Cornel Wilczekは、型にはまらないアプローチでサウンドを探求し、独自のキャリアを築き上げてきました。
A24の大ヒットホラー映画『Talk To Me』の劇伴から、Michael Shanks監督の最新作『Together』に至るまで、彼は現代の映画音楽の可能性を一貫して押し広げてきました。Guitar Rigは2014年以来、彼の主要なツールのひとつであり、モジュラー型のエフェクトハブとしても、実験的なプラットフォームとしても機能しています。
今回のインタビューでは、Guitar Rigがどのように自身のワークフローの中心となったのか、エフェクトを技術的レベルで理解することがなぜ重要なのか、そして伝統的な劇伴制作と実験的なプロセッシングを融合させ、感情に訴えかける独特なサウンドのスコアをどのように生み出しているのかについて、Cornelが語ってくれました。
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もちろん、マルチエフェクト・プラグインを使用する作曲家に役立つ実践的なヒントも随所に散りばめられています。Guitar Rigによって劇伴制作へのアプローチがどのように変化したのか、そして物語を彩る音楽におけるサウンドデザインの可能性をどのように追求し続けているのかについて、Cornelにお話を伺いました。
ギター以外の音源にGuitar Rigを使い始めたきっかけは？
ギター以外の音源にGuitar Rigを使い始めたのは2014年頃でした。私は根っからのギタリストで、長年かけて山のようなペダルを集めてきました。ペダル類は常に私のサウンドデザインやミキシングのワークフローにおいて重要な役割を果たしてきました。しかしその年、初めての長編映画と連続TVシリーズの仕事が決まり、制作ペースが凄まじく速くなったのです。ペダルのパッチングを頻繁につなぎ替えるのは到底追いつかず、サウンドのリコール（再現）はまさに悪夢でした。
そこでGuitar Rigを試してみることにしました。お気に入りのペダルチェーンを再現できただけでなく、モディファイアや内部ツールを活用することで、はるかに複雑で反応の良いサウンドを構築できることにすぐに気づき、ペダルの限界を超えられると確信したのです。その瞬間に完全に手応えを掴みました。それ以来、数多くのプラグインを使っては離れていきましたが、Guitar Rigはずっと中心にあり続けています。
必要なものがすべて揃っており、複数のパラメーターにわたって全体的なモジュレーションをかけられるため、今では私にとって頼れるモジュラーエフェクトの中心的存在となっています。
現代の作曲家にとって、音楽的観点だけでなく技術的レベルでエフェクト処理を理解することはどれほど重要ですか？
とても良い質問ですね。答えは2つあると考えています。まず一方では、「良い音なら、それが正解」だということです。クリエイティブに使うためだけに、エフェクトの内部構造を完全に理解する必要はありません。実際、深く考えすぎずに遊び心を持って実験することから最高の結果が生まれることもあります。何が起きているか正確には分からない状態のほうが、そうした好奇心は刺激されるものです。
しかし経験を重ねていくと、特に毎日スコアリングを行い、スピード感が求められる現場では、より深い技術的理解が信じられないほど役に立ちます。頭の中に鳴らしたいサウンドのイメージがある場合、エフェクトの仕組みを理解していれば、より速く、より正確にそこに到達できます。
そうした理解は使い込むうちに自然と身につくことも多いですが、各エフェクトがどのように機能するのかを意識して学ぶことには大きな価値があると思います。音作りのパレットが広がり、単なる偶然の産物に頼ることなく、思いがけない結果を生み出す道が開かれるからです。
Cornel Wilczekからのプロの作曲テクニック：すべてをオーディオ化し、ライブラリを構築する。エフェクトをかけたオーディオは常に録音（プリント）しておきましょう。一度オーディオ化してしまえば、録音した生楽器と同じように、切り貼りしたり、タイミングをずらしたり、別の用途に使ったり、レイヤーしたりできます。私はMIDIやプラグインの世界を飛び出して、オーディオを生の素材として扱うのが大好きなのです。それがあなたならではのシグネチャーツールキットになります。
Guitar Rigのようなツールを使うことで、作曲家のクリエイティブな役割は従来のオーケストレーションを超えて広がりましたか？
ええ、100%そうです！Guitar Rigのようなツールは、現代における作曲家の定義そのものを完全に拡張しました。今やサウンドの音響的キャラクターは、音程やテンポ、メロディと同じくらい物語上の重みを持つことができます。
伝統的なオーケストレーションには何百年もの歴史があり、その枠組みの中で独自の個性を発揮するのは容易ではありません。しかしモジュラーエフェクトやGuitar Rigのようなツールを使えば、その境界線を押し広げ、作曲とサウンドデザインの境界線を曖昧にすることができます。そして、ストーリーが持つ心理音響的・感情的な構造に、まったく新しいアプローチでアクセスできるようになるのです。
たとえば、心理的に操られている登場人物がいるとします。もちろん、伝統的な和声法を用いて、調性のない不協和音で揺れ動く楽曲を書くこともできます。しかし、時間を歪ませるディレイやグリッチするグラニュラーテクスチャー、パンニングによる空間的な見当識障害の感覚をレイヤーすれば、サウンドそのものが彼らの崩壊していく精神状態を体現し始めます。音楽は単に感情をサポートするだけにとどまりません。音楽そのものが感情になるのです。
Cornel Wilczekからのプロの作曲テクニック：エフェクトを演奏する。私はソフトウェアであれペダルであれ、常にエフェクトをリアルタイムで演奏しながらテイクを録るようにしています。エフェクトを楽器のように扱い、映像に合わせてリアルタイムに反応させることで、手、耳、そして直感が映画とダイレクトにつながります。その瞬間の感情と同期し続けるための極めて効果的な方法です。
現代の劇伴には、伝統的なスコアリングと実験的なプロセッシングを組み合わせたハイブリッドなアプローチが求められていると思いますか？
どちらのアプローチにも活躍の場があると思います。純粋に伝統的な手法で作業を行い、音色のパレットを注意深く選び抜き、プロセッシングに頼ることなく物事を深く追求できる見事な職人技を持つ素晴らしい作曲家たちもいます。そのアプローチは今でも完全に通用しますし、信じられないほど力強いものになり得ます。
しかし、ハイブリッドなアプローチはどうでしょう？見過ごすにはあまりにも面白すぎます。プロセッシングを試すことで非常に多くのクリエイティブな扉が開かれますし、正直なところ、多くの人々が今まさに聴きたいと望んでいる音でもあります。現代のポップスやエレクトロニック・ミュージックのおかげで、聴衆は奇抜なテクスチャーや複雑な音響空間に慣れ親しんでいます。今日の映画音楽は奇妙で型破りなサウンドを実にすんなりと吸収しますし、適切に扱えば見事に機能します。サウンドだけが悪目立ちすることなく、感情を表現する言葉の一部になるのです。
そして率直に言って、それこそが私の最も大好きな部分でもあります。
Cornel Wilczekからのプロの作曲テクニック：こだわり派のためのContainer。エフェクトをリアルタイムで演奏したいとき、Containerは非常に便利です。必要なパラメーターだけを4つのノブに割り当てれば、時間を節約し、直感的なオートメーションを刺激する、演奏性に優れたフィジカルなマクロコントローラーの完成です。
標準的な音源ライブラリの枠を超えてプラグインでの実験を試みたい作曲家へ、どのようなアドバイスがありますか？
実験するための時間をしっかり取ることです。脚本を読み、そこで自分が感じている感覚に意識を集中させ、シンプルなサウンドを使ってその感覚を再現してみましょう。そしてエフェクト処理を施し、どこまで変化させられるかを試してみてください。
ただし、やりすぎには注意してください。あまりに楽しすぎて、気づいたら「美しいカオス」を作ってしまっていたということにもなりかねません！私自身は普段、1つのリードサウンドや楽器に焦点を当ててそこから探求を広げています。選択肢が多すぎて圧倒されそうなときは、まず1つのエフェクトから始めてみましょう。ディレイは絶好の入門エフェクトです。そこにLFOを加えるだけで、あっという間にコーラスやフランジャー、さらにはテープ特有のピッチの揺らぎまで作り出すことができます。
また、普段サウンドデザインとは結びつけないような楽器にエフェクトをかけてみるのもおすすめです。たとえば、チェロは伝統的な劇伴の定番楽器ですが、まるでサイケデリックなカーテンの向こうに隠れているかのような、揺らめく異次元のサウンドへと変化させることで、楽曲にまったく新しい可能性をもたらしてくれるかもしれません。
Cornel Wilczekからのプロの作曲テクニック：シグネチャーサウンドを生み出すSplit。Splitモジュールを使えば、シンプルなエフェクトを真にユニークなものへと変化させることができます。MidとSide、あるいは左右のチャンネルを別々にプロセッシングしてみてください。この非対称性が絶妙な（あるいは極端な）複雑さを生み出し、あなたのスコアを象徴する決定的なサウンドになるかもしれません。
『Together』のような映画への参加を通じて、劇伴における型破りなプロセッシングをどこまで突き詰められるかについて、どのような考えを持つようになりましたか？
『Together』は、それまで温めていた多くの実験的なアイデアを本格的に具現化する大きな後押しとなりました。制作の初期段階で、私はテーマの軸として「共鳴（sympathetic resonance）」というコンセプトに辿り着きました。それが映画の感情のランドスケープを見事に象徴するメタファーに思えたのです。物理学における共鳴とは、受動的な物体が自身の倍音構造と一致する外部の周波数に反応して振動する現象のことです。直接接触することなく一方が他方に呼応するというこのアイデアは、物語のコンセプトとして完璧でした。
これを音響的に探求するため、私はスプリングを敷き詰めた金属製のボックスを自作し、その内部にコンタクトマイクを取り付けました。そこにスピーカーから音楽を大音量で流し込むと、荒々しく予測不能なレゾナンスが発生しました。その金属的で幽玄な広がりが、スコアの雰囲気のバックボーンとなったのです。さらに、入力音のピッチを変化させることで緊張と緩和の瞬間を生み出し、まるで音楽とスプリングが互いに引き合ったり押し合ったりしながら対話しているかのような効果を得ることができました。
Guitar Rigでもその挙動の一部を再現しようと試みました。もちろん完全に同じにはなりませんが、ResoChordコンポーネントをいじることで、同じように心地よい倍音の動きが得られました。アコースティックならではの特異性とデジタルによる制御の境界線を曖昧にするための、素晴らしいアプローチでした。
Cornel Wilczekからのプロの作曲テクニック：Modifiersの真価。エフェクトは素晴らしいものですが、「動きのあるエフェクト」はさらに魅力的です。Guitar RigのModifiersは、サウンドをダイナミックかつ予想外の方向へ進化させる秘密兵器です。チェーン内の全く異なるパラメーターに同じモディファイアをアサインしてみてください。統一感とオーガニックな手触りを保ちながら、程よく奇妙で興味深いテクスチャーに仕上がることがよくあります。
まとめ
Cornel WilczekのGuitar Rigへのアプローチは、手元にあるツールの真価は、それに向き合う私たち自身の好奇心によって引き出されるのだということを改めて教えてくれます。深い技術的知識と果敢な実験精神を融合させることで、彼はエフェクトそのものを物語を語る楽器へと昇華させました。
貴重な洞察を共有し、現代の映画音楽においてサウンドがいかに音符と同じくらい重要であるかを示してくれたCornelに心から感謝します。
