DO YOU, el nuevo álbum de Felix Raphael, es un reflejo de matices emocionales que oscila entre la duda, la sanación y la plenitud de una manera cercana y con ritmo constante. A lo largo del disco, se percibe una intención clara de que cada sonido tenga un propósito. Ya sea una breve frase vocal o una larga sección de pads, todo habita en un entorno meticulosamente diseñado que pasa de una claridad terrenal a una elevación espacial total.
Ese sentido del equilibrio se traslada a su directo, donde Raum desempeña un papel clave a la hora de dar forma a la dinámica de la actuación. En lugar de usar ajustes de reverb estáticos prefijados en la sesión, Felix enfoca Raum como un instrumento en vivo, asignado a canales de retorno y modulado en tiempo real. Esto le da la libertad de sostener una frase, marcar el tono de una transición o incluso rediseñar la imagen estéreo delante del público.
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- Asignar Raum en canales de retorno
- Equilibrar emoción y control en directo
- Usar Raum para reflejar cambios emocionales
- Dar forma al espacio vocal en Creation
- La disciplina de la contención y el arte del espacio negativo
- Integrar hardware y software en el escenario
El resultado es un equipo que combina la profundidad del estudio con la presencia escénica, apoyándose en el control, la sutileza y la atención al espacio. Así es como Felix desglosa su enfoque con Raum, desde las sesiones de estudio hasta sus directos en el escenario.
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¿Cómo asignas el size, el decay y el mix de Raum para lograr transiciones fluidas en directo?
La magia está en los canales de envío.
Trato a Raum como un instrumento con dos buses de retorno dedicados: un retorno “Room” para una presencia íntima y un retorno “Atmos/Drones” para crescendos envolventes.
En el bus de sala, asigno el control de mix a un fader de largo recorrido con un rango moderado (aproximadamente 10–35 %). Mantengo el decay corto para poder realzar ligeramente la voz o la guitarra sin enturbiarlas.
En el bus Atmos/Drones, un único macro modula el size y el decay a la vez en curvas suaves, mientras que el pre-delay se mantiene en el rango de 20–60 ms para preservar la articulación. Trabajar con envíos a retornos en lugar de inserciones me permite controlar la profundidad de forma independiente respecto a la señal seca. Eso hace que las transiciones parezcan una puesta en escena —acercando o alejando a los músicos en un escenario imaginario— en vez de simplemente encender y apagar un efecto.
Para cambios más pronunciados, capturo la cola de un acorde o una consonante vocal con freeze en el bus Atmos/Drones y luego toco sobre ese colchón sostenido. Como Raum está optimizado para transiciones suaves y freeze responde de manera muy musical, puedo moldear ese pad ajustando el size sin clics ni ruidos. Es perfecto para dar fuerza a un estribillo o a una intro con texturas tipo drone.
Después, añado un sidechain. Mantengo el corte de graves en torno a 150–200 Hz y el de agudos entre 8–12 kHz, de forma que el pad sirva de apoyo a la mezcla en lugar de competir con ella.
Consejo profesional de Felix Raphael: Usa freeze como un instrumento. Asigna freeze a un botón de pulsación momentánea para capturar el final de una frase y tocar sobre un fondo infinito. Está pensado para transiciones fluidas y responde de maravilla al control en vivo.
¿Por qué incorporar Raum a tu directo y cómo logras que sea fiable?
El concepto de mi álbum DO YOU se sitúa en la intersección entre la duda, la sanación y la plenitud. Son emociones que pueden sentirse distintas cada noche. Quería una reverb que pudiera tocar en tiempo real, en lugar de ajustarla y olvidarme.
Eso no significa que no haya reverb en mis pistas de acompañamiento. Simplemente creo que contar con una reverb en vivo como Raum es una forma magnífica de crear ambiente. Es un instrumento de atmósfera para tocar en las partes más tranquilas de los temas. Uso freeze para marcar el tono, o tiempos de decay cortos para inundar toda la mezcla en el parón antes del drop. Eso hace que el impacto sea brutal cuando todo vuelve a sonar contundente y definido.
La fiabilidad es sobre todo una cuestión de arquitectura y contención. Solo uso Raum en retornos, lo que me deja un margen generoso de CPU. El mapeo es sencillo y con rangos limitados, para no inundar la mezcla por accidente en un subidón de adrenalina. Raum está pensado para responder bien al control en tiempo real, lo que lo convierte en un gran aliado en el escenario.
En cuanto a la función freeze, tengo un comando automatizado de “Freeze Off” mediante el controlador IAC al final de cada tema.
Consejo profesional de Felix Raphael: Trabaja con un sistema de dos retornos. Usa un retorno corto en modo Grounded para ganar presencia y otro más largo en modo Airy o Cosmic para ganar elevación. Haz un fundido cruzado entre los retornos en lugar de cambiar de algoritmo a mitad de frase.
¿Cómo te ayuda Raum a reflejar en directo los cambios emocionales de DO YOU?
Totalmente. El disco pasa del conflicto a la plenitud y al equilibrio. Utilizo los algoritmos de Raum para plasmar ese viaje en el espacio sonoro. Grounded me da intimidad y sinceridad para las frases más frágiles. Airy abre paso a la esperanza, dejando que las frases florezcan. Cosmic altera el tiempo y el espacio en esos momentos surrealistas en los que todo parece suspendido en el aire. Los espacios que crea Raum enmarcan las letras justo en el momento adecuado.
Eso no significa necesariamente que use Raum sobre todo para la voz. Me ayuda a definir el tono de un tema de formas muy variadas.
La función freeze resulta especialmente expresiva en este aspecto. Como freeze sostiene el contenido de la reverb de forma musical, puedo moldear el pasaje en tiempo real. Sobre todo antes de un drop, ya sabes, esos momentos de “manos en alto” tras un largo build-up. Raum me permite estirar ese instante todo lo que quiera. Después puedo estrechar la espacialidad o incluso la imagen estéreo, desembocando directamente en el drop.
Consejo profesional de Felix Raphael: Protege la claridad con el pre-delay: entre 20 y 60 ms mantienen los transitorios y las consonantes en primer plano mientras el espacio florece detrás.
¿Cómo configuras Raum para grandes transiciones vocales sin perder el control en directo?
En directo trabajo con un técnico de sonido que controla mis voces. Por lo general, mantiene la reverb del procesamiento vocal bastante corta.
Lo que también hago en ciertas partes —como la de Creation que comentas— es añadir una segunda reverb encima. Esa segunda instancia de Raum tiene un algoritmo, un pre-delay y un ajuste de decay diferentes. Así evito que todo se corte en seco cuando bajo el mando. También es fundamental configurar un sidechain desde la voz hacia la reverb. De este modo, la reverb no emborrona la voz más de la cuenta.
Consejo profesional de Felix Raphael: Limita el rango de tus mapeos. Fija valores mínimos y máximos para que la adrenalina del directo no te haga caer en un sonido embarrado.
¿Cómo sabes cuándo conviene dejar en paz la reverb durante una actuación?
Es importante definir la curva de la reverb antes del bolo. Y también hay que tener cierta contención. Si los elementos principales, como las letras o los transitorios, empiezan a perder nitidez, esa es la señal para no tocar la reverb. Mezcla alrededor del espacio ya creado en vez de añadir más. Limitar el rango del mix y del decay ayuda muchísimo: evita que te metas en un callejón sin salida en plena sesión.
También recomiendo pensar en términos de espacio negativo. Si la sala ya transmite emoción, aprovecha la dinámica y el fraseo para fluir con ella. Muchas veces, la decisión más valiente es no hacer nada. Deja hablar al espacio y resiste la tentación de acompañar cada crescendo con más reverb. El público percibe esa disciplina como seguridad, y además deja margen para que los momentos culminantes destaquen de verdad.
Aún estoy asimilando la importancia de esto, pero no cabe duda de que menos puede ser más. El silencio tiene una fuerza increíble.
Consejo profesional de Felix Raphael: Filtra las colas. Un corte de graves alrededor de 150–200 Hz y un corte de agudos en torno a 8–12 kHz mantendrán los pads cálidos y presentes como base, sin agudos estridentes ni frecuencias embarradas.
¿Qué consejo darías para equilibrar hardware y software en directo?
Diseña el equipo pensando en tus manos. He probado infinidad de configuraciones distintas con equipos y ubicaciones diferentes, y seguro que seguiré haciéndolo. Es algo que me gusta, pero no dejes de ensayar lo suficiente antes de cada bolo.
El cambio más importante fue quitar la típica mesa de DJ que tenía justo delante. Abrí mi montaje y eso abrió todo el escenario. Daba la sensación de tener a una banda conmigo en el escenario, con el público justo enfrente de nosotros.
Eso marcó un antes y un después, porque de repente estaba cerca de la gente y la energía era otra. Poner una mesa es comprensible porque resulta un refugio donde resguardarse, pero te quita libertad en escena. Al abrirlo todo, la sensación visual y sonora cambia por completo. Deja que el público vea y sienta lo que haces: la actuación gana muchísimo.
Los instrumentos reales, como una guitarra o un piano, son fantásticos. Aportan una intención física palpable tanto para ti como para el público. Un software como Raum sitúa esa intención en el espacio. Asignar roles claros hace que la configuración sea musical en vez de un laberinto de menús. Y, por supuesto, todo está controlado por la nave nodriza: el DAW. Es una pieza de software absolutamente crucial en un directo.
Prioriza la estabilidad frente a la cantidad de funciones. Menos instancias bien asignadas en retornos funcionan mucho mejor que una maraña de inserciones. Mantén margen en la CPU, cierra procesos en segundo plano y graba en audio las transiciones críticas como red de seguridad. Así, cuando te la juegues en directo, el sistema resultará “aburrido” en el mejor sentido posible. Y el público escuchará el arte, no la arquitectura técnica.
Consejo profesional de Felix Raphael: Usa retornos y cuida el margen. Ejecuta Raum en canales de retorno y no en inserciones para dejar margen de CPU.
A modo de resumen
DO YOU es un álbum pensado para el directo que se adapta a la energía de la sala. Raum ofrece a Felix las herramientas necesarias para moldear la reverb como parte del arreglo, no como un mero detalle de fondo.
Cada elemento del equipo cumple una función concreta. Los retornos gestionan la espacialidad, los macros se encargan de las transiciones y un filtrado meticuloso mantiene la nitidez tímbrica. Las decisiones tras este montaje se fundamentan en la práctica, la estabilidad y el control emocional, abriendo espacio para que la actuación fluya sin depender de automatizaciones. El objetivo no es impresionar con la complejidad, sino crear una configuración que garantice coherencia y un control fluido noche tras noche. Felix aplica a su equipo la misma contención que a sus arreglos, haciendo que cada decisión responda a un propósito claro.
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