El ritmo es los cimientos sobre los que la música construye su cadencia, invitando a quien escucha a moverse, sentir y conectar a un nivel visceral. Es el pulso vital de la música, el que dicta su fluidez y estructura. Las melodías y el acompañamiento también se construyen sobre el ritmo, y juntos crean una sensación de groove al interactuar entre sí. Los distintos tipos de ritmo en la música pueden despertar emociones e influir en el estado de ánimo y la energía de una pieza, ya sea mediante la síncopa, tiempos constantes o patrones más complejos.
En este artículo exploraremos los fundamentos del ritmo musical y su importancia en la música que creas.
Ir a estas secciones:
- ¿Qué es el ritmo en la música?
- Fundamentos del ritmo:
- ¿Hacen falta siempre baterías para tener groove?
- El ritmo en la composición de canciones
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¿Qué es el ritmo en la música?
El ritmo en la música hace referencia a cómo se desarrollan los sonidos en relación con el tiempo. Las notas pueden repetirse de forma regular, crear patrones, ser predecibles o completamente irregulares, sin seguir un orden específico. El silencio también desempeña un papel fundamental a la hora de definir el ritmo de la música, ya que genera espacio entre los sonidos y se convierte, por tanto, en un elemento rítmico en sí mismo.
Si lo analizamos más de cerca, nos damos cuenta de que la música es ritmo. El ritmo define cómo ocurren las cosas a lo largo del tiempo, y la música es un arte temporal. A diferencia de la pintura o la fotografía, donde la obra permanece inmóvil para que quien la contempla lo haga libremente y a su propio ritmo, la música, por naturaleza, está siempre en movimiento y desaparece a medida que suena. Escuchamos continuamente el recuerdo del sonido, y el ritmo es nuestro recuerdo del tiempo. Quizás podríamos decir que el ritmo es nuestro recuerdo de cómo percibimos el tiempo.
Cuando mantenemos pulsado un acorde en un piano y luego lo soltamos, creamos dos instantes en el tiempo: el momento en que comienza el sonido y el momento en que termina. Esta es la manifestación más básica del ritmo. Cualquier acontecimiento musical queda asociado a un punto en el tiempo dentro de nuestra memoria.
Si a continuación tocamos un acorde diferente y lo soltamos tras la misma duración, crearemos una sensación de pulso. Como oyentes y creadores de música, nos apoyamos en cualquier referencia inicial de una pieza para construir en nuestra mente una noción del tiempo o del pulso.
En ocasiones, existe una sensación constante de pulso o claqueta por debajo de la música. Otras veces, ese pulso no es tan evidente y el ritmo de los elementos puede parecer menos pautado. Aun así, tanto si hay un latido constante y discreto como si se trata simplemente de eventos que parecen suceder al azar (o de un modo no predecible), el ritmo siempre está presente.
Ahora, pasemos a desglosar algunos conceptos fundamentales para crear música, teniendo siempre presente el ritmo.
Fundamentos del ritmo
1. Tiempo o pulso
El pulso (o tiempo) se refiere a una unidad constante de tiempo que guía nuestra percepción temporal en una pieza musical. Esto no significa necesariamente que tengamos un tictac continuo o una nota repetida sonando sobre la música, sino más bien una especie de reloj implícito que nos orienta para mantener el tempo mientras tocamos las distintas partes.
Esto es precisamente lo que representa una pista de claqueta o «click track». Cuando estamos grabando y queremos mantener una alineación perfecta con una cuadrícula (un mapa de tiempo imaginario donde situamos los eventos musicales), usamos un clic audible como punto de referencia que nos marca el compás a partir de una fuente generada por una máquina, que puede ser un DAW, una caja de ritmos electrónica o un buen metrónomo tradicional independiente.
Pero, en última instancia, el tiempo, el pulso o el clic no deja de ser una guía abstracta e imaginaria que no se escucha, sino que se siente.
Quizás te resulte familiar la palabra inglesa «beat» referida a todo el acompañamiento rítmico y armónico que suena bajo la melodía vocal o la voz principal de una canción. De hecho, hoy en día, cuando la gente habla del «beat», suele referirse a todo el conjunto de elementos que configuran el groove característico y la progresión de acordes principal de un tema. Esto es muy habitual en géneros cuyas estructuras se construyen sobre secciones en bucle que se repiten con el tiempo.
Sin embargo, en el sentido más tradicional y elemental del término, el tiempo o pulso se refiere simplemente al latido rítmico fundamental de una pieza musical.
2. Tempo
Tempo significa «tiempo» en italiano, pero en música se refiere en realidad a la velocidad. Solemos decir: «El tempo o BPM (pulsaciones por minuto) de esta pieza es tal». O «¿A qué tempo la tocamos esta vez?» en un grupo o en directo, refiriéndonos a lo rápido que se va a interpretar la música.
El tempo es una cualidad exacta y objetiva. Y nos ayuda a situar el ritmo en una escala de duración. Podemos tocar el mismo ritmo a un tempo distinto, lo que dará lugar a una pieza mucho más larga o más corta.
Escuchemos estas dos versiones radicalmente distintas de «Billie Jean»: la versión original del álbum de Michael Jackson y la reinterpretación acústica en clave de balada blues de Chris Cornell.
El tempo original ronda los 114 BPM y el compás es de 4/4. Es alegre y bailable: puro Michael. Chris Cornell decidió bajar el tempo considerablemente y cambiar la métrica, creando una sensación de 6/8. Todo esto en conjunto genera una atmósfera completamente diferente y aporta una nueva dimensión emocional y de significado a la canción.
Es difícil saber qué inspiró a Chris a plantearlo así y si fue antes el cambio de tempo o el de métrica, pero sin duda uno influyó en el otro. Lo más probable es que surgiera de forma intuitiva, como sucede casi todo en la música y el arte. Sin embargo, resulta fascinante analizarlo en retrospectiva para intentar comprender cómo o por qué ocurrió.
Este puede ser un ejercicio y experimento fantástico. Elige una canción que te encante y conozcas bien y cambia el tempo drásticamente. Fíjate en cómo se siente una vez que la tocas a esa nueva velocidad durante un rato. Verás cómo eso inspira otros cambios en la versión. Deja que la música hable por sí misma y te lleve de viaje. Si escuchamos con atención, la música casi siempre nos conduce al lugar adecuado.
3. Métrica
Utilizamos el concepto de métrica como una forma de organizar el ritmo. En la música occidental, la manera en que percibimos los tiempos fuertes y débiles está estrechamente ligada a los cambios de acordes de una pieza. Solemos percibir los puntos de llegada de las progresiones armónicas a zonas de reposo como tiempos fuertes, y los acordes menos estables y más de transición como tiempos más débiles.
En función de la frecuencia con la que se producen estos cambios de acordes en relación con el pulso, organizamos la música en distintos tipos de compases y métricas.
Los aspectos clave a tener en cuenta al pensar en la métrica son cuántos tiempos hay en cada compás y cómo se subdivide internamente cada uno de ellos.
Compás simple
Por ejemplo, en un compás de 4/4 (el más habitual en el pop, el rock y muchos géneros actuales), hay cuatro tiempos por compás, divididos internamente por múltiplos de dos. Podemos tener ocho subdivisiones en un compás o incluso 16. Un buen ejercicio de escucha es fijarse en cómo el charles toca las subdivisiones internas del ritmo en un patrón de batería, lo que suele marcar el groove y la fluidez de todo el compás.
Por poner solo un ejemplo entre millones, aquí tienes «When I Come Around» de Green Day como muestra de ritmo musical en compás de 4/4. En este caso, si escuchamos la introducción de la canción, arranca con su característico riff de guitarra distorsionada durante un compás, y luego la batería se une tocando negras en el charles durante el segundo compás, preparando a quien escucha para sentir un 4/4 lento con frases de dos compases de duración.
Otro caso muy habitual es el compás de 3/4, donde habrá tres tiempos por compás, también subdivididos internamente por múltiplos de dos. El vals es el ejemplo prototípico. Pero en la música pop encontramos infinidad de canciones compuestas «a 3». El compás de 3/4 tiene un balanceo característico muy especial.
El ámbito más común donde encontrar el compás de 3/4 es el vals. Aquí tienes uno de los más célebres, del compositor romántico polaco-francés Frédéric Chopin. En este caso, escucharás (y verás) con total claridad en la partitura cómo la mano izquierda marca el ritmo con una nota grave en el primer tiempo y luego dos notas más agudas en los tiempos dos y tres.
Compás compuesto
En los compases compuestos, cada tiempo se subdivide en tres partes y, para distinguirlo de los compases simples, la fracción indica la cantidad total de subdivisiones dentro de un compás. Por ejemplo, en un compás de 9/8, esto equivale a nueve subdivisiones en total, agrupadas en tres tiempos.
Un buen ejemplo de métrica en 6/8 es la canción de The Beatles «Norwegian Wood», de su álbum Rubber Soul. Fíjate en la subdivisión del rasgueo de guitarra, que acompaña a la melodía vocal: son las corcheas que aparecen en el pentagrama inferior de la partitura de arriba. Ahora presta atención a las notas del bajo. Las notas largas que toca dividen el compás en dos, correspondiéndose con las negras con puntillo del pentagrama superior. La primera nota larga suena con fuerza y funciona como punto de apoyo, mientras que la segunda nota (o las notas más rápidas) actúa más bien como un impulso o anacrusa hacia el siguiente compás. A ese impulso lo denominamos «tiempo débil».
4. Compases
En música, un compás suele ser la unidad musical más pequeña que tiene un principio y un final, y que luego vuelve a empezar en el siguiente ciclo. Usamos compases porque solemos pensar y sentir la música por fragmentos. Estas porciones más manejables de música son lo que llamamos frases, que habitualmente abarcan varios compases. Podemos encontrar frases rápidas dentro de un solo compás, pero por lo general una frase musical se extiende a lo largo de un par de compases, y entendemos cada compás como una unidad de tiempo abarcable que podemos sentir con claridad.
Imagina que estás dando un paseo alrededor de la manzana y respiras a un ritmo normal. Quizás caminas dando cuatro pasos por cada respiración, y eso en sí mismo se siente como un ciclo de respiración y pasos. Cada paso podría equivaler a cada tiempo de una canción, y la velocidad a la que caminas se asemeja al tempo. Cuando echamos a andar, a veces aceleramos o frenamos el paso, pero tendemos a asentarnos en un ritmo constante. Es algo puramente humano: ese es nuestro tempo natural.
Si consideramos cada ciclo de respiración como un compás, al mirar alrededor y pasar junto a una casa, luego la siguiente y después un árbol conforme nos acercamos al siguiente tramo de la manzana, cada uno de esos puntos visuales es comparable a una frase musical. Quizás nos lleve varias manzanas llegar a nuestro destino y veamos muchas cosas por el camino. El tiempo también transcurre, y en cada instante solo vemos lo que nos rodea; sin embargo, conservamos en la memoria todo el trayecto desde que empezamos a andar. A medida que seguimos caminando, somos conscientes de la distancia recorrida y anticipamos lo que está por venir, tanto en el tiempo como en el espacio.
Es importante pensar en términos de tiempo y espacio. O dicho de otra forma: medir el espacio resulta mucho más tangible que medir el tiempo. En la música solo manejamos el tiempo, pero si imaginamos que también nos desplazamos en el espacio al escuchar o tocar, podemos desarrollar una percepción mucho más sólida del tiempo y del ritmo. A mí me gusta dar paseos y escuchar música de vez en cuando. Cuando empiezas a prestarle atención, resulta casi imposible no caminar al tempo de la canción o a alguna de sus subdivisiones. Si nunca lo has probado, te animo a hacerlo.
¿Hacen falta siempre baterías para tener groove?
Cuando pensamos en groove, casi de inmediato pensamos en la batería. Quizá en la batería y el bajo juntos como una unidad. Pero ¿y si te dijera que el groove está formado por todos los elementos que aportan ritmo en un momento dado? La batería puede ser el instrumento más emblemático que asociamos a la sensación de ritmo y groove, pero en realidad hasta una parte vocal puede ayudar a crear esa sensación.
Lo que intento destacar aquí es que existe una diferencia entre la percusión o los sonidos percusivos y el ritmo en sí. Casi cualquier instrumento puede volverse percusivo (marcado y preciso en el tiempo), aunque lógicamente hay algunos más propensos por naturaleza a ello, como la batería, los shakers, etc. Pero, por ejemplo, el piano también se considera técnicamente un instrumento de percusión, ya que su mecanismo consiste en macillos que golpean las cuerdas.
Teniendo esto en cuenta, intenta abrir la mente y contemplar todos y cada uno de los elementos e instrumentos de una canción como participantes en la construcción del ritmo.
A veces, cuando trabajo en una producción y vuelvo a escuchar el tema en marcha (escucha siempre, y escucha sin hacer nada más ni mirar la pantalla), intento identificar qué partes pueden estar interfiriendo con la sensación global de ritmo; y, la mayoría de las veces, no es la batería lo que hay que desplazar ligeramente, sino los elementos que la rodean. Quizá haya una guitarra que se adelanta medio compás antes de un redoble de timbales de la batería, haciendo que el redoble suene retrasado cuando, en realidad, lo que hay que ajustar no es la batería, sino la guitarra.
No siempre resulta tan fácil resolver estas situaciones o identificar en qué elemento hay que trabajar. Una buena forma de afrontarlo es silenciar varios elementos de la mezcla hasta que el problema desaparezca. A partir de ahí, es mucho más sencillo saber qué elementos no tienen tan buen groove.
El ritmo en la composición de canciones
Como compositor, suelo empezar a escribir canciones al piano o con la guitarra buscando progresiones de acordes con cierto aire rítmico que luego me inspiren melodías y letras. También puede ocurrir al revés: una letra con cierta cadencia (el ritmo con el que fluyen las palabras) inspira un acompañamiento armónico, y el ritmo del rasgueo de acordes queda determinado por la melodía principal (top line).
Algo de lo que a veces me descubro prisionero es tocar los acordes justo en los mismos puntos rítmicos que la melodía. Por ejemplo, si hay una melodía con una parte sincopada, los acordes de piano o guitarra caerán justo en ese instante debido a la atracción intuitiva del ritmo melódico, y también porque puede resultar más difícil disociar las manos de la voz para tocar los acordes y cantar la melodía por separado.
En las canciones típicas de folk o pop con un patrón rítmico constante en el rasgueo de guitarra, ese ritmo se vuelve algo natural; una vez interiorizado, resulta más fácil moverse con libertad por encima con la melodía vocal.
Si queremos generar una gran anticipación en una sección concreta de una canción, en la que la melodía toca una nota antes del compás siguiente, podemos hacer que toda la banda toque esa nota con un nuevo acorde al unísono, anticipando el siguiente compás. También podemos optar por tocar el acorde en el tiempo fuerte y dejar que la melodía se anticipe sola, lo que creará un efecto más suave.
En estos dos ejemplos podemos escuchar ambas opciones. En primer lugar, en el clásico de Oasis “Wonderwall”, el rasgueo de la guitarra utiliza un patrón que insinúa la melodía vocal anticipada en cada frase, “atacando” cada acorde al mismo tiempo que la melodía vocal.
Por otra parte, si tomamos “La Cienaga Just Smiled” de Ryan Adams, de su emblemático álbum Gold, podemos escuchar un rasgueo constante de semicorcheas en la guitarra que marca el tempo, mientras el bajo y el piano tocan acordes en cada tiempo fuerte y la melodía vocal anticipa el comienzo de cada compás. En este caso, la banda y la melodía principal no atacan los cambios a la vez, lo que produce un efecto diferente.
No hay una forma correcta o incorrecta de plantear rítmicamente el acompañamiento. Pero sí es importante conocer las posibilidades y utilizar el oído y el criterio propio para elegir lo que mejor encaje.
Llena de ritmo tus composiciones
Como hemos visto, el ritmo siempre está presente en la música. Unas veces de forma sutil y otras de manera tan contundente y explícita como una batería marcando el backbeat de un tema. Da igual qué tipo de música estemos haciendo o qué instrumento utilicemos: el ritmo siempre está ahí, y cuanto más conscientes seamos de él, más libertad tendremos y mayor será el impacto de nuestra música. Ten siempre en cuenta todos los elementos presentes en una canción e intenta escuchar el efecto rítmico combinado de toda la banda.
Recuerda: no siempre es en la batería o en el bajo donde encontrarás los aspectos rítmicos más importantes de una pieza. Puede ser en el piano, la guitarra, las cuerdas o cualquier otro elemento. Escucha y respira la música mientras se desplaza en el tiempo y el espacio. Sigue creando y perfeccionando tu sentido del tempo en cada proyecto o canción que escuches.
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