音乐编曲是一门组织与改编音乐作品的艺术。它涉及决定旋律、和声、节奏与配器等不同音乐元素在一首作品中如何构建、编配与呈现。
构成编曲的主要元素或组成部分包括曲式、配器、节奏、和声，以及可能包含的声音设计与质感元素。在本文中，我们将探讨编曲技巧的各种可能性、音乐编曲的方方面面，以及这些方面如何影响听众对特定制作中音乐的感知。
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1. 曲式：不同段落如何协同配合
音乐编曲中的曲式关注的是一首歌曲或音乐作品的不同部分在时间维度上如何组织。我们可能已经有了一首歌的基本构思，包含主歌、副歌和桥段，然后在编曲阶段决定，比如将副歌重复两次，并在桥段之后加入一段新的主歌。新加入的主歌可能采用类似 “breakdown” 的形式，这进而会促使我们思考如何在配器与动态方面呈现该段落，以便与前后各段形成鲜明对比。
我个人认为，有关作品曲式的决策与配器乃至歌曲的核心元素同等重要。我们可能有一段朗朗上口、令人难忘的旋律搭配绝佳的歌词，但如果各段落没有经过精心构思，重复次数欠妥，或是段落不够丰富无法保持新鲜感，那么最终可能会做出一首不够引人入胜的音乐作品。
如果曲式构建得当，音乐既能让人感受到熟悉感（因而感到舒适愉悦——“宾至如归”），又能带来令人兴奋的新意，让听众在歌曲展开时始终对接踵而至的惊喜充满期待。
以 Queen 的杰作 “Bohemian Rhapsody” 为例
我们很多人都熟悉 Queen 这首诞生于 1975 年的经典之作。虽然这并非他们唯一一首长篇幅且多段落的歌曲，但绝对是他们最知名的一首。
这是一首精雕细琢的范例之作，它能带你经历一段完整的旅程，但前提是在近三分钟的时间里奠定基调，并邀请你走进一个非常熟悉的音乐宇宙。这就是为什么我用它来探讨曲式。正如我们稍后所见，Freddie Mercury 在这首作品中受到的古典音乐影响尤为明显。
在标志性的人声引子之后，钢琴随着琶音动机切入，歌曲似乎找到了稳定的节奏步伐，大体上像传统流行歌曲一样展开：一段主歌紧随一段副歌，随后是另一组主歌与副歌（尽管歌词并未像典型副歌那样重复）。随后，在大约 2:36 处，Bryan May 在我们早已熟悉的相同和弦进行之上，带来了一段精彩绝伦的吉他独奏。
到目前为止，一切基本上都在意料之中展开。然而，在歌曲进行到近 3 分钟时，局势发生了剧变：突如其来的转调将我们带入了一个截然不同的音乐段落，该段落历经各种变奏逐渐推进，最终演化为我们所熟知的史诗级摇滚乐章，伴随着多声部合唱、全新的沉重吉他 riff 以及更多的吉他独奏。
这是对曲式极其巧妙的掌控。通过引入这个全新的段落，整首歌以出乎意料的方式焕然一新；正因如此，歌曲在尾声重返最初的动机与基调时，带来了一种首尾圆满的奖赏感。在前 3 分钟的音乐里建立起熟悉的“音乐家园”，随后离它越来越远，而在最后重新回归最初的调性与情绪，成为一种期盼已久的满足。听完这样一首歌，往往会让你忍不住驻足片刻，去回味和消化刚才发生的一切。
在不过于偏向理论或学院派的前提下，值得指出的是，重返开篇主题的方式与古典协奏曲的结构非常相似。我们可以将始于 4:45 并于 4:52 融入钢琴跑动的吉他独奏，视为类似于协奏曲中的华彩乐段（cadenza）。通常，这会出现在“展开部（development）”的末尾（类似于从 3:00 开始的全新冒险段落），让独奏者得以尽情发挥，演奏极具即兴感的华彩段落。在那之后，音乐便会重返原本的主题与主调。
如果你对此感到好奇并想更深入地探索，我建议你了解一下“奏鸣曲式”。
2. 配器：谁在演奏什么？
当我们谈论配器时，所指的是选择何种声音或乐器在编曲中承担不同的音乐角色。比方说，民谣歌曲中由吉他、人声独唱以及民谣小提琴（fiddle）演奏的声部，我们可以将它们重新分配给合成器（负责和弦）、大提琴（演奏人声旋律），也许还可以用班卓琴（演奏原版小提琴的旋律片段）。
即使不改动编曲中的任何一个音符，仅凭调整配器，也必定会改变听众对音乐的感知体验。改变配器就是在改变我们所听到的质感，而这也是塑造编曲音色最有效的方式之一。
在这种情况下，我们是在针对已经创作好的声部逐一更换乐器。当处理一首编曲辨识度极高的作品时，这种方法往往非常奏效——仅仅通过改变配器，用完全不同的音色演奏相同的音符，就能迅速吸引听众的注意力。
在另一种截然不同的场景下，如果选定配器时还没有既定的编曲，那么我们实际上是在为未来的种种可能性设定框架。对我而言，这通常始于一个旋律灵感（或和弦 voicing 构思），并思考用什么乐器来演绎会很酷。但反向思考也是可行的——抛开具体音符，单纯构思一种有趣的声音，仅凭乐器本身的可能性以及我们在其他歌曲或作品中听过的表现，就能激发各种音乐头脑风暴。
在更传统的设定中，我们可以考虑将各种类型的预设编制作为项目中潜在配器的出发点。比如弦乐四重奏（两把小提琴、一把中提琴和一把大提琴）、爵士小乐队/节奏组（钢琴和/或吉他、低音提琴以及鼓），或是大乐队（基本上是爵士节奏组加上由四支小号、四支长号、两支中音萨克斯、两支次中音萨克斯和一支上低音萨克斯组成的管乐组）。
传统音乐中常见的其他标准配器编制还包括 SATB（女高音、女低音、男高音、男低音）人声合唱团或合唱组合（合唱团每个声部都会有多名歌手），以及室内乐团和完整编制的交响乐团。
Aaron Gibson 的 “See The World” —— 为电贝斯、弦乐四重奏与人声而作的编曲
这是我参与过的最特别的项目之一，不仅因为音乐本身的细腻感性，还因为为其设计编曲面临的技术挑战。在这里，配器乐器的选择以及各声部如何契合整首音乐拼图，是让所有元素融为一体的关键所在。
这里的主要挑战在于电贝斯演奏跨越了极其广泛的质感与音域，从最低音区以低沉音符填满空间，到更具打击感的高音区。
弦乐四重奏中的每件乐器通常都有非常明确的音域与职责划分。大提琴通常负责频段的最低端，小提琴覆盖高频，而中提琴则在中间居中策应，将所有元素串联在一起。
在这个案例中，四重奏随着歌曲的推进呈现出不同的形态与角色：时而模仿贝斯发出的某些声音，时而化作对比元素，通过填补贝斯留下的空间来打造更饱满的声音。
例如在引子部分，贝斯在人声演唱的背景下提供节奏性的扫弦 pattern，为了与之互补，四重奏演奏长音持续和弦并伴有少许旋律重音来烘托人声。这在这一段落中营造出丰富而均衡的声音。音符之间的间隙以及四重奏演奏时的声部展开度是关键所在，既能提供支撑，又能为贝斯留出穿透的空间，同时确保人声始终是核心焦点。
3. 节奏：groove 与更多维度
节奏往往容易被忽视，但它却是编曲的核心要素之一。从我们添加新的旋律成分或修改歌曲旋律的那一刻起，我们就在对作品进行节奏上的改动。如果我们采用现有旋律的音符，改变某些音的时值或起始点，这段旋律听起来就会与原版大相径庭。这虽然只是编曲中简单的节奏改动，却能对音乐的听感产生巨大影响。
一旦旋律中的节奏发生改变，就会促使与旋律呼应的其他声部随之改变（这可能是旋律下方演奏和弦的伴奏声部）；而当我们改变歌曲中和弦进行的重音时，groove 的律动感也会随之改变。所有音乐元素都是环环相扣、相互滋养的。这十分奇妙。我们只需要仔细聆听，观察做出改动后各个元素是如何相互影响的。
以 Vulfpeck 的 “1612” 为例来听听看
即便只是用平铺直叙的吉他扫弦 pattern，或者用二分音符在钢琴上弹奏和弦，这首歌本身就已经足够动听。它拥有一套类似于标准布鲁斯 I-IV 级的和声进行，单凭这一点就很棒。但不同声部在节奏上的编配方式，真正将这首歌提升到了全新的境界。
切分节奏的贝斯与底鼓营造出丰富的重音，而钢琴的固定音型（ostinato）则有助于稳固节拍。这两个元素结合在一起，赋予了音乐浓厚的 groove 律动感。“groove”就是这些元素相互交织的整体——包括打击音与音符之间的留白。这使得人声能够对旋律进行各种充满玩味的转折。凭借极具辨识度的节奏律动感，整首歌曲充满了即兴发挥与自发表达的空间。这首歌的核心正是 groove 和尽情享受音乐的乐趣。
4. 和声：触动灵魂的音乐本质
这是我个人最喜欢的方面。和弦好比扣动心弦的路径。仅仅通过一次简单的和弦替代，或是对歌曲中现有和弦进行细微的转位，我们就能实现极其丰富的表现力。
很多时候，在与词曲作者合作时，我作为制作人和编曲人的职责就是去发现音乐中哪些部分已经奏效，哪些地方只需稍作微调即可升华整首歌曲的核心元素。我发现，和弦走向以及它们在全曲中的排布方式，是决定一首歌曲是否成立的关键因素之一。我通常更倾向于微小、细腻的改动，而不是对各个段落进行大动干戈的和声重配（re-harmonization）。但有时，一首歌可能只是缺乏足够的和声律动，并在简单的和弦进行重复几次后，开始让人觉得单调或缺乏吸引力。
如果我们运气好，也许能找到让现有旋律与一组完全不同的和弦走向相契合的方法。这可以为歌曲的副歌部分带来截然不同的视角，甚至能通过这种方法打造出一个令人惊艳的过渡段（bridge）。
Pat Metheny 对 “Don’t Know Why” 的吉他编曲
这就是通过重新构想歌曲伴奏和弦所能达到的绝佳范例。
如果你熟悉这首因 Norah Jones 的首张专辑 “Come Away With Me” 而闻名遐迩的歌曲，就会听到 Pat Metheny 的手法是多么巧妙——他几乎完整保留了原版旋律，却通过重配和声赋予了它全新的意境。我喜欢这个版本的地方在于，他在编曲的第一部分确保我们完全熟悉这首歌，演奏着大家熟知的旋律，仅通过音域的微妙起伏、低音音符的增减，含蓄地改变底层和声的运作方式，而没有对和弦结构做任何颠覆性的改动。
然后，正当我们以为仅此而已时，他从 2:04 开始，在乐段中引入了极其精妙且富有品味的半音阶元素，让和弦远远跳出了原本的调性。但这一切之所以听起来极其自然，是因为旋律的骨架保持得完好无损。通过牢牢抓住人们熟悉的主题，他成功带领我们踏上了一场完整的和声探索之旅。
5. 声音设计与质感：在音乐中运用声景
作为编曲的一部分，在现代音乐制作中，我们可以添加各种质感声音（textural sounds）。它们不一定会暗示特定的音符或和弦，却能在其他元素周围营造出一层声音的光晕，增添空间感、独特的音色调性与氛围。一个很好的例子就是在背景中添加黑胶唱片的噼啪声与噪底，或是现实世界中的环境音（比如城市声景、鸟鸣声或海浪拍打海岸的声音）。
早在 The Beatles 和 Pink Floyd 的作品中，我们就能听到这样的范例。通过这种方式，声音设计元素几乎成了配器抉择的一部分，而我们运用这些声音的方式也会影响歌曲各个段落的听感。
如果在前奏（intro）中有一段特定的背景音在播放，而当主歌（verse）人声进入时我们让它淡出，那么我们就是在曲式层面对这种质感做出了决策。这种质感也可以贯穿整首歌曲，然后在某一时刻突然消失，从而制造出强烈的对比感。
说实话，关于如何使用质感或任何元素，从来都没有成文的死规矩。（或许市面上确实有一些现成规则，但我强烈建议你相信自己的耳朵和品味。只要听起来感觉对了，那就证明它是奏效的！）
质感案例剖析：Billie Eilish 的 “Wish You Were Gay”
这是 Billie 首张专辑中我最喜欢的歌曲之一。无论从声音/混音还是制作/编曲的角度来看，它都是当代流行音乐中不可多得的杰作。
所有细节都处理得细腻而机敏，这首歌中的声音设计运用亦是如此。Billie 和制作人 Finneas 运用了听起来像是人群环境的实地录音，既呼应了歌词所描绘的场景，又在不同段落之间打造出质感上的过渡。在这里，声音设计的运用既丰富了听觉层次，又深化了歌词意境。想要寻找这些细节，请戴上耳机，跳转至 0:12、0:29、1:35 以及 2:47（这一处非常微弱隐蔽）。
6. 在真实制作中融会贯通
这里有一个我最近为智利艺术家 ZAPLA 操刀制作的实例。在编曲和制作过程中，我们采用了一种混合手法：部分乐器以更为即兴的方式演奏，而另一些乐器则按照较为严谨的谱曲进行演绎。
这首歌最初交到我手上时是一首仅有人声和原声木吉他的不插电小样。在制作完成的版本中，我们可以听到一把主原声吉他，它承载着歌曲最初的灵感雏形；随后编排并加入了其余元素（钢琴、立式低音提琴、电吉他、鼓组、大提琴），以充实并完善最初的构想。
吉他、钢琴和立式低音提琴是根据和弦简谱以及录音期间给出的一些指导进行演奏的，并没有写出明确的固定声部。而大提琴声部则是先在 DAW 宿主中通过 MIDI 控制器配合 Kontakt 的 Session Strings 2 弹奏编写出来，随后整理成乐谱交由大提琴手在录音棚中重新录制。
拥有一款逼真的弦乐采样音源库对于寻找声音灵感至关重要，它能帮助我们构思出既契合歌曲、又能与已录制好的原声乐器完美融合的声部。
这里是前期制作期间所使用的 VST 弦乐音轨片段，对应歌曲从 3:08 开始的尾段。在前几个小节中静音了部分元素，以便在此示例中更清晰地听到大提琴声部。
开启你的音乐编曲之旅
我希望读到这里的你，已经准备好带着编曲人的思维深入探索音乐制作的世界了。关键在于对你正在制作的音乐进行全局性审视，并牢记在推进项目时没有任何既定的死规矩。虽然我们拆解了构成编曲的核心要素，但在所有这些案例中，制作过程都涉及了不止一个维度的考量。
音乐的世界广袤无垠，我们可以在各种主题和专业领域中深入钻研。如果在本文探讨的内容中有让你特别感兴趣的部分，不妨大胆去深入探索。扎实掌握功能和声、管弦乐配器法、不同乐器的各异特质，或深入理解声音合成，都是能拓宽你的视野、赋予你更自由创作空间的绝佳利器。
不妨把做音乐、编曲和制作想象成烹饪或调制沙拉，其中的每一味食材都会影响整道菜肴的最终成效。口感、酥脆度与调味料的分量环环相扣，相辅相成，共同打造出美妙绝伦的体验。
我鼓励你大胆尝试，利用身边的工具去打造能触动你的独特声音与质感组合。不要害怕打破常规，这都是创作过程的一部分。拿起一段旋律，在合成器上试弹，换成另一种乐器音色，叠加双轨、调整声相、添加滤波。尽情享受其中的乐趣吧，找到真正打动你的东西，我相信它同样也能打动其他人。
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