音乐创作（Music composition）是指通过编排声音，随时间的推移构建出叙事感的过程。音乐带领听众踏上一段旅程：从全然的寂静到最初的声音响起，经历完整的起承转合，最终又回归寂静。而在此期间所发生的一切，有着无限的可能，并没有所谓绝对正确或错误的方式。
在本文中，我们将从作曲的基础要素入手，学习如何创作音乐，涵盖和声、和弦、音乐构思的发展以及编曲等内容。
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什么是音乐创作？
音乐创作是通过有意识地组织声音、旋律、和声和节奏来创造原创音乐作品的过程。从事音乐创作的作曲家，旨在通过他们的作品唤起听众的情感共鸣并传递信息。
作曲可以是一场充满无限可能与互动的探索。我们可以从钢琴上的单个音符开始。比方说，仅弹奏一个中央 C。我们可以按下琴键，保持住，然后等待。我们可以一直等到琴声完全消逝。这本身就可以是一整首音乐作品，完全没有问题。
也许我们可以做一些更大胆的尝试：不再只弹奏一次音符，而是反复弹奏同一个音，创造出一种脉动感和节奏感。相比只敲击一次单音，这显然要生动得多。那如果我们再引入第二个音符作为出发点呢？我们可以在前三拍弹奏中央 C，然后在第四拍弹奏一个 D 音。这便带来了一个“发问”，而在第五拍再次弹奏 C 则能给出“解答”。这样就形成了一个完整的循环！
我们刚刚就完成了一段微型的音乐创作。没错，只用了两个音符。以此为起点，我们可以循序渐进，创作出更长、更具旅程感的音乐作品。
无论流派为何，能打动听众的音乐作品，不管其风格如何或构思方式怎样，往往都具备某些共通的核心特质。这里所说的特质最为关键：
- 能够维持吸引力并在自身时长内合情合理的曲式结构（form）。简单来说，就是作品的生命周期在听感上自然成立。
- 在紧张感与释放感之间保持良好平衡，巧妙运用这两种对比力量来唤起听众的情感与共鸣。
- 运用支持音乐叙事的质感与音色色彩（乐器编配/制作元素）。
了解音乐的基本要素
从乐理角度熟悉音乐的不同层面至关重要。这能在我们构思新想法以及将歌曲最初的灵感火花逐步拓展时，提供丰富的工具与选择。
和声
和声关乎音符之间的相互关系，以及我们如何利用一组组音符营造出同属于一个音乐空间的归属感。我们经常听到“音阶”这个词，它是由一连串相邻音符构成的序列，共同构筑起一种安定归宿感的音乐蓝图。
例如 C 大调音阶中的音符：C-D-E-F-G-A-B。当我们依次弹奏这些音符，并在上下行时细细体会每一个音，便会注意到每个音符带给我们的感觉都有细微差别，尤其是与音阶中紧邻其前后的音符相比时更为明显。
在这组音符中，有些音会倾向于向音阶中的其他音靠拢。如果我们在吉他指板上弹奏这些音，就会发现音阶中不同音符之间的“距离”并不相同。对于某些音，我们需要移动两个品格的距离，而另一些则只需移动一个品格。相距仅一品的相邻音符之间，往往比其他音具有更强的相互吸引倾向。这就像磁铁一样：彼此越靠近，吸引力就越强。
尽管音符之所以倾向于向特定引力极靠拢的原因大相径庭，但我们可以借助这个比喻来记住：音阶中间距较小的跳变，往往承载着大部分的“引力紧张感”。
在音乐中，我们称之为紧张感的解决（resolution of tension）——从充满动势的状态走向平息安定。在 C 大调音阶中，这种解决表现为从 B 向上移动到 C，或者从 F 向下移动到 E。
和弦
我们能构建的最基础的和弦称为三和弦（triad）。三和弦包含一个根音，以及在其上方叠置的两个三度音。
例如，C 大调三和弦由其根音（C）、大三度音（E）和纯五度音（G）组成。大三和弦与小三和弦的区别在于根音与三音之间的“距离”。大三度跨越两个全音或四个半音，而小三度跨越一个半全音或三个半音。在一个大调音阶中，包含三个大三和弦、三个小三和弦和一个特殊的例外——第 7 级和弦，它构成了一个“减三和弦”。之所以被称为“减三和弦”，是因为它不仅包含一个小三度，还带有一个减五度，且两个三度音之间的距离也是小三度。
在任何大调音阶中，我们都能发现完全相同的结构配置。以下以 C 大调音阶为例展示其构成情况：
当我们从一个和弦过渡到另一个和弦时，便创造出了和弦进行。
在脱离最初的安歇之地时，有些和弦给人的感觉比其他和弦更为“遥远”。我总喜欢用这个类比：回想一下你成长过程中第一次独自坐公交车的经历，也许是去上学，或者是去附近的朋友家。这些路程很短，距离并不远；尽管你离开了家，但由于沿途的地标你都了如指掌，你依然能感受到街坊邻里的自在与熟悉，心中仍有一种“家”的安全感与归属感。从音阶中的一个和弦移动到同在音阶内的另一个和弦，正是这种感觉。
现在，你或许会回想起最初的几次长途旅行：去另一个城镇度过周末，或者乘长途车去外省探访亲戚度过暑假。虽然探索新地方总让人兴奋，充满新鲜发现与惊喜，但走得越远、离家越久，思乡之情也会越发强烈。这与引入包含非当前音阶音符的和弦非常相似。
也许我们会运用几个不在音阶内的和弦，暂时“远足”片刻。我们离调性中心——即“我们的音乐之家”越“远”，在回归之时所获得的“释怀感”和紧张感的释放就越强烈。
建立归宿感需要时间，但也有办法加快这一进程。如果我们立刻“打开”音乐的行囊，探索“家”可以呈现出的不同形态，就能更快地确立调性中心与归宿感。在此基础之上，我们便可以承担更多风险，将音乐的边界推向更多未知领域以制造对比，随后再更有力地回归。
举个音乐实例：假设我们在 C 大调上，可以从 C 大调和弦开始，然后行进到既令人安心又略显抽离的第四级——F 大调和弦，再返回 C。随后，我们可以更进一步，走向略带不安感的第五级，触及 G 大调和弦，最后回归 C 并重获从容。我们可以一遍又一遍地重复这一过程。猜猜怎么着？你刚刚已经学会了布鲁斯音乐的基础和弦弹法！是不是很酷？
节奏
音乐中的节奏是指随时间推移而呈现的声音与休止模式，构成了作品的律动（groove）、脉动与流动感。无论我们何时创作乐曲、弹奏和弦与旋律，甚至是添加非调性音色质感，都不可避免地是在时间维度中进行的。
我们可以借助时间来把玩音符之间的互动与呈现方式。我们可以让和弦持续较长时间，而让速度更快、“节奏更活跃”的旋律占据焦点。也可以反其道而行之：旋律悠长延绵，几乎没有明显的“节奏”起伏，而伴奏和弦则承担更多节奏职能，帮助推动音乐向前发展。
节奏所涵盖的内容极其丰富，理解“音乐的几乎每一个层面都离不开节奏”这一点非常重要。听到节奏二字，我们往往会想到鼓或打击乐，但事实是：音乐本身就是节奏。
我鼓励你花上一整个下午，就用吉他或钢琴上的两三个音符尽情即兴演奏，看看通过掌控时间以及这几个简单元素的运用方式，你能创造出多少丰富的变化。充分发掘节奏带来的可能性，我们会发现仅仅通过改变音乐的节奏，就能创造出截然不同的声音质感，激发出丰富的情感层次。不妨尝试通过变换琶音速度、在强拍前后交替错位，或是简单地拉长与压缩和弦进行的各部分来制造对比。接下来就交由你自己去探索会碰撞出怎样的火花了！
音色
音乐中的音色（Timbre）是声音的“个性”，取决于多种元素的综合作用，这些元素共同为乐器的声音印记赋予了独特的特质。
当我们尝试用通常与声音无关的词汇来描述乐器的音色时，表述可能会变得有些抽象。例如，我们可能会说圆号的音色具有“天鹅绒般”的质感。从技术角度来看这代表着什么？天鹅绒是一种极为顺滑且通常较厚实的织物，手指滑过时，会给人一种抚摸顺滑动物皮毛的触感。这与声音有什么关联？很难说清，但我们正是用这类词汇来描述音色，而且它似乎确实奏效。
如果你想在技术层面做更深入的探究，以理解乐器为何会发出特定的声音，可以去了解一些更偏科学的知识，比如泛音列（overtone series）、不同材质与振动方式如何产生不同的声音构造，并研究不同乐器的包络（envelope）以及它们如何影响我们的听觉感知。
让我与你分享我在创作歌曲《Love In A Time Warp》时在音色/配器方面的一些抉择。这首歌的灵感源于一次拜访好友的旅行，并在此期间写就——好友是一位大提琴手，住在亚利桑那州图森市（Tucson, AZ）的沙漠地带，那里有巨大的仙人掌和仿佛出自科幻电影般的风景。黄沙与尘土在空气中弥漫，天空会化作难以言喻的橙粉交织之色，炽热的温度甚至让我们放慢了脚步，比以往任何时候都要缓慢。
我环顾四周，尝试用手头现有的乐器去唤起那片景致的意象。
- 仔细听鼓声：你会听到一种复古、蒙尘般的质感，配上我在 overhead 拾音麦克风上加入的回声 slap-back 延迟效果。这种回声让人联想起长满仙人掌的开阔山谷中那荒凉而富有弹性的声响。主声部原声吉他也采用了类似的处理方式，如果你听一下开头的起拍扫弦，就能清晰地感受到这一点。
- 听听背景人声的层次，它与带有合唱效果的双轨电吉他一起构成了这首歌的主 riff。在人声旋律的尾端，你会听到音高是如何下坠的，仿佛被炽热完全融化了一般。
- 在歌曲 B 段进入的合成器音色具有一种复古、仿佛穿梭于外太空般的质感，不仅在各段落之间营造了对比，还展现了我所描述的那种沉浸在沙漠中的超脱时空之感。
- 最后，在歌曲最终双副歌的高潮爆发段落中，我想为人声主旋律加入一段对位副旋律，为混音注入极具生命力的有机质感。我还想凸显正是友情与彼此的连接启发了那次旅行，进而催生了这首歌曲。因此，我们可以在整个段落中听到多层大提琴勾勒出的一段对位旋律。
当然，这背后的意义对我个人而言可能比其他聆听者更加深刻。但话说回来，对音色的感知本就是一种非常独特且个性化的体验。我真诚地希望你能通过那些大提琴线条，感受到我们友谊带来的美好共鸣。
发展音乐构思
在作曲中，发展音乐构思对于赋予作品深度与连贯性至关重要。它能让作曲家探索初始主题的变奏、过渡与扩展，从而丰富音乐的叙事性。为了开启你的音乐构思，让我们先来探索如何利用音阶来进行拓展。
1. 在音阶内游走
我最喜欢的做法之一，就是仅使用几个和弦并对其进行转位，以此探索各种可能性。这是什么意思呢？就像照片的反相底片吗？其实不尽然。在音乐中，讨论和弦时，转位更类似于将一张照片旋转并倒置。它依然是同一张照片，拥有相同的色彩和元素，但我们的注意力焦点发生了转移，对眼前画面的感知也会略有不同。
让我们以之前在调式中建立“归宿感”时所弹奏的相同和弦为例。我们有 I、IV 和 V 级和弦。如果将它们弹作三和弦，那么每个和弦就有三个音符，因此每个和弦我们可以得到三种选择。最主要或默认的形态是“原位（root position）”，这意味着和弦以根音作为最低音。接着，我们可以得到第一转位（以三音作为低音），以及第二转位（以五音作为低音）。
现在我们手头不再只是三个和弦，而是有了整整九种不同的组合可供施展。这有多不可思议？仅凭这么少的素材就能做出如此丰富的内容。就像有多少种不同的食谱都以面粉和水为核心原料一样，多得数不胜数。
在这个示例中，直到第 13 小节之前，我都只演奏了 C、F 和 G 大三和弦的不同转位。从第 14 小节开始，我引入了几个不在 C 大调音阶内的其他和弦，向你展示如何通过引入新色彩来营造对比。由于我们已经用基础元素建立起了良好的归宿感，新和弦所带来的对比感便会显得格外强烈。
2. 游走于音阶之外
发展音乐构思的另一种方法，是突破单一音阶所容纳的声音，拓展我们的声音选择。我们可以选择属于其他音阶的色彩与声音，或是挑选源自主音阶衍生出的不同风味。
在流行音乐中最常见的情形，是从该音阶的小调版本中汲取或“借用”音符。要将一个音阶变为小调音阶，我们通常会“降低”音阶的三级、六级和七级音。这意味着我们要么给它们加上降号，要么将这些音降低一个半音。
在我们熟悉的 C 调中，这意味着使用 Eb、Ab 和 Bb 来代替 E、A 和 B。
那么该音阶的音符构成即为：C-D-Eb-F-G-Ab-Bb
这样做之后，我们就能获得一些不同的和弦来丰富创作。这种“借用”的妙处在于，我们可以在任何时刻将音阶切换为小调或大调，为作品注入全新的风味。
The Beatles 的歌曲 “Michelle” 就是一个绝佳的范例。它的主歌以一个饱满的 F 大调和弦开篇，让我们以为这是一首 F 大调的歌曲，但很快便引入了来自 F 小调音阶的和弦。随后在某个节点，它又确实回归到了 F 大调。借此，它在歌词与旋律周围营造出一种苦涩而甜美的忧伤基调。
在这种情况下，随着和弦的转换，旋律采用了来自小调音阶的音符。有时，我们会发现某些歌曲的旋律并未如此鲜明地呈现出大调或小调的调性特征，而这正是同时运用两套和弦并在底层和声中大做文章的绝佳良机。
如果你留意一首爵士乐歌曲的结尾，很多时候会听到钢琴师在歌手延长的最后一个长音下方即兴弹奏一组额外的和弦，在歌曲结束前增添几分修饰与戏剧感。要想弹得行云流水需要相当多的练习，但从根本上讲，其原理是钢琴师聆听着那个持续的长音，并加入可能并不属于本调、但仍能与旋律和谐共存的和弦，借此在最后的乐句中打造一段微型和声之旅。
3. 引入“半音”元素
半音体系（chromaticism）的概念，与我们通过以半音进行移动所获得的色彩变化息息相关；不可避免的是，如果我们以连续的半音移动，就会进出主音阶，并触及这之间的所有可能音符。如果我们这样做，就会得到我们所说的“半音阶”。
这里有一个来自我个人歌曲创作中的示例，可以很好地说明半音体系的运用。当时我正在尝试使用七和弦。七和弦就是在三和弦之上再叠加一个三度音构成的和弦。
以 C 大三和弦为例，若要将其变为 “C major7”，我们在五音之上叠加一个大三度音 B，该和弦的音符构成即为 C-E-G-B。
当时我并不是在 C 调上弹奏。我其实并没有刻意思考任何特定的调。我只是在琴颈品丝上上下移动七和弦，感受它们相邻时所带来的听感。我交替弹奏大七和弦与小七和弦。我记得自己是从 Gb Maj7 开始，然后下行半音移至 F minor7。
接着我把这种进行发展成模进，上行一个全音并重复这一动作：从 Abmaj7 下行移至 Gm7。最后，因为听感非常棒，而且我们都喜欢平衡与圆满闭环的感觉，我便重新回到开头，再次弹奏了 Gb Maj7 到 Fm7。此时，最后落脚解决到 Eb 和弦就成了一种必然。
在这种情况下，这首歌显然是 Eb 大调。唯一不属于 Eb 大调音阶的和弦是 Gbmaj7，它是从 Eb 小调音阶中借用而来的。
严格来说，这种情况并不算完全的半音体系，因为 F 和 Eb 之间相隔一个全音，这带我们回到了 Eb 大调，但已经非常接近了！而且该进行从 Gb 以半音步进走向 F，这使得整个和弦进行感觉上比实际更加丰富多彩。
以下是前奏和主歌的和弦，它们遵循相同的结构：
理解乐器配置与管弦乐配器
乐器编制在塑造作品的情绪、织体和整体声音方面起着至关重要的作用。乐器的选择决定了音色调色板与声学特性，让作曲家得以唤起特定的情感并传达其音乐意图。
此外，深思熟虑的乐器编制能让作曲家平衡并融合重奏或乐队中不同的声部，营造出和声与织体上的深度。
在为你的作品构思管弦乐配器与乐器配置时，以下几条准则或许能为你带来启发：
- 考量每种乐器的声学特质：思考乐团中每种乐器的音色、音域与表现力，以打造平衡且兼具凝聚力的声音。
- 尝试不同的组合：探索不同乐器之间如何相互作用，以及它们的音色如何融合或形成对比，从而在作品中达到理想的情绪与织体。
- 兼顾实际可行性：在挑选乐器配置时，应考虑乐器的易得性、演奏者的技术水平以及演出场地的统筹安排，以确保方案切实可行。
如果你正使用虚拟乐器进行创作，不妨浏览一下海量的 Kontakt 乐器音源库，它们将为你的创作带来全面提升。
为你的作品编曲
编曲是指获取已发展的音乐构思，并构想其歌曲结构、乐器编制或风格。我们可以运用和声、旋律、节奏以及管弦配器等元素，将作品塑造得更加清晰具体。
编曲的目标往往是增强音乐编排的感染力与冲击力。
虽然我们已有一份关于音乐编曲的完整指南，但这里有一些技巧可以助你开启第一次编曲探索：
- 从清晰理解你的音乐构思开始：分析结构、旋律、和声与节奏，明确你想要保留或调整的核心元素。
- 尝试不同的乐器配置与和弦排列：考量不同的乐器或声部如何凸显作品的不同侧面，营造出所需的情绪或氛围。
- 注重平衡与动态：注意不同声部之间的互动呼应，确保每个声部或乐器在展现自身魅力的同时，也能为整个编曲的连贯与统一贡献力量。
开始音乐创作
现在你已经对音乐创作有了更深入的了解，是时候挑选一些你喜爱的声音，开始实践这些构思了。先从音阶中的几个音符入手，看看你能创作出什么。给自己设定一个狭窄的框架，这样你就能学会竭尽所能发挥创意。接着，再拓展到整个音阶。从三和弦开始构建和弦，最后通过加入七音或任何你觉得有意义的音符来增添更多色彩。
这里没有所谓的对与错。关键在于倾听你的耳朵，追随你的内心。最后，我想用令人敬佩的 Claude Debussy 的一段名言来作结，这也是我最喜爱的音乐箴言之一：
“没有所谓的理论。你只需聆听。愉悦便是法则。我狂热地热爱音乐。正因我深爱着它，我竭力将它从扼杀生机的贫瘠传统中解放出来。它是一门奔涌而出的自由艺术——一门户外的艺术，如自然造化、风、天空、大海般浩瀚无垠。它绝不该被禁锢起来，沦为学院派的案头之作。”
如果你还没了解过，不妨去看看 Komplete 14 为你的音乐作品所能带来的无穷乐器配置可能性。
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