À mesure que tu produis de plus en plus de morceaux, tu constateras que ton mixage doit progresser pour que ta musique produise tout l’impact souhaité. Le mixage et le mastering sont des compétences qui se développent au fil du temps, à force d’essais et d’erreurs. Même s’il peut être difficile d’obtenir un son professionnel dans un home studio, voici quelques conseils pour rendre tes mixes plus cohérents avant de passer à l’étape du mastering.
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Qu’est-ce qu’un mix cohérent ?
- Essaie de mixer à faible volume
- Applique l’égalisation et la compression en mono, puis ajuste le panoramique de tes pistes
- Utilise Density pour « souder » le mix
- Assure-toi que les réverbes et les delays jouent en ta faveur, pas contre toi
- Repère les incohérences sur différents systèmes d’écoute
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Qu’est-ce qu’un mix cohérent ?
Alors, qu’entend-on exactement par « mix cohérent » et comment un mixage doit-il sonner avant le mastering ? La cohésion implique que les éléments sont unis et fonctionnent efficacement ensemble. Dans le mixage musical, un mix cohérent doit guider l’oreille de l’auditeur de manière intentionnelle afin de maximiser l’impact émotionnel du morceau.
Si l’on cherche à procurer un sentiment d’apaisement, on peut adoucir l’entrée des instruments pour qu’ils se fondent et montent ensemble. Si l’on cherche plutôt à déstabiliser l’auditeur ou à susciter de l’anxiété, le volume, l’automatisation du panoramique et la distorsion deviennent d’excellents outils pour y parvenir.
La première chose à faire quand on aborde un mix, c’est de définir ses objectifs. Quand on a une vision claire de ce vers quoi on tend, prendre des décisions au mixage devient beaucoup plus simple. Après tout, mixer ne consiste qu’à cela : faire des choix de timbre, de volume, d’équilibre, de clarté, etc. Ces décisions doivent toujours servir l’intention artistique du morceau.
1. Essaie de mixer à faible volume
En gardant tes objectifs en tête, utilise tes faders pour établir un premier équilibre de volume entre les pistes. Le réflexe naturel consiste souvent à commencer par le kick, puis d’équilibrer la caisse claire par rapport à lui, puis les cymbales, la basse, etc. Le problème, c’est que même si le kick est essentiel, il n’est généralement pas plus important dans le mix que la voix principale. Détermine quel est l’élément le plus important (la voix principale, ou une guitare lead dans un morceau instrumental, par exemple), puis ajuste les volumes des autres pistes par rapport à lui.
Pour équilibrer les volumes, j’ai constaté qu’il était particulièrement efficace de mixer à un volume assez bas. Nos oreilles perçoivent bien plus facilement si un élément est trop fort ou trop discret lorsque le niveau global est faible. Si l’on mixe à un volume très élevé, les subtilités de dynamique deviennent presque impossibles à déceler, sans compter que la fatigue auditive s’installe très vite. C’est également très utile pour bien évaluer la compression.
2. Applique l’égalisation et la compression en mono, puis ajuste le panoramique de tes pistes
J’adore utiliser l’automatisation du panoramique pour rendre un mix plus captivant. Mais à mes débuts, je remarquais qu’une piste s’intégrait parfaitement dans le mix jusqu’à ce que le panoramique s’anime. Dès qu’elle changeait de place dans le champ stéréo, elle perdait toute sa définition.
En effet, dès que la piste concernée était déplacée vers un espace occupé par d’autres instruments que ses voisins d’origine, de nouvelles fréquences entraient en conflit. En jouant avec le champ stéréo, j’introduisais de nouvelles zones de compétition sonore. Résultat : certains mixes paraissaient décousus, car les pistes déplacées changeaient de couleur tonale au fil de leurs mouvements.
Pour résoudre ce problème, la solution consiste à égaliser et compresser avant de toucher au panoramique. En gardant toutes les pistes au centre, utilise l’égalisation pour corriger les éventuels problèmes de masquage ou de phase. Cela permet de séparer les pistes de façon beaucoup plus nette, sans dépendre uniquement du panoramique. Ensuite, lorsque tu commenceras à répartir les pistes dans l’espace stéréo, ton mix paraîtra plus ample et plus précis, avec des éléments dont le timbre reste cohérent lors de leurs déplacements.
En prime, cela garantit que ton mix reste compatible en mono, une nécessité grandissante à l’heure où les enceintes Bluetooth se sont généralisées.
3. Utilise Density pour « souder » le mix
Alors que la plupart des compresseurs traditionnels atténuent le signal dès qu’il dépasse un certain seuil de volume, le module Density de Neutron Elements utilise une compression vers le haut (upward compression). Dès que le niveau du signal descend en dessous d’un certain seuil, le volume est remonté pour homogénéiser la dynamique de la piste.
Cela permet de faire ressortir des nuances ou des paroles qui passeraient autrement inaperçues, en particulier dans un mix dense. Dans cet exemple, j’ai utilisé Density sur mes pistes vocales pour qu’elles ressortent mieux dans le mix, ainsi que pour mettre en valeur certaines parties de synthé.
4. Assure-toi que les réverbes et les delays jouent en ta faveur, pas contre toi
Tu as peut-être déjà entendu dire qu’il fallait n’utiliser qu’une seule réverbe et y envoyer toutes tes pistes pour donner l’impression que tout le monde joue dans la même pièce. Si cela fonctionne très bien pour certains styles, généralement acoustiques comme le bluegrass, ce n’est pas forcément vrai pour tous les genres musicaux, en particulier pour les productions qui font appel à beaucoup de synthés et de samples.
L’essentiel est surtout que tes réverbes et delays fonctionnent harmonieusement ensemble. Pour ces effets temporels, assure-toi qu’ils s’accordent au tempo et au groove du morceau. Par exemple, sur un titre au tempo rapide, on évitera en règle générale les réverbes très longues sur les instruments très actifs, comme une ligne de charleston chargée ou un flow de rap.
J’utilise généralement plusieurs réverbes et delays dans un mix, car certains instruments gagnent à être précis et très présents au premier plan (ce qui nécessite des effets plus discrets ou plus courts), tandis que d’autres doivent rester plus flous et en retrait pour apporter de la profondeur au mix. Le degré de présence de chaque piste dépend entièrement de tes choix et de l’ambiance du morceau sur lequel tu travailles.
Dans cet exemple, j’ai une voix principale (lead vocal), un doublage de cette voix et entre deux et cinq couches de chœurs. Dans ce premier extrait, la moitié des chœurs et la voix principale sont envoyées vers une première réverbe, tandis que l’autre moitié des chœurs et le doublage de la voix principale partent vers une seconde réverbe. Selon moi, cela déséquilibre la présence des chœurs.
Dans l’exemple suivant, la voix principale est envoyée vers une réverbe plus courte, tandis que le doublage et l’ensemble des chœurs partagent la même réverbe de durée moyenne. Pour moi, le résultat est bien plus lisible et cohérent. Dans les deux cas, j’utilise Nectar pour générer la réverbe.
Le pad d’effets situé en bas à gauche de la vue Assistant View permet de doser l’intensité (Intensity) et le mixage (Mix) de n’importe quel effet. Tu peux y ajouter Reverb, Delay et Dimension, qui combine des effets de chorus, de flanger et de phaser.
Une fois que tu as configuré des réverbes qui te plaisent dans ta session, n’hésite pas à expérimenter ! Essaie d’automatiser le départ vers la réverbe sur ta voix pour en augmenter progressivement le niveau vers la fin d’une phrase vocale. Tu peux aussi router la sortie de ta piste de réverbe vers une piste audio, enregistrer uniquement le signal réverbéré, puis déplacer ce clip à un autre endroit du morceau pour annoncer ou faire écho à un passage clé. Tu peux également inverser ce clip et le placer juste avant une phrase vocale pour l’introduire. Les possibilités sont infinies !
5. Repère les incohérences sur différents systèmes d’écoute
Ce qui fait la cohésion d’un mix, c’est aussi sa façon de sonner sur différents systèmes d’écoute. Écouter ton morceau sur plusieurs enceintes ou casques te donnera du recul sur des défauts qui auraient pu t’échapper jusque-là. On commence ici à toucher au domaine du mastering, mais si tu gardes cela à l’esprit dès le mixage, l’étape du mastering en sera grandement facilitée.
Voici l’instrumentation complète du morceau « Coco Oils ». Dans la version « avant », j’avais mixé sur de gros moniteurs de studio accompagnés d’un caisson de basses. Dès que je suis passé sur des enceintes plus petites, j’ai remarqué que la basse et le kick manquaient cruellement de puissance et avaient besoin de plus de définition. J’ai donc passé le mix dans Ozone Elements pour nettoyer des résonances dans les graves qui rendaient le mix brouillon. Voici le résultat avant et après :
Pour découvrir un processus de mastering étape par étape, consulte notre guide pour masteriser un morceau avec Ozone.
Obtiens un son cohérent grâce au mixage et au mastering
Obtenir un mix cohérent repose avant tout sur l’équilibre des volumes (évite d’effrayer l’auditeur avec un solo de guitare soudainement trop fort), l’équilibre spatial (utilise l’égalisation pour dégager de l’espace sonore pour chaque instrument, ainsi que les réverbes et les delays pour situer les sons dans un espace physique distinct) et la transmission d’une vraie charge émotionnelle.
Au fond, nous utilisons la technique au service de l’art : si le résultat te plaît et remplit les objectifs que tu t’étais fixés, alors pour moi, ton mix est une réussite.
