análisis fantástico sobre la estructura musical en este vídeo:
Timbre
El timbre es otro concepto fundamental en la composición: hace referencia a la textura y el color del sonido en la música.
Las decisiones tímbricas suelen traducirse en la elección de los instrumentos, ya que cada uno posee características tonales y de textura singulares. Elegir instrumentos que encajen con la atmósfera de tu composición es una decisión crucial que influirá enormemente en cómo percibe el oyente lo que has creado. Comprobemos el contraste emocional escuchando una misma melodía interpretada por dos instrumentos distintos.
Esta es una melodía sencilla tocada al piano:
Y aquí tienes exactamente la misma melodía tocada en Massive X, recurriendo a la síntesis por tabla de ondas para lograr un timbre diferente:
Ninguna de las dos opciones es necesariamente mejor que la otra, pero te toca a ti decidir qué encaja de forma más coherente con tu intención como compositor. Quizá la instrumentación del primer ejemplo encajaría fácilmente en una canción pop, mientras que el segundo se presta más a un estilo electrónico.
Empieza a aprender teoría musical
Con unos conocimientos básicos de teoría musical, podrás enfocar la composición de canciones y la creación de bases con mucho más criterio. Una buena base teórica te ayudará a tomar decisiones fundamentadas en la práctica musical habitual.
Aprender teoría musical es una de las mejores formas de llevar tus habilidades de composición al siguiente nivel. ¡Y sí, puedes aprender de forma totalmente autodidacta! Empieza a practicar teoría musical con Komplete Start, una colección gratuita de software de producción musical.
