Le duo originaire de Portland New Constellations compose avec un instinct personnel, authentique et profondément humain. Les amis de toujours Harlee Case et Josh Smith créent ensemble depuis plus de quinze ans, façonnant un univers sonore qui conjugue nostalgie et clarté moderne. Leur dernier single, « Secret Safe », sorti sur le label Nettwerk, illustre parfaitement cet équilibre.
Le morceau reflète une continuité à la fois artistique et émotionnelle. Composé durant une période de transition alors que des amis proches s’éloignaient, « Secret Safe » transforme la distance en connexion et le changement en affirmation. C’est un rappel que la création fait souvent écho aux relations de la vie : elles évoluent, s’étirent et conservent leur essence même avec le temps qui passe.
Derrière la chaleur de sa mélodie se cache un processus de production fondé sur la curiosité.
Accède directement aux différentes sections :
- Trouver l’ancrage émotionnel du morceau
- La production par soustraction
- Créer des parties évolutives avec Massive X
- Apporter de la chaleur rétro avec Super 8
- Trouver l’équilibre entre simplicité et complexité
- Donner le ton pour l’album
Le duo s’appuie sur l’expérimentation et les heureux hasards comme principes fondamentaux, inscrivant des moments d’imperfection au cœur même de l’ADN de ses morceaux. Son workflow associe intuition technique et intention émotionnelle, en s’appuyant sur des outils de Native Instruments tels que Super 8 et Massive X pour explorer les textures tout en gardant l’écriture au centre.
Quand vous avez commencé à écrire « Secret Safe », quelle émotion vouliez-vous que la production véhicule avant même de penser au choix des synthés ?
« Secret Safe » est né avec ce motif de synthé initial : cette ligne de synthé en plucked répétitive que l’on entend au tout début. Au départ, nous ne savions pas vraiment ce que le morceau allait devenir. Dès qu’Harlee s’est mise à chanter et à explorer les premières idées vocales, l’identité émotionnelle du morceau a réellement commencé à se révéler.
Ce qui s’est imposé presque immédiatement, c’est un profond sentiment de nostalgie. C’était introspectif et un brin doux-amer, mais en même temps chaleureux et familier, comme lorsqu’on se remémore des amitiés et des moments partagés en réalisant comment ces liens évoluent avec le temps. Cette dimension émotionnelle est devenue le point d’ancrage de la production avant même de fixer le moindre choix de synthé.
Une fois ce sentiment bien défini, le processus de production s’est apparenté davantage à de l’écoute qu’à de la construction. Il s’agissait de laisser au morceau l’espace nécessaire pour grandir naturellement. En laissant l’émotion guider la démarche, tout le reste s’est mis en place beaucoup plus facilement.
À quel moment avez-vous réalisé que le morceau avait besoin de mouvement au cœur même des sons plutôt que d’accumuler les couches pour gagner en intensité ?
Dès que nous avons ajouté la batterie, le morceau a radicalement changé de dimension. Ce qui ressemblait au départ à une ballade lente et introspective a soudain pris une dimension d’urgence et une véritable dynamique vers l’avant. La batterie de style breakbeat a modifié la manière dont tous les autres éléments devaient interagir dans le morceau. À ce stade, il est devenu évident que les synthés ne pouvaient pas se contenter d’être de simples textures statiques : ils devaient bouger et progresser avec la même intensité que le rythme.
Mon premier réflexe a été d’ajouter des couches supplémentaires pour égaler cette énergie, mais je me suis très vite rendu compte que cela ne rendait pas le morceau plus intense, juste plus surchargé. Le titre s’épaississait, mais sans paraître plus vivant pour autant. C’est un écueil auquel j’ai souvent été confronté en produisant de la musique électronique : superposer les couches est une solution facile, mais ce n’est pas toujours la bonne.
Je travaille souvent selon ce que j’appelle une « production par soustraction » : retirer un maximum d’éléments tout en préservant l’émotion centrale et l’identité du morceau. Au lieu d’ajouter de nouvelles pistes, il m’a semblé bien plus efficace de me concentrer sur le mouvement et l’évolution au sein du design sonore existant, en utilisant de subtiles variations de texture, de dynamique et de modulation pour créer de l’élan. Cette approche a permis au morceau de monter en intensité de manière plus délibérée et musicale, sans rien perdre de son essence.
Le conseil de New Constellations : N’aie pas peur d’expérimenter. Les producteurs et les musiciens parlent très souvent d’« heureux hasards », ces moments imprévus ou accidentels qui finissent par transformer un morceau. Impossible d’avoir ces heureux hasards si tu as peur de faire des erreurs. L’expérimentation est la clé.
Comment Massive X vous a-t-il aidés à concevoir des parties évolutives capables de grandir avec le morceau sans encombrer le mixage ?
La modulation dans Massive X offre des possibilités de mouvement tout simplement incroyables. Les nappes amples et mouvantes sont mes préférées. Cela permet véritablement au morceau de vivre de lui-même, avec des sons de synthé qui respirent et prennent différentes formes tout au long de la chanson.
Massive X permet de moduler presque tous les paramètres, ce qui est extrêmement amusant et donne parfois des résultats saisissants. J’aime tout particulièrement la fonction Voice randomization. La modulation peut parfois sembler robotique et sans âme ; cette fonction d’aléatoire sur les voix apporte aux sons une vie et un caractère qui me semblent beaucoup plus organiques.
De grandes nappes luxuriantes peuvent occuper énormément d’espace sonore dans un mixage. Cela risque de brouiller le mix, car les sons se disputent la place. Massive X permet de créer des sonorités qui évoluent lentement dans le temps, grâce à une modulation subtile plutôt qu’à l’accumulation de couches. En modifiant par petites touches des éléments comme les filtres, le timbre et les effets, le son peut grandir avec le morceau tout en restant net et précis dans le mix : un mouvement qui évolue au fil du temps mais reste maîtrisé en termes de fréquences, d’espace et de dynamique.
Super 8 possède un caractère très direct. Quelle a été sa place dans « Secret Safe » par rapport au travail de design sonore plus poussé mené sur Massive X ?
« Secret Safe » est une chanson entièrement imprégnée de nostalgie. Elle parle du souvenir des bons moments passés entre amis. Super 8 offre un son chaud, épais et classique, à l’image d’un synthé analogique à l’ancienne, avec une touche rétro et nostalgique. Je savais que ce serait le son idéal pour accompagner l’émotion du titre.
J’adore les sons de type « pluck » que l’on peut générer avec Super 8. Je l’ai utilisé pour le motif principal de pluck qui tourne en boucle tout au long du morceau. Il produit exactement ces sonorités percussives vintage que je recherchais. Je m’en suis également servi pour créer la ligne de basse pulsée qui traverse tout le titre.
Le conseil de New Constellations : Prends du plaisir dans le processus. La première chose à faire quand on est artiste, c’est simplement de créer. Les meilleures œuvres et expressions naissent d’artistes qui font ce qu’ils aiment. Si tu prends du plaisir dans ce que tu fais, l’échec n’existe pas : le seul but est d’aimer ce que tu fais, le reste n’est que du bonus.
Comment équilibrez-vous la simplicité de Super 8 et les possibilités de modulation plus complexes de Massive X au sein d’un même morceau ?
J’aime utiliser Super 8 pour les éléments musicaux principaux comme les accords, les nappes, les basses ou les leads. Son rendu simple, chaud et nostalgique permet de garder le morceau ancré et facile à suivre. Il lui confère un centre émotionnel clair sans surcharger en mouvements ou en complexité.
Ensuite, j’intègre Massive X pour insuffler du mouvement et une touche de vie subtile autour de ces éléments. Il prend en charge les textures qui évoluent lentement, les légères modulations et ces détails que l’on ne remarque pas forcément au premier abord, mais qui rendent le morceau vivant. De cette façon, Super 8 reste stable et lisible, tandis que Massive X apporte de la profondeur et maintient l’intérêt sans donner l’impression de surcharge. Il s’agit vraiment de laisser chaque synthé faire ce qu’il fait de mieux, et de veiller à ce que le son se développe naturellement plutôt que de submerger l’auditeur.
En pensant à l’album complet à venir, en quoi « Secret Safe » donne-t-il le ton de la façon dont vous souhaitez faire dialoguer le design sonore et l’émotion ?
« Secret Safe » est un peu à part en termes de genre et de design sonore. Il occupe un espace essentiel au sein de l’album : un moment d’énergie au début qui capte véritablement l’auditeur et insuffle une vraie dynamique dès le départ.
Mais au-delà de cela, je pense qu’il pose les bases d’une approche du design sonore guidée par l’émotion pour tout le reste de l’album. Chaque son, chaque choix de synthé, chaque texture a pour but de soutenir le propos des paroles et le sentiment qui les sous-tend. Pour la suite, je voulais appliquer ce même principe à l’ensemble de l’album : utiliser le design sonore non pas comme un simple ornement, mais comme un moyen d’amplifier, de refléter et d’honorer l’émotion des chansons elles-mêmes.
En résumé
Avec « Secret Safe », New Constellations continue d’affiner ce qui rend son univers si singulier : une sincérité émotionnelle appuyée par une réelle maîtrise technique. Leur amitié, forgée au fil de plus de quinze ans d’évolution partagée, reste le moteur discret de leur musique. En embrassant l’expérimentation et en restant ouverts à l’imperfection, ils placent plus que jamais l’émotion au cœur de leur son.
Ce single annonce non seulement un nouveau chapitre pour le duo, mais aussi la continuité de ce qui l’a toujours défini. Dans une culture obsédée par le contrôle, cette volonté de laisser l’imprévu guider la création apporte un souffle rafraîchissant et profondément humain.
