オーストラリア・アデレード出身のAvalon Kaneは、感情とテクニックを切り離して考えることはありません。それどころか、片方を迂回してもう片方を表面化させるようなツールを活用しています。彼女のニューシングル「The Only One Who Knows Me Is Me」は、2024年のアンビエントで内省的なアルバム『Solace』から始まったコンセプチュアルな2部作の後半を飾るLP『Dissension』の幕開けとなる作品です。浮遊感に満ち瞑想的だった前作に対し、『Dissension』は荒々しく焼き尽くすようなサウンドで、インダストリアルなパーカッション、ボーカル処理、そして容赦なく押し寄せるざらついたシンセのテクスチャーが特徴です。
このプロジェクトにおけるKaneの楽曲制作へのアプローチは、使用するツールとともに変化しました。彼女が手にしたのは、ランダムなコード生成とレイヤーされたサンプルトリガーを中心に構築されたKontakt用の実験的インストゥルメント、Playboxでした。それは典型的なメロディックテクノやアンビエントエレクトロニカを作るためではなく、和声理論の知識を必要とせずに、直感的な感覚をそのまま完全な楽曲へと昇華させるためのものでした。その結果、音楽的に大胆でありながら、感情に直接訴えかけるアルバムが完成しました。
今回のインタビューでは、Kaneが『Dissension』全体でどのようにPlayboxを活用したのか、構成や直感について何を学んだのか、そしてコントロールを失うことなく違和感のある場所から曲を紡ぎ出すのにPlayboxがどう役立ったのかに迫ります。また、理論や慣習に依存せず、従来の枠にとらわれない作曲家が感情豊かなストーリーテリングを深める上で、こうしたツールがどのように力を与えてくれるかについても語ってもらいました。
セクション一覧：
- Playboxが『Dissension』の最もヘビーな瞬間の起爆剤となった理由
- 和声のルールから抜け出すきっかけ
- 感情の誠実さとランダム性の関係
- 音楽テクノロジーや制作との変化し続ける関係性
- 実験的ツールがアーティストのアイデンティティを導き、反映する方法
このような制作手法に対する彼女のスタンスは、器用に見せようとするものではなく、まるで生き残りをかけた切実な響きを持っています。彼女がどのようにしてそれを実現したのかをご紹介します。
Playboxを使った普段の楽曲制作セッションがどのような流れで行われるのか教えていただけますか？
スタジオで作曲やレコーディングをするときは、Logic Proを使っています。ここ数年、新しいプロジェクトやアイデアを始めるときは、いつもPlayboxを最初のインストゥルメントとして使っています。コード進行の手探り感を大幅に減らしてくれて、技術的な側面よりもサウンドや感情そのものに集中できるからです。
セッションにPlayboxを立ち上げたら、まずはグローバルマスターサウンドを上から下まですべてスクロールして聴いていきます。フィルターで絞り込むこともできますが、一度聴いたことがある音でも文脈が変われば新しい曲の中でまったく新しい意味を持つことがあるので、一つずつ聴いていくのが好きなんです。普段のセッションでは、すぐにピンとくるものが1つは見つかります。あるいは、求めている要素の一部が含まれていることもあります。Playboxの素晴らしいところは、非常に細かくエディットできる点です。気に入った要素が少しでもあれば、そこから発展させて必要なサウンドを作り上げることができます。
例えば今回は、322種類あるプリセットの中で私のお気に入りの「Genesis」を例に挙げましょう。あのサウンドは異次元の素晴らしさです。あのサウンドをデザインした方に感謝したいですね。一生愛用します！笑。サウンドを変化させる重要な3つのセッティングが、Chords、Samples、そしてFXの各エリアです。
作曲中、大抵の場合はこれらの設定を変える必要すら感じませんが、多くのアーティストと同じように、自分らしさを加えて独自のサウンドに仕上げたくなりますよね。私が特にいじるのが好きなのはサンプルエリアです。設定を変えたりサウンドを探したりして何時間でも過ごせてしまいますが、これだという音に出会えたらすぐに作業を進めます。Playboxの魅力は、8つの鍵盤だけを扱えばいいという点です。ビートやメロディを構築するエレクトロニックアーティストにとって、パターンやコード進行を作成するときに8つの鍵盤だけで作業できるのは本当に楽なんです。
Playboxのコード設定は、伝統的な楽譜をベースにしていないアーティストにとってまさにゲームチェンジャーです。私は楽譜を読めますが、あまり好きではありません。耳で聴いて判断する方が好きですし、コード進行を熟知できるほど長く勉強してきたわけでもありません。だからPlayboxは私にとってとっておきの宝物なんです。コード設定は、音楽的に機能するパターンとしてグループ化されています。作曲するときは、まずサウンドを見つけてサンプルの設定とFXを仕上げてから、コードセクションに移ります。そして納得のいく響きが見つかるまで、コードパターンを使って即興で演奏してみるだけです。特に曲作りで行き詰まっているときなど、まるで代わりに曲を書いてくれているかのようです。曲作りが再び楽しいものになります！
ひと通り選び終えたら、レコーディングのプロセスはとてもシンプルです。エディットにはLogicの普段使っているプラグインを自由に使えます。アクセントをつけるために、サウンドにアルペジエーターを追加したり、NIのフィルターを重ねたりするのも気に入っています。
Avalon Kane直伝のプロの技：Playboxは究極のコードファインダーであり、クリエイターでもあります。音楽の学びを深めることもできますし、コード構築のプロセスをシンプルにして素早くトラックを仕上げるために頼ることもできます。コードパターンを覚えるプレッシャーなしでシンプルな8鍵のライブセットアップを組みたいなら、設定からすべてのコードを外して独自のコードを入れることだって可能です。一度ロードしてしまえば自動で動いてくれるので、鍵盤を押すだけでコードが鳴ります。セットアップさえ済ませれば、あとはPlayboxにおまかせです！
Playboxが何をしているのかリバースエンジニアリングして音楽理論を解き明かそうとすることはありますか？それとも感覚重視のモードでいる方が好きですか？
私は完全に感覚派ですね。音楽理論は得意ではありません。
あらゆる理論を避けて感情そのものに直結できるなら、迷わずそうします。だからこそ、Playboxは私にとって非常に重要なツールなんです。技術を紐解いたり、不慣れな世界を手探りしたりする必要がありませんから。仕組みや構造を理解するために分解するのが好きなアーティストや、特にプロデューサーもいると思いますが、大半のクリエイターは頭の中にあるイメージを素早く形にしたいはずです。キャリアの初期には、聴きたい音ややりたいこと、アレンジのイメージをスタジオの人たちに伝えようとしましたが、自分が何を求めているかは自分にしかわからないため、思い描いた通りのビジョンが再現されることはありませんでした。
当時の私には、その世界を渡り歩くだけの技術的なスキルがありませんでした。Playboxは私に大きな自信を与えてくれました。これを使ってじっくり向き合えば、求めている結果が得られると確信しています。
Avalon Kane直伝のプロの技：ちょっとしたコツとして、ドラム音源だけでなく、Playboxのあらゆるプリセットサウンドを使ってベースビートを作ってみるのも面白いですよ。「Acid Etch」では実際にそうしました。私はドラムに効果音のような雰囲気を持たせ、少し変わった響きにするのが好きなんです。効果音にLogicのアルペジエーターを適用し、FXエリアのモジュレーション設定をいじってみてください。思いがけないサウンドが飛び出して、いい意味で刺激的な展開が生まれるかもしれません！evolving-relationship-with-music-tech
『Dissension』の中で、Playboxが和声の土台になっていると実感できる具体的な場面はありますか？
実はいくつかあります！中でも忘れられない出来事があります。「Red」の歌詞を書いた後、楽曲のアレンジに苦戦していました。スタジオに行ってプロデューサーと一緒に作業もしたのですが、かえって後退してしまいました。完成させようと無理に進めれば進めるほど、悪化していったんです。まだPlayboxを使い始めて間もない頃でしたが、現状を打開できるか試すため、自分のスタジオでPlayboxを使ったセッションをやってみることにしました。サンプルやコードを1時間ほどいじっていたとき、突然閃いたんです。「Red」のコードが耳に飛び込んできた瞬間、決まりました。なぜかアルペジエーターもオンになっていて、それが決定打となりました。
「Red」では、Playboxのプリセットを6層レイヤーして使いました。本当に魔法のようなサウンドです。大好きなGenesisを4つのレイヤーで使用し、レイヤーごとに異なるミックスを施すことで、それぞれに個性を持たせながらも一体感を生み出しました。本当に素晴らしいサウンドです。ツール横の小さなサイコロアイコンでコードレイヤーのサウンドやインストゥルメントスタイルをシャッフルし、ユニークなレイヤーを一つひとつ作っていきました。ベースとなるアルペジオのビートレイヤーには「Instant Pop」を使用しました。聴いた瞬間にこれだと確信した、曲のイントロにおける最も決定的な瞬間でした。あのサウンドを耳にしたとき完璧だとわかり、そこから創造性が一気に広がっていきました。「Kinda Blu」はデチューンされた幽玄なピアノエフェクトを加えてくれて、ほんの少し超自然的な雰囲気を醸し出してくれました。
まさに「Red」のテーマそのもののように。
Avalon Kane直伝のプロの技：Playboxの一番の良さは、コードとサウンドの組み合わせが見つかったら、コードはそのままキープして、サンプルやFXを変更しながらさらに音を作り込める点です。「Acid Etch」は完全にPlayboxだけで構築しましたし、最新アルバム『Dissension』に収録されている「Sever」や「The Only One Who Knows Me Is Me」も同様です。
2025年における「独学」の意味について、解いておきたい誤解はありますか？
「独学」と一口に言っても、さまざまな形があります。独学で音楽を学ぶ人の多くは、音楽と生き、音楽を呼吸し、確固たる職業倫理と学習意欲を持っています。それを実現するためなら、できることは何でもやります。音楽的な天賦の才に恵まれているとは限らないかもしれませんが、創造性はそこにあります。サウンドに対する、生来の感情があるのです。
私の場合、シンセサイザーは完全に独学で、それが後にピアノへと繋がっていきました。ただ、10歳から十代半ばまではギターのレッスンを受けていて、簡単な楽譜の読み方は習いました。楽譜を読むのは苦手でしたね。読めなくはなかったのですが、常に正しく演奏しなければならないという強いプレッシャーがありました。他人の曲を演奏するのがあまり好きではなかったんです。今振り返れば、自分がなぜソングライターであり、自分の曲を演奏することしか本当に愛せないのかがよくわかります。大人になってから趣味として再びレッスンを受けたとき、当時の先生が小さな音楽スタジオを持っていて、私はレッスンよりもそちらに興味津々だったことからもその理由がわかりました！
正直なところ、高校で音楽を学びたかったのですが、上級の音楽クラスでは楽譜通りに完璧に演奏することが求められ、即興の余地があまりないと聞かされていたため、恥をかきたくなくて9年生以降は敬遠してしまいました。その代わり、もっと楽しい道を選ぼうと小さなキーボードシンセを手に入れ、自宅で気が向いたときに自分のアレンジやサウンドを演奏するようになりました。何を弾くべきか誰にも指図されません。フルピッチで大音量の長いドローンを鳴らしたければ、そうすることができました。曲を完璧に演奏できないからといって落第させられる心配もありませんでした。
このように型にはまった音楽システムではなく、人々がただ自由に実験できる場がもっとあればいいのにと心から思います。それは私のファッションデザインのキャリアでもまったく同じでした！絵が描けなかったので、ファッションスクールには合格できないと分かっていました。創造的な探求が、自由な発想を妨げるような枠組みに縛られなければならないなんて、ナンセンスだと思います。
今では、両方のキャリアを自分なりのやり方で進めています。オルタナティブなアンダーグラウンドシーンのファッションスタイリストとして自分流を貫き、ピアノとシンセを独学で学んだアヴァンギャルドミュージシャンとして、世界中の才能ある多くのアーティストたちの中に自分の居場所があることを実感しています。
こうした新しいツールを探求する際、特に圧倒されそうになったときは、どのようなマインドセットを意識していますか？
自分に合った使い方を見つけるには時間がかかります。誰か、あるいはチームが、自分たちが最適だと思う形でこの素晴らしいツールを開発したわけです。すべての人に完璧にフィットするものを作ることはできません。どんなツールもそういうものだと捉えれば、順応して自分の制作フローを見出すことができます。Playboxの機能は大体理解したと思った矢先でも、いまだに新しい発見があります！そこがこのツールの魅力ですね。
アーティストとして私たちは常に成長し、学び続けています。だからこそ、1年前には使いこなせなかったものが、突然目の前に開け、新作で役立つ有意義なものになることがあります。だからこそ、キャリアを重ねるにつれてツールに何度も立ち返り、さらに深く探求することが大切なのです。また、リスクを冒してツールキットで別のやり方を試してみることも重要で、それが思わぬ宝物になることもあります。
Avalon Kane直伝のプロの技：Playboxのプリセットサウンドを複数レイヤーして使用する際の大きなヒントは、トラックを複製するときにPlayboxの画面を必ず閉じておくことです。Playboxを開いたままだと前のトラックの設定が変わってしまうことがあり、Logicで同じインストゥルメントの新しいサウンドを作るために設定を変更する前、「コピー、閉じる、新しいトラックで開き直す」といういつもの手順を横着して守らなかったせいで、ちょっとしたパニックになったことがありました。
また、サウンドエリアでサイコロをシャッフルして気に入った結果が出たら、必ず保存してください！数千もの変数があるため、一度失うと二度と同じ音を見つけるのは困難です。サウンドは必ず保存しておきましょう。
Playboxがもたらしてくれた、他の方法では決して得られなかった最大のクリエイティブなブレイクスルーとは？
コードパターンと、そのコードパターンをアップライトピアノへ書き起こせる機能です。多くのアーティストにとっては当たり前でシンプルなことに思えるかもしれませんが、私自身の音楽をさらに先へと進める上で、Playboxに大きく頼っています。コードパターンが完成したら、トラックで使ったコードのラインを一つひとつメモします。そこからコードを分解して、リードキーのソロパートを個別に作り出すことができるのです。また、コードキーに自分自身の独立した鍵盤パートを読み込むこともできます。これもPlayboxのツールキットにおける重要な機能の一つです。そこから、ピアノに向かうステップへと移っていきます。
私は将来のリファレンスやレコーディングのために、常に楽曲のシンプルなピアノバージョンを作ろうと試みています。Playboxのおかげで、より簡単にコードの照合作業ができるようになりました。無駄なコードパターンをあれこれいじる時間が大幅に削減され、素早く効率的にプロジェクトを進めることができています。それに、物事がうまく噛み合うと本当に嬉しいものです。Playboxは自分が思い描く通りのトラック作りをサポートしてくれますし、時間を無駄にしてフラストレーションを感じることもありません。私の作曲スタイルにとっても、楽曲のサウンドにとっても、Playboxは決して裏切らない究極のツールです。
お話しできてとても光栄でした。Playboxは私にとってまさにゲームチェンジャーであり、この音源が存在してくれていることに心から感謝しています！
まとめ
『Dissension』の制作を通して、Playboxがどのようにクリエイティブなパートナーとなったのかを解説してくれたAvalon Kaneに心から感謝します。このインストゥルメントは、彼女の制作プロセス全体を形作りました。感情の極限に突き動かされたプロジェクトの中で、Avalonは技術的な正確さではなく、純粋な誠実さを求めてPlayboxを頼りにしました。そうすることで、彼女は混沌を明確に表現するための手法を見出したのです。
固定化された枠組みを飛び越え、自身の直感に従う方法を模索するアーティストが増える中、Playboxはまさにその目的のために作られた稀有なツールであり続けています。
