Quand on pense à son jeu vidéo préféré, on pense d’abord à ses graphismes ou à son gameplay. Mais le son est tout aussi essentiel pour offrir une expérience de jeu mémorable. Et il ne s’agit pas seulement de la musique : des bruits de bonus aux coups de feu, en passant par le sifflement du vent ou des dialogues crédibles, le design sonore est indispensable pour transformer un jeu vidéo en un univers immersif. Tous ces sons sont l’œuvre d’un sound designer de jeux vidéo.
Dans cet article, nous allons explorer l’art fascinant du design sonore pour les jeux vidéo. Tu découvriras le rôle d’un ingénieur du son de jeu vidéo et les compétences requises pour l’exercer. Nous examinerons plusieurs exemples de design sonore particulièrement réussi. Et nous te montrerons comment concevoir tes propres sons pour les jeux vidéo avec l’aide du sound designer professionnel Marshall McGee.
Au sommaire :
- Qu’est-ce que le design sonore ?
- Le design sonore dans les jeux vidéo
- Comment concevoir ses propres sons pour les jeux vidéo
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Qu’est-ce que le design sonore ?
Le design sonore est l’art de créer et de sculpter des sons dans un but précis. Les sound designers jouent un rôle fondamental dans les médias modernes. C’est le design sonore qui confère aux films leur dimension immersive, de la plus monumentale explosion au bruissement de pas le plus subtil. Il est également au cœur de la production musicale actuelle et occupe une place prépondérante dans le design d’expérience utilisateur (UX), des applications mobiles jusqu’aux automobiles.
Consulte notre guide Sound Design 101 pour découvrir en détail tous les rouages de la création sonore.
Le design sonore dans les jeux vidéo
Les sound designers sont tout aussi indispensables dans l’univers des jeux vidéo. Pour faire simple, ils et elles sont responsables de chaque son d’un jeu–en dehors de la musique, composée pour sa part par un compositeur ou une compositrice (bien que dans les petits jeux indépendants, il s’agisse souvent de la même personne). Le design sonore pour jeux vidéo englobe tout : tirs d’armes à feu, sorts magiques, dialogues, subtiles musiques d’ambiance et bips ou clics lors de la navigation dans les menus. Un sound designer de jeu vidéo doit bien souvent faire preuve d’une grande polyvalence.
Ils et elles font également face à des défis uniques. Comme nous l’a expliqué la sound designer professionnelle Kat Wenske : « Les jeux vidéo sont une créature à part. À la différence des médias traditionnels, l’utilisateur, ou le joueur, peut interagir avec l’univers et influer sur l’expérience audio globale. L’expérience sonore de chaque joueur est légèrement différente. C’est lui qui contrôle ce sur quoi il se concentre et pendant combien de temps. »
Cette dimension interactive confronte les sound designers à des contraintes inhabituelles–qui suscitent en retour des solutions particulièrement créatives. Découvrons ensemble quelques exemples remarquables de design sonore dans les jeux vidéo.
Créer une atmosphère
Le design sonore joue un rôle central dans la création de l’atmosphère d’un jeu, comme le souligne Kat Wenske :
« Dans un jeu d’horreur en 3D à la première personne, un joueur curieux peut marcher lentement dans les couloirs, examiner attentivement des objets ou rester à l’écart des zones propices aux combats. Le léger bruissement des cafards, le grincement des fondations d’un bâtiment, les échos lointains d’un affrontement imminent : c’est là que toutes les subtilités du design sonore et de la musique prennent vie et contribuent à instaurer le ton et l’ambiance. »
Classique incontournable du survival horror, Silent Hill 2 est réputé pour son utilisation d’un design sonore simple mais particulièrement évocateur. De petits détails, comme les parasites d’une radio portable, distillent l’angoisse et le suspense. Le sound designer et compositeur Akira Yamaoka a également été salué pour son utilisation magistrale des nappes sonores et de la musique d’ambiance. Ses textures menaçantes se fondent dans l’univers sonore du jeu, créant une expérience percutante et dérangeante.
Donner vie au réalisme
Pour s’immerger totalement dans un jeu, il faut croire en son univers. Le design sonore est déterminant pour susciter cette adhésion. Dans les jeux de course, tout repose sur un son clé : le moteur. Un son de moteur réussi doit transmettre la vitesse, la puissance et la montée d’adrénaline de la course. Il doit être riche en détails, réaliste, réagir fidèlement aux actions du joueur et faire écho à l’environnement du jeu.
Loïc Couthier, supervising sound designer chez PlayStation Europe, nous a expliqué en détail comment il a utilisé le synthétiseur MASSIVE de Native Instruments pour concevoir les bruits de moteur d’Omega Collection, le remaster des jeux légendaires WipEout. Il détaille chaque étape du processus, du choix de la hauteur tonale et du type d’oscillateur jusqu’aux modulations et aux effets–pour aboutir à un résultat saisissant et plein d’adrénaline.
Façonner des moments emblématiques
Le design sonore peut être complexe, mais il peut aussi se révéler d’une simplicité désarmante.
Les adeptes des jeux Zelda gardent une affection toute particulière pour l’effet sonore d’énigme résolue : une mélodie de huit notes qui retentit dès qu’une épreuve est surmontée.
Ce tintement délicat ponctue certains des instants les plus gratifiants de la saga Zelda et résume à merveille l’esprit d’émerveillement et de jeu propre à la franchise. C’est une parfaite illustration de la façon dont un design sonore bien pensé peut s’ancrer dans la culture populaire. Cela démontre aussi qu’il n’est pas toujours nécessaire de faire compliqué : parfois, quelques notes bien choisies suffisent amplement.
Comment concevoir ses propres sons pour les jeux vidéo
Tu as envie de commencer à créer tes propres sons pour les jeux vidéo ?
Marshall McGee te montre la marche à suivre. Dans une vidéo réalisée pour Native Instruments, ce youtubeur et sound designer renommé du jeu vidéo t’explique étape par étape comment créer une boule de feu magique ultra-réaliste.
Comme l’explique Marshall, nul besoin de logiciels de design sonore sophistiqués. Il suffit de quelques outils de base : des samples gratuits, quelques plug-ins essentiels et un séquenceur logiciel.
C’est parti !
1. Planifier son design sonore
Tout d’abord, observons l’animation sur laquelle nous allons travailler : un court extrait vidéo où un jeteur de sorts projette de spectaculaires boules de feu.
Commençons par lister les sons nécessaires à cet extrait. Ils se répartissent en deux catégories principales : la boule de feu proprement dite, et les bruits de « foley » (bruitages) tels que les bruits de pas et les frottements de vêtements.
Nous pouvons décomposer ces sons plus en détail. L’animation comporte plusieurs explosions distinctes, entrecoupées d’une série de tirs rapides. Chacun de ces événements nécessite son propre son. Et chacun de ces sons peut être composé de plusieurs éléments audio : une attaque tranchante et percutante, une détonation sourde évoquant une explosion, des aigus crépitants, etc.
Le groupe des bruitages peut également être divisé en pas individuels, bruits de mouvements de bras, etc. Dresse la liste de toutes ces composantes pour visualiser l’ensemble des sons à concevoir.
2. Rassembler les éléments sonores
Maintenant que la liste est prête, il est temps de trouver nos sources sonores.
Le design sonore fait appel à une multitude d’outils, qu’il s’agisse d’enregistrements faits maison, de banques de samples du commerce ou de synthèse à partir de zéro. Il n’y a pas de bon ou de mauvais outil : le plus important est d’en faire un usage créatif.
Dans ce cas précis, nous allons utiliser des samples issus de banques sonores pour la plupart des sons de boules de feu ainsi que pour nos bruitages. Si tu ne disposes pas d’une vaste collection de samples, tu peux commencer par chercher des sons libres de droits sur Internet, ou enregistrer tes propres bruitages chez toi ou à l’aide d’un enregistreur portable. Nous enrichirons ensuite ces samples avec des instruments pour KONTAKT.
Ici, nous faisons appel à KINETIC METAL pour apporter une touche magique à notre boule de feu.
Nous utilisons également ACTION STRIKES pour générer des impacts percutants, ainsi que le preset Fire Swoosh de RISE & HIT pour ajouter une couche supplémentaire d’effets incandescents.
3. Enregistrer et capturer l’audio
Maintenant que nos sources sonores sont réunies, passons à la capture audio.
Parcours d’abord ta banque de samples en glissant tous les sons pertinents sur la timeline de ton séquenceur logiciel (leur placement n’a pas d’importance pour le moment).
L’objectif est de rassembler des sonorités variées mais complémentaires, en gardant à l’esprit notre « liste d’ingrédients » établie plus haut. Par exemple, pour les sons de feu, on cherchera des attaques tranchantes, des déflagrations sourdes, des crépitements dans les aigus, etc. Cette palette sonore diversifiée offrira une multitude de possibilités par la suite.
Pour les instruments pour KONTAKT, expérimente jusqu’à trouver une sonorité convaincante, puis exporte-la en audio pour pouvoir la manipuler aisément par la suite.
4. Arranger l’audio
Maintenant que nous avons une belle réserve de sons capturés, il est temps de commencer à les agencer sur la timeline.
Avec le clip vidéo chargé dans ton séquenceur logiciel, commence à caler les sons sur les images.
Commence par la partie la plus simple : les bruits de pas et les frottements de tissu qui accompagnent les mouvements de notre mage.
Passe ensuite à l’étape la plus complexe : la boule de feu elle-même.
Le choix est vaste. Pour ne pas te laisser déborder par la façon d’imbriquer le tout, traite chaque son l’un après l’autre : place-le sur la timeline et fais en sorte qu’il fonctionne de manière autonome. Nous nous préoccuperons de la vue d’ensemble plus tard.
Lorsque tu choisis et positionnes tes sons de jeu vidéo, garde ces paramètres en tête :
- Le timing. À quel moment précis chaque son intervient-il par rapport à l’animation de la boule de feu, et pendant combien de temps ? Faut-il ajuster les fondus en entrée ou en sortie du clip audio pour correspondre au comportement de la boule de feu ? Quelle partie du son souhaite-t-on exploiter ? Peut-être uniquement l’attaque tranchante, ou alors le déclin sifflant ?
- La hauteur tonale (pitch). Essaie de transposer le son vers le haut pour accélérer et raccourcir un clip. À l’inverse, transpose-le vers le bas pour l’étirer dans le temps. Ajuster la hauteur d’un clip permet aussi d’en peaufiner le timing. Dans notre cas, transposer les sons de feu vers le haut leur confère un caractère plus court et incisif, parfait pour les boules de feu rapides au milieu de la séquence.
- Le volume. Pour placer un son au premier plan, augmente son volume. Pour le reléguer à l’arrière-plan–par exemple une texture crépitante plus longue qui vient soutenir les détonations courtes–baisse son niveau.
- L’égalisation (EQ). Élimine les fréquences indésirables du son grâce à l’égalisation (EQ), en te concentrant uniquement sur celles qui servent l’image. Par exemple, notre texture crépitante n’a probablement pas besoin de basses fréquences : coupons-les sans hésiter.
5. Prendre du recul
Après avoir travaillé chaque élément sonore individuellement, le moment est venu de prendre un peu de recul.
Réécoutons l’ensemble pour apprécier le rendu global. Quelles sensations ces sons procurent-ils ? Correspondent-ils fidèlement au comportement, à l’ambiance et à l’intensité des visuels ?
À ce stade, tu devras probablement procéder à quelques retouches supplémentaires pour obtenir un rendu d’ensemble convaincant. Tu peux encore peaufiner chaque son individuellement, voire en remplacer certains.
Tu peux également modifier tes sons en groupe. Par exemple, l’équilibre fréquentiel global est-il satisfaisant ? Tu pourrais utiliser un égaliseur pour nettoyer des médiums un peu sourds ou atténuer des hautes fréquences trop agressives.
6. Apporte la touche finale
Pour finir, applique quelques traitements sur la piste master de ton design sonore.
Un peu de réverbe aidera à spatialiser l’ensemble du clip en lui conférant une profondeur réaliste. Avec la réverbe RC 48 de Native Instruments, un réglage de type salle de bain convient parfaitement à ces éléments sonores en apportant une sensation de proximité et d’intensité.
(Remarque : évite d’ajouter de la réverbe sur tes sub-basses. Pour garder un son propre, place tes clips audio contenant des sub-basses sur un canal distinct et traite-les séparément.)
Une légère compression à l’aide du compresseur à deux canaux VARI COMP permettra de lier le son et d'apporter de la cohésion, tandis qu’un peu de limitation augmentera l’intensité sonore globale.
Commence à créer tes propres sons de jeux vidéo
Dans cet article, nous avons exploré l’univers fascinant du design sonore pour les jeux vidéo. Nous avons découvert le rôle d’un sound designer de jeux vidéo et analysé plusieurs exemples de sound design percutant. C’est maintenant à toi de te lancer dans l’aventure de la création sonore.
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