Mit seiner neuen Single „Dust“ auf dem Spring Sampler von All Day I Dream verfeinert der britische Produzent Jim Rider seinen tiefen, melodiegetriebenen Club-Sound weiter. Bekannt für die Balance zwischen emotionaler Stimmung und präzisen, wirkungsvollen Arrangements, beweist Rider ein Gespür für den gezielten Verzicht auf Überflüssiges – etwas, an dem viele Produzent*innen jahrelang feilen.
Diese Denkweise spiegelt sich besonders in seinem Umgang mit Massive von Native Instruments wider – einem Synth, der für seine endlosen Modulationsmöglichkeiten und detailgenaue Kontrolle berühmt ist. Für Rider liegt die Kunst nicht darin, was man in Massive alles anstellen kann – sondern zu wissen, wann Schluss ist. Seine Patches entstehen mit klarem Fokus statt unnötiger Komplexität. Die eigentliche Magie entsteht durch Timing, Automation und wohldosierte Bewegung.
In diesem Interview erklärt Rider, wie er ein Überfrachten seiner Patches verhindert, wie er Macros und subtile Automation einsetzt, um Sounds lebendig zu halten, und warum Einfachheit fast immer die Nase vorn hat.
Direkt zu diesen Abschnitten:
- Methoden, um überladene Patches zu entschlacken
- Warum Musikalität für ihn wichtiger ist als exzessive Modulation
- Seine Tricks mit Performer und Macros für mehr Bewegung
- Warum Zurückhaltung im Sound-Design entscheidend ist
- Wie „Dust“ durch feine Nuancen statt Komplexität entstand
So bleibt ein Synth wie Massive immer musikalisch:
Wenn ein Patch in Massive zu überladen wirkt: Wie gehst du vor, um ihn wieder zu reduzieren?
Das hängt wohl davon ab, wofür der Patch gedacht ist. Bei einem Lead-Synth oder Arp darf es ruhig etwas lebhafter, abwechslungsreicher sein und mehr Raum einnehmen. Aber bei einer Bassline oder einem Pad ist es oft besser, die Sache zu vereinfachen, damit es nicht von den anderen Elementen ablenkt. Wenn sich etwas zu vollgestopft anfühlt, reduziere ich den Patch meist auf den primären Oszillator und baue von dort aus wieder nach „oben“ auf. In Massive schichtet man schnell zu viele Layer übereinander, weil es so viele Stellschrauben gibt – da verzettelt man sich leicht.
Wenn eine Textur zu dicht wird, schalte ich die Elemente nacheinander solo, bis ich herausgefunden habe, welche Parts am unruhigsten sind – und dann fange ich an zu muten. Wenn zu viele Dinge gleichzeitig passieren, wirkt es meistens einfach erschlagend.
Wie die meisten nutze ich Massive für jede Menge Basslines. Das klingt jetzt vielleicht extrem simpel, ist aber super effektiv: Am Ende einer Phrase – zum Beispiel vor Breakdowns, Drops oder wenn ein neues Element oder eine Melodie reinkommt – drehe ich gern den Cutoff auf. So merken die Hörer*innen, dass gleich etwas Neues passiert. Und sobald der Übergang geschafft ist, dreht man ihn einfach wieder zu, um diesen vollen Bass zurückzubekommen.
Manchmal öffne ich ihn auch kontinuierlich im Verlauf des gesamten Tracks. Das ist subtil, steigert aber die Energie, während sich der Track entwickelt.
Aber ehrlich gesagt: Manchmal lässt man die Finger am besten ganz davon. In einem kürzlichen Remix von Kraftwerks „Autobahn“ habe ich den Patch „Baby Cybermen“ benutzt. Ich wusste, dass Patch und Melodie genau passten, habe aber trotzdem stundenlang daran herumgedoktert – und kam kein Stück weiter. Am Ende habe ich ihn buchstäblich wieder zurückgesetzt und das Preset mit winzigen Anpassungen verwendet. Die anfängliche Sound-Auswahl ist also mindestens genauso wichtig wie der Versuch, einen Patch zu zähmen.
Gab es schon Momente, in denen zu viel Modulation den Groove oder den Grundcharakter eines Tracks ruiniert hat?
Ja, ständig! Man will oft jeden einzelnen coolen Sound, den man gebastelt hat, in den Track packen. Aber mit den Jahren und wachsender Erfahrung merkt man: Weniger ist mehr.
Du könntest zum Beispiel eine Bassline mit einer Hüllkurve auf dem Filter, einem LFO auf der Lautstärke und etwas Automation auf der Velocity jeder einzelnen Note bauen. Für sich allein klingt das vielleicht fantastisch, lässt aber kaum noch Raum für andere Elemente und lenkt am Ende vom Groove ab. Jeder wie er mag, aber ich persönlich bevorzuge einen sich wiederholenden Groove mit leichten Variationen – etwa subtilen Filterfahrten und dezenter Automation über Zeit – statt wilder Modulation an allen Ecken und Enden.
Außerdem betrachte ich mein Produzieren ein bisschen so, als wäre ich in einer Band. Vielleicht liegt das an meinem Musikstil, aber: Wenn du deine Idee nicht mit fünf simplen Instrumenten – sagen wir Drums, Bass, Lead-Gitarre, Rhythmusgitarre und Gesang – auf den Punkt bringen kannst, ist die Idee wahrscheinlich einfach nicht gut genug.
Was hilft dir, diszipliniert zu bleiben, wenn die Versuchung groß ist, einen Sound zu überfrachten – gerade bei einem so komplexen Synth?
Wie schon gesagt: Zurückhaltung lernt man mit der Erfahrung. Viele der unvergesslichsten House-Klassiker – die Tracks, die auch heute noch gespielt werden – haben oft denkbar einfache Arrangements und Sounds, die aber auf den Punkt passen. Bevor ich mich also ins Sound-Design oder endlose Modulationen vergrabe, frage ich mich heute: Funktioniert der Sound nicht eigentlich schon genauso, wie er ist? Mir geht es um Musikalität, nicht um möglichst abgefahrene, komplizierte Klänge.
Wenn ich ewig an einem Patch herumgeschraubt habe und nicht weiterkomme, bounce ich ihn als Audiofile, lege mich damit fest und mache mit einem anderen Part weiter. Ich kann das Audio später immer noch bearbeiten, aber stundenlanges Drehen an Reglern führt nur in eine Sackgasse und stiehlt einem ehrlich gesagt die Zeit.
Wenn ich dann später zu diesem Part zurückkehre, funktioniert er meist entweder genauso, wie er ist – oder ich habe die zündende Idee, ihn passend zu den neu hinzugekommenen Elementen umzuschreiben. Du kannst auch einfach dieselben MIDI-Daten in ein paar verschiedene Patches laden und per A/B-Vergleich prüfen, was im Mix besser sitzt.
Hatte dein Sound-Design konkreten Einfluss auf deine Karriere? Wie viel von deinem Erfolg schreibst du deinen Sounds und deiner Sound-Auswahl zu?
Gute Frage … ganz ehrlich: Ich würde meinen Erfolg eher meinem musikalischen Hintergrund und der Sound-Auswahl zuschreiben als dem Sound-Design selbst. Ich glaube, ich habe einen ganz guten Geschmack – was beim Produzieren dazu führt, dass ich die richtigen Sounds wähle (und beim Auflegen Tracks spiele, die ankommen). Mein Ansatz beim Sound-Design ist da meist etwas subtiler.
Geduld ist ein entscheidender Faktor, den viele unterschätzen: Instrumente oder Sounds ganz bewusst zurückzuhalten, damit sie umso mehr einschlagen, wenn sie endlich einsetzen. Bei meinem aktuellen Release „Dust“ kommt der Bass erst nach dem ersten Drop (im Extended Mix bei etwa zwei Minuten) – und genau deshalb knallt er so richtig.
Wie gesagt: Bei mir dient das Sound-Design vor allem der Musikalität. Es geht darum, Grooves zu bauen, spannende Arrangements zu schaffen, an Akkordfolgen zu feilen und eingängige Melodien zu schreiben – nicht darum, technische Muskeln spielen zu lassen. Sagen wir mal so: In meiner Musik stecken jede Menge glückliche Zufälle.
Verrätst du uns einen Trick, mit dem du in Massive Bewegung erzeugst, ohne den Patch zu überladen?
Ich nutze gern den Performer mit sehr langsamer Geschwindigkeit (vielleicht auf 1/4 synchronisiert), geroutet auf die Wavetable-Position oder den Filter-Cutoff. Wenn du eine Performer-Kurve mit nur zwei bis drei Schritten anlegst – vielleicht mit einem kleinen Absacker oder Anstieg – und die Modulationstiefe auf 10 bis 15 % zurückschraubst, gibt das dem Sound einen feinen Anschub. Das sorgt für Lebendigkeit, ohne sich aufzudrängen.
Außerdem nutze ich die Macro-Regler intensiv. Ich mappe Parameter wie Wavetable-Position, Feedback oder einige der Filter-Optionen auf ein einziges Macro und automatisiere diesen Regler über ein paar Takte. So bringe ich Abwechslung rein, während der Sound wie aus einem Guss bleibt. Der Patch wirkt geschlossen, bekommt aber organische Bewegung und Entwicklung – super praktisch für lange Buildups oder um Pads lebendig und weniger statisch wirken zu lassen.
Was ist ein typischer Fehler beim Synth-Programming, den du bei Einsteiger*innen oft beobachtest?
Bei vielen Neulingen fällt auf, dass den Synths Bewegung und Entwicklung fehlen. Das liegt meist am mangelnden Verständnis von a) Arrangement und Komposition im Allgemeinen und b) welcher Typ von Automation wann sinnvoll ist.
Was die Komposition angeht: Erfahrenere Leute deuten die Lead-Melodie vielleicht am Anfang des Tracks kurz an, bringen die volle Melodie im Mittelteil und lassen sie – zusammen mit dem Patch – nach dem zweiten Drop weiter mutieren. Einsteiger*innen setzen oft einfach dreimal dieselbe Synth-Line ohne nennenswerte Variationen ein. Und bei der Automation hört man entweder so gut wie gar nichts – ODER sämtliche verfügbaren Effekte wurden auf extreme Werte aufgerissen.
Wie gesagt: Weniger ist wirklich mehr. Richtig eingesetzt kann eine gut gewählte Sinuswelle mit dezent gesteuerter Automation genauso reinhauen wie ein monströser 4-Oszillator-Sound mit wilden Modulationen und tonnenweise Effekten!
Fazit
Ein großes Dankeschön an Jim Rider für diese Einblicke, wie man bei einem der vielschichtigsten Synths überhaupt die Kontrolle behält. Sein Ansatz zeigt: Sound-Design muss nicht effektheischend sein, um zu wirken – es muss dem Track dienen. In Riders Händen wird Massive zu einem Werkzeug für Emotion und Groove, statt bloßer Angeberei.
Wer mehr aus den eigenen Synths herausholen will, ohne sich in Modulationsmatrizen zu verheddern, findet in diesem Interview eine echte Lehrstunde in Sachen Fokus, Entscheidungsfreude und Geschmack.
