Comment parles-tu de la musique de film ou de jeu vidéo que tu aimes ? S’agit-il d’un score, d’une bande originale ou d’une OST ? Ton extrait préféré est-il une chanson ou un cue ? Dans cet article, nous allons explorer ces termes spécialisés en nous penchant sur la confusion la plus fréquente : la différence entre un « score » et une « soundtrack ».
Distinguer clairement ces deux notions n’est pas si simple. Pour y voir plus clair, nous allons examiner les différents éléments musicaux qui font la réussite d’un film et explorer les approches sonores adoptées par divers réalisateurs et dans plusieurs genres. Enfin, nous passerons en revue certains des meilleurs scores et des meilleures bandes originales de films, qui illustrent chacun à leur façon la différence entre ces deux formats. Après cela, le débat « score contre soundtrack » sera définitivement tranché.
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Quelle est la différence entre un score et une soundtrack ?
Un score est la musique originale composée spécialement pour un film, créée sur mesure pour accompagner l’action à l’écran. Il est souvent écrit par un seul compositeur et traditionnellement interprété par un orchestre, même si aujourd’hui un score peut faire appel à toutes sortes d’instruments.
Une soundtrack (ou bande originale), en revanche, désigne une sélection de chansons ou de morceaux de musique préexistants utilisés dans un film. Lorsqu’on parle de la bande originale d’un film, on peut faire référence à la chanson pop qui accompagne le générique de fin, au tube disco diffusé pendant une scène de boîte de nuit, ou à l’utilisation des Quatre Saisons de Vivaldi pendant une course-poursuite haletante.
« Soundtrack » (ou OST) est également le terme utilisé pour désigner l’album commercial regroupant la musique d’un film.
Voilà la manière la plus simple de distinguer score et soundtrack. Mais plusieurs nuances importantes méritent d’être précisées. Découvrons-les ci-dessous.
Qu’est-ce qu’un score ?
Le mot « score » désigne la musique originale composée pour un film, en particulier lorsqu’il s’agit de musique instrumentale. Si des chansons avec paroles sont écrites pour un film, comme dans une comédie musicale telle que Le Roi Lion, le terme « soundtrack » est généralement privilégié pour les décrire.
Le score d’un film est généralement écrit par un compositeur engagé spécialement pour le projet. Les plus grands compositeurs de musique de film, comme Bernard Herrmann ou John Williams, sont des musiciens renommés qui possèdent un talent exceptionnel pour décupler l’impact émotionnel d’un film par la musique. Les meilleurs scores portent souvent la signature sonore immédiatement reconnaissable de leur auteur. Quand les cinéphiles parlent de l’art de la musique de film, ils font généralement référence au score d’un film, ainsi qu’à l’artiste qui l’a composé.
Quand un morceau fait-il partie d’un score ?
Un morceau peut être considéré comme faisant partie d’un score lorsqu’il a été composé spécialement pour le film ou le jeu vidéo en question. Attention toutefois : les scores sont généralement instrumentaux (c’est-à-dire sans chant). Si un titre comprend des parties vocales, il est le plus souvent rattaché à la soundtrack du film, et non à son score.
De plus, une grande partie de la musique de film ne suit pas les conventions d’une « chanson », comme le fait d’avoir une mélodie facilement mémorisable ou une structure en couplets et refrains. Certes, nombre des meilleurs scores de films renferment des thèmes inoubliables et saisissants. Mais ils intègrent également de courts extraits musicaux conçus pour servir directement l’action à l’écran, par exemple pour assurer la transition entre deux scènes.
Ces passages musicaux sont cruciaux pour l’impact d’un score, mais ce ne sont pas des « chansons » au sens traditionnel. Pour cette raison, les différentes parties d’un score sont souvent appelées des « cues » plutôt que des morceaux.
Qu’est-ce qu’une soundtrack ?
Au sens le plus large, « soundtrack » (ou bande-son) peut désigner l’ensemble des éléments sonores d’un film, y compris la musique, les dialogues et les bruitages. Certaines personnes emploient d’ailleurs ce terme pour qualifier l’univers sonore global d’un film, et pas uniquement sa musique.
Le plus souvent, « soundtrack » décrit toutefois les morceaux ou compositions utilisés dans un film, en particulier s’ils n’ont pas été créés spécialement pour lui. De nombreux films font appel à des musiques préexistantes, comme des tubes pop bien connus ou des œuvres classiques célèbres, afin d’évoquer une ambiance ou une époque précise. C’est de cette musique dont on parle lorsque l’on évoque la soundtrack d’un film.
Constituer une bande originale relève souvent du rôle du superviseur musical (Music Supervisor), qui recherche les morceaux parfaits et négocie les droits d’utilisation pour le film.
Pour compliquer encore les choses, le terme possède une seconde signification qui recoupe la première. Lorsque la musique d’un film fait l’objet d’une parution commerciale, cet album est généralement appelé la « soundtrack » ou l’« OST » (Original Soundtrack).
Une OST rassemble généralement des extraits du score original, des morceaux préexistants utilisés dans le film, ou une combinaison des deux. Elle peut aussi intégrer des extraits de dialogues, des bruitages, voire des morceaux qui n’apparaissent jamais à l’écran, comme une chanson qui a simplement inspiré le réalisateur.
Les meilleures soundtracks (ou OST) offrent une expérience d’écoute captivante qui plonge l’auditeur au cœur de l’atmosphère du film. Chaque bande originale s’y prend à sa manière.
Score est-il un synonyme de soundtrack ?
Bien que les deux termes se recoupent en partie, un score n’est pas simplement un autre mot pour désigner une soundtrack. Comme nous venons de le voir, plusieurs indices évidents permettent de savoir s’il s’agit d’un score ou d’une soundtrack.
Si tu fais référence à la musique instrumentale originale composée pour un film ou un jeu vidéo, tu parles de son score. Si tu englobes les chansons et autres musiques sous licence intégrées au film, « soundtrack » est alors le terme le plus précis. Enfin, l’album musical publié en parallèle du film s’appelle également une soundtrack, ou OST.
Les jeux vidéo ont-ils des scores ou des soundtracks ?
Tout comme le cinéma, de nombreux jeux vidéo possèdent à la fois un score et une soundtrack. En règle générale, les jeux vidéo s’appuient davantage sur un score original que sur des morceaux existants sous licence (qui formeraient une soundtrack). D’ailleurs, beaucoup de scores de jeux vidéo n’ont rien à envier aux plus grands chefs-d’œuvre du cinéma : pense par exemple aux compositions inoubliables des franchises Final Fantasy et Zelda.
Garde toutefois à l’esprit que lorsque ce score fait l’objet d’une parution commerciale sous la forme d’un album, on parle de bande originale (soundtrack ou OST). L’OST d’un jeu vidéo peut proposer des musiques inédites absentes du jeu ou combiner le score avec des dialogues et des ambiances sonores pour recréer l’expérience du jeu.
Exemples de scores
La musique originale de film constitue l’une des grandes formes musicales du siècle dernier. Les meilleurs scores subliment l’image tout en bâtissant un univers sonore captivant qui se suffit à lui-même. Que ce soit grâce à des envolées mélodiques, des sonorités audacieuses ou des ambiances immersives, les grands scores restent gravés dans la mémoire bien après le visionnage. Il en va de même pour les jeux vidéo, même si les compositeurs de jeux ont souvent dû composer avec des contraintes techniques plus strictes. Voici quelques exemples de scores remarquables, issus du cinéma et du jeu vidéo.
Psychose
Ce classique de l’horreur signé Alfred Hitchcock est un parfait exemple de l’impact crucial d’un score sur un film. Cette scène mythique de la douche serait-elle aussi mémorable sans ses cordes stridentes et percutantes ? Composé par Bernard Herrmann, le score de Psychose a défini les codes sonores du cinéma d’horreur. Il a également su capter l’esprit des années 1960, lorsque les certitudes de l’après-guerre ont cédé la place à une vague de mutations sociales et culturelles. Le score de Bernard Herrmann prouve qu’une musique originale peut rayonner bien au-delà du film qu’elle accompagne.
Star Wars
Dans Star Wars, des visions futuristes se mêlent à un score inspiré du bon vieux temps. Pour ce blockbuster de science-fiction, le compositeur John Williams s’est tourné vers le passé en faisant revivre la puissance orchestrale épique de compositeurs classiques tels que Strauss et Wagner. Ce parti pris inattendu a joué un rôle déterminant dans le succès de la saga. La musique somptueuse et romantique de Williams rappelait au public que, malgré ce cadre fantastique, les films Star Wars racontaient des histoires universelles qui touchent tout le monde. Les scores de Star Wars doivent avant tout leur triomphe à leurs mélodies : des thèmes grandioses que des millions de spectateurs n’oublieront jamais.
Super Mario Bros.
Le score de Super Mario Bros., le premier jeu Mario sorti sur Nintendo Entertainment System (NES) en 1985, montre comment les contraintes peuvent stimuler la créativité. Le sound designer de Nintendo Koji Kondo a composé la musique sur un simple petit clavier, en composant avec les strictes limites de la puce 8 bits de la NES, qui n’autorisait que cinq canaux sonores et un choix de timbres très réduit. Malgré tout (ou précisément grâce à cela), Kondo a signé l’un des scores les plus inoubliables de l’histoire, débordant de rythmes bondissants et de mélodies entêtantes.
Halo
À mesure que l’industrie du jeu vidéo grandissait, l’ambition de ses scores grandissait aussi. Au tournant des années 2000, les compositeurs de jeux vidéo ont commencé à rivaliser avec l’envergure épique des plus grandes musiques de film. Le thème de Halo, jeu de tir de science-fiction de 1999, ne retient aucun coup : il associe un orchestre grandiose, des chœurs célestes et des guitares heavy metal énergiques. Les compositeurs Martin O’Donnell et Michael Salvatori ont su capturer l’esprit de l’époque en s’inspirant des tendances musicales du jeu vidéo, du cinéma et d’autres médias. Le score de Halo a prouvé qu’au XXIe siècle, le jeu vidéo allait devenir un moteur d’innovation majeur pour la composition musicale.
Exemples de soundtracks
Pulp Fiction
Pulp Fiction est l’exemple parfait d’une bande originale qui ne laisse rien au hasard. Plutôt que de commander un score original pour son film choral de 1994, le réalisateur Quentin Tarantino a sélectionné un éventail éclectique de morceaux sous licence. Des classiques intemporels comme « Son of a Preacher Man » de Dusty Springfield jusqu’au hip-hop et au surf rock survitaminé, chaque titre capture à merveille le style décalé du long-métrage. Sur l’OST, ces morceaux sont entrecoupés de répliques cultes du film. Le résultat est l’une des meilleures soundtracks de l’histoire du cinéma, et l’un des grands artisans du statut culte de Pulp Fiction.
2001 : l’Odyssée de l’espace
La musique de 2001 : l’Odyssée de l’espace a quelque chose de particulier. Le chef-d’œuvre de science-fiction de Stanley Kubrick possède le genre de soundtrack orchestrale et grandiose que l’on prendrait facilement pour un score original. En réalité, aucun morceau n’a été composé spécialement pour le film. Kubrick a préféré puiser dans le répertoire classique, depuis des œuvres romantiques grandioses telles qu’Ainsi parlait Zarathoustra de Richard Strauss jusqu’aux audaces sonores stupéfiantes du compositeur hongrois György Ligeti. La musique est essentielle pour installer l’atmosphère du film. Sans elle, bon nombre de ces longues séquences contemplatives perdraient de leur force. Et après avoir fait la connaissance de HAL, l’inquiétante intelligence artificielle du vaisseau, personne ne réécoutera la chanson « Daisy Bell (Bicycle Built for Two) » de la même manière.
Titanic
Lors de sa sortie en 1997, Titanic était le film le plus cher jamais réalisé, et son réalisateur James Cameron n’a pas lésiné sur la musique. Ce récit épique mêlant amour et tragédie s'appuie sur une somptueuse partition orchestrale composée par James Horner. Mais lorsque tu penses à la musique de ce film, tu penses sans doute à une chanson en particulier : « My Heart Will Go On ». Cette ballade déchirante est devenue le plus grand succès de la chanteuse Céline Dion, ainsi que le single le plus vendu de l’année 1998. Même si elle a également été composée par Horner, son statut de tube pop à part entière la distingue de la partition instrumentale du film. Titanic montre à quel point la frontière entre « score » et « soundtrack » peut devenir floue — et comment une mélodie imparable peut déplacer des montagnes.
Le Roi Lion
Les films musicaux constituent un cas particulier dans la distinction entre score et bande originale. Bien que les chansons créées pour une comédie musicale soient généralement originales et composées sur mesure, l’utilisation de parties vocales et la forme même de chanson (couplets et refrains) les font basculer dans le registre de la « soundtrack ». Dans Le Roi Lion, ces morceaux — écrits par Elton John et Tim Rice — alternent avec la partition hollywoodienne épique de Hans Zimmer. Les deux facettes de ce puzzle musical sont emblématiques, mais ce sont ces chansons terriblement entraînantes — comme « Circle of Life » et « Hakuna Matata » — qui confèrent à la bande originale du Roi Lion son statut légendaire.
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