Das Duo New Constellations aus Portland komponiert mit einem Gespür, das persönlich, geerdet und zutiefst menschlich wirkt. Die langjährigen Freund*innen Harlee Case und Josh Smith machen seit mehr als 15 Jahren zusammen Musik und formen einen Sound, der die Balance zwischen Nostalgie und moderner Klarheit hält. Ihre neueste Single „Secret Safe“, die jetzt über Nettwerk erschienen ist, bringt dieses Gleichgewicht perfekt auf den Punkt.
Der Track spiegelt sowohl künstlerische als auch emotionale Kontinuität wider. Entstanden in einer Umbruchphase, als enge Freund*innen wegzogen, verwandelt „Secret Safe“ Distanz in Verbundenheit und Veränderung in Bestätigung. Der Song erinnert daran, dass kreatives Schaffen oft zwischenmenschliche Beziehungen widerspiegelt – es entwickelt sich weiter, dehnt sich aus und behält dennoch seine Form, selbst wenn die Zeit vergeht.
Unter der Wärme seiner Melodie verbirgt sich ein Produktionsprozess, der auf purer Neugier basiert.
Direkt zu den Abschnitten:
- Den emotionalen Anker des Tracks finden
- Produktion durch Subtraktion
- Sich entwickelnde Parts mit Massive X gestalten
- Retro-Wärme mit Super 8 erzeugen
- Die Balance zwischen Schlichtheit und Komplexität
- Den Ton für das Album vorgeben
Experimentierfreude und glückliche Zufälle sind für die beiden feste Grundprinzipien – Momente der Unvollkommenheit gehören fest zur DNA ihrer Songs. Ihr Workflow verbindet technische Intuition mit emotionaler Absicht und nutzt Tools von Native Instruments wie Super 8 und Massive X, um Texturen zu erforschen, ohne das Songwriting aus dem Fokus zu verlieren.
Als ihr mit dem Schreiben von „Secret Safe“ begonnen habt: Welche emotionale Grundstimmung sollte die Produktion transportieren, bevor ihr überhaupt an Synth-Sounds gedacht habt?
„Secret Safe“ begann mit dem ersten Synth-Motiv – dieser zupfenden, sich wiederholenden Synth-Linie, die man gleich zu Beginn hört. Anfangs wussten wir noch gar nicht wirklich, was für ein Song daraus werden würde. Doch als Harlee anfing zu singen und die ersten Gesangsideen ausprobierte, kristallisierte sich die emotionale Identität des Tracks schnell heraus.
Fast unmittelbar stellte sich ein intensives Gefühl von Nostalgie ein. Es fühlte sich nachdenklich und ein wenig bittersüß an, gleichzeitig aber warm und vertraut – wie der Rückblick auf Freundschaften und gemeinsame Momente und die Erkenntnis, wie sich solche Beziehungen im Laufe der Zeit verändern. Diese emotionale Stimmung wurde zum Anker für die Produktion, noch bevor konkrete Synth-Sounds feststanden.
Als dieses Gefühl erst einmal da war, fühlte sich der Produktionsprozess eher wie Zuhören als wie Konstruieren an. Es ging darum, dem Song Raum zu geben, um ganz natürlich zu wachsen. Indem wir uns von den Emotionen leiten ließen, fügte sich alles andere fast wie von selbst zusammen.
Ab welchem Punkt wurde euch klar, dass der Track Bewegung innerhalb der Sounds brauchte und nicht noch mehr Layer, um Intensität aufzubauen?
Sobald wir die Drums hinzugefügt hatten, veränderte sich der Song radikal. Was sich anfangs wie eine langsame, nachdenkliche Ballade anfühlte, hatte plötzlich eine Unmittelbarkeit und einen treibenden Vorwärtsdrang. Die Drums im Breakbeat-Stil veränderten grundlegend, wie alles andere im Track funktionieren musste. Da wurde klar, dass die Synth-Elemente nicht bloß textural oder statisch sein durften – sie mussten sich bewegen und mit derselben Intensität nach vorne treiben wie der Rhythmus.
Mein erster Impuls war, mehr Layer hinzuzufügen, um dieser Energie gerecht zu werden. Aber mir wurde schnell klar, dass der Track dadurch nicht intensiver wurde, sondern einfach nur überladener. Er klang voller, fühlte sich aber nicht lebendiger an. Das ist eine Erfahrung, die ich beim Produzieren elektronischer Musik schon oft gemacht habe: Layering ist zwar eine einfache Lösung, aber nicht immer die richtige.
Ich arbeite oft nach dem Prinzip „Produktion durch Subtraktion“ – ich nehme so viel wie möglich weg, während die eigentliche Emotion und Identität des Tracks erhalten bleiben. Statt noch mehr Parts hinzuzufügen, war es viel wirkungsvoller, sich auf Bewegung und Entwicklung innerhalb des bestehenden Sound-Designs zu konzentrieren und durch subtile Veränderungen bei Textur, Dynamik und Modulation Momentum zu erzeugen. Auf diese Weise konnte sich die Intensität des Tracks gezielter und musikalischer aufbauen, ohne seine Essenz zu verlieren.
Profi-Tipp von New Constellations: Hab keine Angst vor Experimenten. Etwas, worüber Produzent*innen und Musiker*innen extrem oft sprechen, sind „Happy Accidents“ – glückliche Zufälle, die ganz spontan passieren und am Ende einen riesigen Unterschied für den Song machen. Solche glücklichen Zufälle können aber nur entstehen, wenn man den Mut hat, Fehler zuzulassen. Experimentieren ist dafür der Schlüssel.
Wie hat dir Massive X dabei geholfen, sich entwickelnde Parts zu gestalten, die mit dem Song mitwachsen, ohne den Mix zu überladen?
Die Modulation in Massive X ermöglicht fantastische Bewegungen. Anschwellende und morphende Pads sind meine absoluten Favoriten. Sie verleihen dem Track ein echtes Eigenleben, sodass die Synth-Sounds atmen und im Verlauf des Songs ganz unterschiedliche Formen annehmen.
In Massive X lässt sich fast jeder Parameter modulieren, was unglaublich viel Spaß macht und zu großartigen Ergebnissen führt. Ich liebe vor allem das Voice-Randomization-Feature. Manchmal wirkt Modulation etwas roboterhaft und seelenlos – durch die Voice-Randomization bekommen die Sounds jedoch ein Eigenleben und einen Charakter, der sich für mich viel organischer anfühlt.
Große, opulente Pads können im Mix extrem viel Raum einnehmen. Dadurch kann der Mix schnell matschig werden, weil verschiedene Sounds um denselben Frequenzbereich konkurrieren. Mit Massive X lassen sich Sounds kreieren, die sich über die Zeit langsam verändern – durch sanfte Modulation statt durch zusätzliches Layering. Indem man Elemente wie Filter, Klangfarbe und Effekte schrittweise moduliert, wächst der Sound mit dem Song mit und bleibt trotzdem aufgeräumt und transparent im Mix: eine Bewegung, die sich über die Zeit wandelt, aber in puncto Frequenzen, Raum und Dynamik fokussiert bleibt.
Super 8 besitzt einen sehr direkten Charakter. Wo fand das Instrument in „Secret Safe“ seinen Platz im Vergleich zum tiefer gehenden Sound-Design in Massive X?
Bei „Secret Safe“ dreht sich alles um Nostalgie – um die Erinnerung an gute alte Zeiten mit Freund*innen. Super 8 klingt warm, satt und klassisch wie ein analoger Vintage-Synth, mit einem wunderbaren Retro-Feeling. Mir war sofort klar, dass das der perfekte Sound war, um die emotionale Stimmung des Tracks zu untermalen.
Ich liebe die Zupfsounds, die man mit Super 8 erzeugen kann. Ich habe ihn für das zentrale Pluck-Motiv eingesetzt, das sich durch den gesamten Song zieht. Er liefert genau diese warmen Vintage-Plucks, nach denen ich gesucht hatte. Außerdem habe ich damit den pulsierenden Basssound gebaut, der den Track durchzieht.
Profi-Tipp von New Constellations: Genieße den Prozess. Das Wichtigste am Künstler*innendasein ist, einfach Künstler*in zu sein. Die beste Kunst und der echteste Ausdruck entstehen, wenn man das tut, was man liebt. Wenn du Freude am Entstehungsprozess hast, gibt es kein Scheitern – denn das eigentliche Ziel ist es, das zu machen, was du liebst. Alles andere ist nur das Sahnehäubchen.
Wie findest du im selben Track die Balance zwischen der Schlichtheit von Super 8 und den komplexeren Modulationsmöglichkeiten von Massive X?
Ich nutze Super 8 am liebsten für die musikalischen Hauptelemente wie Akkorde, Pads, Bässe oder Leads. Sein schlichter, warmer und nostalgischer Sound sorgt dafür, dass der Track geerdet und eingängig bleibt. Er verleiht dem Song ein klares emotionales Zentrum, ohne zu viel Bewegung oder Komplexität hineinzubringen.
Massive X hole ich dann dazu, um Bewegung und subtiles Leben um diese Parts herum aufzubauen. Er übernimmt sich langsam entwickelnde Texturen, feine Modulationen und Details, die einem vielleicht nicht sofort auffallen, den Track aber lebendig machen. So bleibt Super 8 stabil und aufgeräumt, während Massive X für Tiefe sorgt und die Sache spannend hält, ohne dass es überfrachtet wirkt. Es geht wirklich darum, jedem Synth genau die Rolle zu geben, die er am besten beherrscht – und dafür zu sorgen, dass der Sound organisch wächst, statt die Hörer*innen zu überfordern.
Mit Blick auf das kommende Album: Wie setzt „Secret Safe“ die Marschrichtung dafür, wie Sound-Design und Emotion künftig zusammenspielen sollen?
„Secret Safe“ ist in puncto Genre und Sound-Design gewissermaßen ein Ausreißer. Der Song besetzt genau den Raum, den das Album braucht – ein energiegeladener Moment ganz am Anfang, der die Hörer*innen sofort packt und von der ersten Sekunde an für Dynamik sorgt.
Aber darüber hinaus bereitet der Track meiner Meinung nach den Weg für den Rest des Albums, indem er Sound-Design ganz bewusst emotional einsetzt. Jeder Sound, jede Synth-Auswahl, jede Textur soll die Texte und das dahinterliegende Gefühl unterstützen. Genau dieses Prinzip wollte ich für das gesamte Album beibehalten: Sound-Design nicht als reine Deko zu begreifen, sondern als Mittel, um die Emotionen der Songs zu verstärken, zu spiegeln und zu würdigen.
Fazit
Mit „Secret Safe“ verfeinern New Constellations weiter das, was ihre Musik so besonders macht: emotionale Ehrlichkeit, getragen von technischem Können. Ihre Freundschaft, gewachsen in über 15 Jahren gemeinsamer Entwicklung, bleibt der leise Motor hinter ihrer Musik. Indem sie Experimentierfreude leben und Raum für Unvollkommenheit lassen, stellen sie das Gefühl immer in den Mittelpunkt ihres Sounds.
Die Single markiert nicht nur ein neues Kapitel für das Duo, sondern setzt genau das fort, was sie schon immer ausgezeichnet hat. In einer Kultur, die von Kontrolle besessen ist, wirkt ihre Bereitschaft, sich vom Unvorhersehbaren leiten zu lassen, herrlich erfrischend und zutiefst menschlich.
