Foreign Air 的全新专辑《Such That I May Glow》标志着他们职业生涯的又一个高光时刻。这对二人组一直以幽暗且律动十足的制作风格，以及高亢优美的旋律记忆点（hooks）而备受赞誉。凭借超过 2 亿次的流媒体播放量、Nike 和 Microsoft 等品牌的商业配乐合作，以及与 Phantogram 和 Bishop Briggs 的同台巡演，由 Jesse Clasen 和 Jacob Michael 组成的这支来自华盛顿特区/北卡罗来纳州的双人组合，在另类电子乐坛开辟出了一片独特的专属天地。
这第三张录音室作品将他们的声音推向了更锐利、更有意图感的境界，将他们敏锐的创作直觉与精湛考究的现代制作手法完美融合。
这在很大程度上归功于他们对 Native Instruments Play Series 的运用。富有表现力的钢琴与键盘纹理构成了整张专辑声音基调的核心部分，为电子元素注入了人性化的温暖触感。来自 40’s Very Own Keys 和 Analog Dreams 的音色赋予了曲目恒久的温润感与情感厚度，将整张唱片紧密联结在一起，同时也为该组合标志性的实验探索留出了充裕的空间。
跳转至对应章节：
- Analog Dreams 与 40’s Very Own Keys 如何塑造专辑的声音
- 帮助双人组迅速进入创作状态的预设
- 他们的歌曲创作如何受到 Analog Dreams 和 40’s Very Own Keys 的启发
- 纯电脑制作中音色层叠的魔力
- 给制作人打造可靠音色工具库的建议
- 平衡复古与现代的声音设计
从定义整张唱片声音特质的制作工具，到贯穿整个创作过程的心态，Foreign Air 畅谈了《Such That I May Glow》的诞生历程。让我们一起来阅读完整的深度对话吧。
你也可以在自己的音乐中融入 Foreign Air 的声音——Analog Dreams 已包含在免费的 Komplete Start 套装中，该套装汇集了专业级乐器、音色、效果器等丰富内容。
Analog Dreams 和 40’s Very Own Keys 是如何成为《Such That I May Glow》的核心声音的？
在我们创作流程的核心，有一个在 Logic Pro X 中精心打造的模板，这是经过多年创作和录音打磨出来的。这让我们能够迅速进入状态，触手可及地调用一系列精选的声音与效果器。通过精简工作流，我们可以专注于歌曲创作本身，而不用在一眼望不到头的插件菜单里来回翻找。那些细致微调完全可以留到以后再说。
我们模板中有两款非常出彩的乐器：Analog Dreams 和 40’s Very Own Keys。Analog Dreams 上的 OberBrass 预设是我们探索和弦的首选，它能带来既丰满又厚实的华丽声音。其自带的电影质感能瞬间将我们带入情境，让人联想到《银翼杀手》（Blade Runner）中的未来景观。
这种影响在我们专辑《Such That I May Glow》中的《Awkward Bones》和《The Hive》等曲目里尤为明显，其中的 80 年代合成器音色增添了层次与深度。《The Hive》里的 Bridge 段落是一个高光时刻，层叠递进的合成器音色逐渐推向高潮，与歌词中“This wonderful life tore us in two. Heavy on me, heavy on you.”的情感重量完美契合。
Analog Dreams 极其擅长融合原声质感与电子元素，让我们能够打造出游走在两者之间的独特声音，帮助我们呈现 Foreign Air 的标志性声线。这款插件的多样性与丰富的纹理，总能带来我们在音乐中所追求的那种令人汗毛直立的惊艳质感。
相比之下，40’s Keys 则带来了一种更为克制却同样扣人心弦的声音。Apollo Lead 音色是我们的心头好，它具有经典的音质，几乎能无缝融入我们创作的每一首歌。内置的琶音器功能强大，而在 Velocity（力度）区域通过点击和拖拽来调节更是颠覆性的体验。
直观的界面让我们能够以惊人的速度和精准度工作，甚至比在某些硬件设备上进行编程还要快。借助这些插件，我们得以充分释放创造潜力，不断拓展我们音乐的边界。
在这两款乐器中，是否有某些特定预设成为了这张唱片核心音色的起点？
Analog Dreams 中最出彩的预设之一是 Weirder Stuff，它立刻把我拉回到了我心爱的 Juno 106 的时代。缓慢的滤波扫频赋予了 pad 和 lead 鲜活的生命力，注入了动感与活力。另一个大爱是 Salton Sea，这是一颗打破传统厚重合成器声音的瑰宝。
Salton Sea 预设
相反，它轻柔、梦幻且细节入微，在混音中为其他元素留足了空间。这个预设堪称“克制之美”的典范，开箱即用且音色惊艳，无需繁琐的微调。它出现在《Awkward Bones》的副歌中，恰到好处地隐匿在人声背后。我非常确信，在那首歌的早期雏形中，只有这个音色和人声，随后我们才录制了专辑版本开头的小提琴和大提琴。
在 40’s Very Own Keys 上，Grand Synth Bass 预设在我们的专辑中起到了决定性的作用，尤其是在《Smile》这首歌里。这是一个绝佳的范例，证明了像加入一点点失真这样简单的操作就能产生巨大的效果。通过挂载一个削波器并对底鼓加入侧链压缩，我们打造出了既有力又极具凝聚力的声音。
40’s Very Own Keys 的绝妙之处在于，它能在填满超低频的同时保持中频的清晰度，使其成为制作贝斯声线的绝佳之选。《Smile》最初始于一个简单的鼓点节奏，但 Grand Synth Bass 将它提升到了一个全新的高度。当你把音量推大，那种贝斯的冲击感十足——它是我们整张专辑里最喜欢的音色之一。
来自 Foreign Air 的专业小贴士：像在工作室配置硬件那样去设置你的宿主（DAW）。将你喜爱的合成器音色准备就绪，提前建好效果发送轨，这样你需要做的就只是推起推子或挂上发送。
在创作过程中，Analog Dreams 或 40’s Very Own Keys 有没有激发过任何意料之外的旋律灵感？
在写《Smile》的时候，那条贝斯声线听起来棒极了，我记得在第一段副歌之后，我觉得需要加入一个激动人心的独奏元素。于是我们复制了贝斯轨道，将音高提高了一个八度，最终它成为了副歌和第二段主歌之间的 lead 音色。
每个听过这首歌的人都会说：“那段吉他独奏太帅了！”但实际上它和贝斯声线用的是同一个合成器音色。我想我以前从没试过用同一个音色同时负责 lead 和贝斯声线的叠加，但这招确实奏效了，而且最终写出了我用吉他绝对写不出的独奏。事实上，拍 MV 时我还特意在吉他上把它学会怎么弹。
在开始写一首新歌时，我们总是在寻找能带来灵感的声音或质感。你可以花时间在合成器上从头调制声音，也可以直接打开像 Analog Dreams 或 40’s Very Own Keys 这样的 VST 插件，翻阅几个预设。一旦我们遇到了感觉对味的音色，它就能轻易激发出旋律灵感和和弦进行。一旦那个声音跑起来，我就会开始在上面即兴创作。我们大多数歌曲就是这样诞生的。
初期的关键是不要过度思考，细致打磨留给之后也不迟。在创作时，最重要的是活在当下并把想法记录下来。《Awkward Bones》副歌的人声旋律就是我在 Komplete Kontrol S49 键盘上写出来的。
通常我都是用人声即兴来创作所有东西，但有时我发现自己在键盘上摸索旋律时，能找到一些自己平常不会唱出的音符。我永远不会忘记多年前和一位制作人共事时的场景，看到他在键盘上摸索和声，从那以后我也开始这么做，而不再只是叠加那些我自己很自然就会唱出的和声。
《Smile》的副歌人声也是以同样的方式在我的 Komplete Kontrol S49 键盘上成型的。
歌词“never will we part”听起来就像是合成器在演奏时向我唱出的旋律。我们把 Analog Dreams 的合成器声线与吉他和人声叠加在一起，声音听起来极其宏大。我认为那段副歌后的器乐演奏是我们唱片中做出的最震撼的声音之一。在为巡演排练这段时，我每次都会起鸡皮疙瘩。
有时候你会觉得这声音已经不可能做得更大了，如果再加一层，它只会淹没在里面，并没有真正的贡献。但《Smile》却一直在层层递进。我们会把一条合成器旋律复制一份，提升两个八度，并更换一款不同的 VST。
来自 Foreign Air 的专业小贴士：保持工程整洁，在制作过程中随时标记轨道颜色并合理命名。如果从一开始就养成这个习惯，后续能为你省下大量时间。
你是否认为现代制作人低估了音色层叠（layering）对一首歌曲情感冲击力的影响？
我不确定这是否被低估了，但我敢肯定的是，通常合成器插件很少像 Native Instruments Play Series 系列乐器那样，具备在两个独立声部之间进行平滑融合（blend）的功能。将两种合成器音色融合在一起，让我联想到了 Mellotron 4000D。
如果你在键盘上做个 MIDI 映射，分配给推子或旋钮，就可以实时控制融合比例。这在为主歌和副歌营造层次维度时非常管用。在主歌中把声音多偏向轻柔的预设，为人声留出更多空间；在副歌前奏或副歌中，再调向更加厚重的音色。
在自然的原声钢琴（比如 Noire）之下垫上一层细腻、缓释启动（slow attack）的合成器 pad，是我最近的常规用法。它带来了极强的丰富感和深度，尤其是踩下延音踏板弹奏长和弦时更是如此。
在宿主软件（DAW）中，层叠音色的潜力是无限的。
有时我们会把一条合成器或 lead 声线轨道复制四份，换上不同的 VST，并通过推子微调平衡，从而获得独一无二的声音。这相当于把同一路 MIDI 信号同时发送给 OBX-A、Juno、Prophet 和 Arp 2600。这就是纯电脑软音源制作的魅力所在。
来自 Foreign Air 的专业小贴士：留出专门的时间来尝试和探索你的工具，无论是软音源还是效果器。深入挖掘其潜力，并记得收藏保存你喜爱的预设。
对于建议制作人寻找自己的“核心乐器”而不是盲目收集海量插件，你们有什么想说的？
我认为找到一套能给你带来灵感并能伴随你共同成长的核心乐器，是建立你个人制作风格最关键的步骤之一。拥有很多插件并没有错，但如果你总是在不同的一堆预设之间跳来跳去，你就永远无法真正精通任何一款乐器。没有什么比你想做一首舒缓的独立热单时，旁边有人却在不停翻找大场面 EDM 预设更能瞬间破坏创作氛围的了。
真正的奇妙之处在于，当你找到几款可以当作专用工具来激发灵感的乐器，然后对它们了如指掌——掌握它们的响应特性、知道能把它们推向何种极限，以及如何塑造它们来呈现你脑海中的声音。
对我来说，Kontakt 是我制作质感、钢琴和管弦乐元素的首选。我非常清楚如何使用 Symphony Series – Brass 来获得极具震撼力的铜管 stab，我可以将其与采样进行叠加，并通过失真效果器进行处理。在我们的歌曲 Heist (In The Middle) 中，我们正是运用了这一手法，为副歌注入了充沛的能量与感染力。
Analog Dreams 已经成为我制作丰满、带有复古风味 pad 和 lead 的不二之选，而 Hybrid Keys 则能带来温暖、丰富的键盘音色，在混音中表现得恰到好处。对于 bass 和 lead，我更青睐 Massive X，而 Battery 4 则是我的核心鼓组引擎。
你对自己的核心乐器工具越熟悉，你的制作听起来就越具个人色彩且风格连贯，这也正是你作为一名制作人开始形成自己独特声音与风格的契机。
来自 Foreign Air 的专业贴士：相信你的直觉，保留最初的原始能量。
最后，能否为正在学习如何在声音设计中平衡复古与现代影响的音乐人分享一些建议？
对我来说，在声音设计中平衡复古与现代的影响，始于对某个特定时代的追求——无论是 70 年代温暖、饱满的饱和音色，还是 80 年代空灵、门限效果显著的制作风格，然后再围绕这一基底展开构建。
如果我想要 70 年代风格的 lead 或 bass，我会打开 Monark，并从 Mini Lead PWM 预设入手，以获得浑厚且富有表现力的 lead，或者选择 Deep Moog Bass 预设来打底。
在此基础上，我会根据需要调整滤波器的截止频率（cutoff）和共振（resonance），可能还会增加滤波器包络量，让音色更有咬合感。
为了赋予它纯正的模拟质感，我会通过 RC 24 挂载一个较短的板式混响，适量添加空间感的同时不失冲击力。或者通过 Guitar Rig 7 Pro 使用 Warm Tube 预设来增添细腻的饱和度。
接着我会加入现代元素。我可能会叠加一层来自 Massive X 的干净、开阔的 pad。例如，Wide Sky Pad 非常适合垫在底层营造立体声深度，通过调节 cutoff 让它衬托在 Monark 的 lead 身后，而不是与之抢占频段。
至于鼓部分，我会使用 Battery 4 尝试不同的鼓组与采样，通过瞬态塑形获得紧实、富有冲击力的鼓点打击感，与复古合成器温暖、略显松弛的感觉形成鲜明对比。
即使一首曲子的情感核心带有一种复古的感觉或氛围，现代工具也能帮助进行平衡，并提供老式设备难以企及的立体声宽度、低频精准度以及动态控制力。
从老唱片中汲取灵感固然很棒，但若能以一种崭新而现代的方式将这些影响呈现出来，在创作上会更令人兴奋。
来自 Foreign Air 的专业贴士：把你的采样音源库安装在便携式 SSD 上（比如 Samsung T9），特别是当你需要在多台电脑上打开工程时。
总结
Foreign Air 的 Such That I May Glow 清晰地宣告了 Jesse Clasen 与 Jacob Michael 在创作上的前进方向。从其合成器声线暗涌的律动，到 40’s Very Own Keys 富有表现力的触感，这张唱片将氛围感与 groove 完美交融，既意图明确又引人入胜。每一首曲目都体现出塑造它的专注创作过程，以及为了打造出曲终却令人久久难忘的声音所倾注的匠心。
感谢 Jesse 和 Jacob 揭秘他们的创作过程，并分享了让这张唱片得以问世的工具与技巧。Such That I May Glow 已于 8 月 22 日在各大流媒体平台上线，无论是一直关注 Foreign Air 音乐蜕变的乐迷，还是在寻找兼具情绪、旋律与律动的新音乐的听众，这张作品都不容错过。
