Factor Eight lo construye absolutamente todo a partir de su voz.
Baterías, pads, líneas de bajo y atmósferas: todo surge de grabaciones vocales manipuladas digitalmente hasta convertirse en canciones acabadas. Su nuevo single, “Waiting for the End”, se compuso durante la etapa final de una relación de muchos años y canaliza ese momento a través de texturas superpuestas minuciosamente que evolucionan junto con el arco emocional de la obra.
Este método define su proceso tanto en sus proyectos personales como en su trabajo para medios audiovisuales. Se encarga personalmente de toda la cadena: la grabación de las tomas vocales, la edición, la mezcla y, en algunos casos, el mastering.
Pasa directamente a estas secciones:
- Equilibrar el procesamiento en una producción creada al 100 % con la voz
- Definir la claridad vocal sin renunciar a los matices emocionales
- Aprender a confiar en tu oído a través del proceso y los límites
- Cómo afecta a la transparencia emocional tener el control creativo total
- Usar Ozone para agilizar entregas profesionales
- Consejos prácticos para artistas que se autoproducen y rematan mezclas en solitario
En esta entrevista, Factor Eight desglosa su flujo de trabajo con el gain staging, explica cómo la claridad emocional influye en sus decisiones y da consejos a artistas que se autoproducen y quieren rematar sus temas bajo sus propios términos.
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¿Puedes contarnos cómo es el proceso de crear música usando únicamente voces?
Mi trabajo se divide en dos vertientes: la música que publico como artista y la que compongo para medios audiovisuales. En la música que publico, controlo cada paso del proceso y de la cadena salvo el mastering. En esa parte, tengo la enorme suerte de haber forjado una magnífica relación de trabajo con Matt Colton, empezando con el lanzamiento de mi álbum de 2020 A DØ.
En el terreno audiovisual, sencillamente no hay tiempo suficiente para mandar la música fuera a masterizar. Por eso, en ese ámbito he aprendido a controlar y llevar a cabo cada etapa, desde la conceptualización hasta el mastering. Puedo valorar los pros y los contras de ambos métodos de trabajo.
Hoy en día, toda la música que publico está creada usando exclusivamente mi propia voz. Grabo tomas de mi voz y las transformo digitalmente en cualquier elemento imaginable de una canción. Lo que parecen baterías, metales, sintetizadores y cuerdas surge, en realidad, de grabaciones vocales.
Dada la naturaleza de mi música basada en la voz, grabo, produzco y mezclo de una manera muy fluida e integrada. Cada paso influye en el siguiente. En casi todas mis piezas, empiezo con una sola grabación hecha con mi micro de condensador a válvulas, creando distintos sonidos vocales como “oohs” y “ahhs” en registros graves y agudos, y a veces algo de beatbox para que sirva de base para las baterías.
A partir de ahí, retuerzo y transformo digitalmente esos sonidos mediante varios plug-ins hasta conseguir el resultado que busco. En ese proceso de transformación, produzco experimentando con distintos plug-ins y efectos. Al mismo tiempo compongo troceando, superponiendo capas o repitiendo sonidos para crear acordes o melodías. Y encima de todo eso, mezclo modulando y controlando la resonancia y la dinámica. Todo ocurre a la vez.
Por este motivo, el gain staging no es necesariamente un paso específico e independiente en mi proceso, sino algo que va surgiendo de forma natural durante el propio acto creativo. Dicho esto, procuro asegurarme de tener el headroom adecuado en cada etapa: desde el nivel de grabación y el clip gain hasta el final de la cadena de procesamiento.
Cuando la pieza está casi terminada, a veces experimento con distintas herramientas de mezcla, ya sea para controlar la dinámica o para hacer destacar determinados elementos. Sin embargo, muchas veces acabo volviendo a la mezcla original que fue fraguándose de forma orgánica durante la creación del tema.
Este proceso varía un poco cuando compongo para tráileres, ya que ahí sí introduzco otros instrumentos y samples, pero sigo trabajando de un modo similar: componiendo, manipulando el audio y mezclando de forma totalmente integrada.
Consejo profesional de Factor Eight: No le tengas miedo a la ecualización. Una ecualización sutil puede marcar una diferencia enorme cuando llega el momento de pulir una mezcla: es una de las herramientas más potentes a tu alcance en cualquier etapa. Personalmente, si solo pudiera usar un único plug-in, sería un ecualizador.
¿Cómo contribuyen la reverb y los efectos a la atmósfera general de tus temas?
Al ser la voz el armazón absoluto de todo lo que compongo, el abanico de texturas y calidades sonoras vocales en mis creaciones es gigantesco. Al trabajar con las voces principales, me encanta tanto una voz muy seca y directa como una voz amplia, envolvente y cargada de efectos, con doblajes y capas de fondo para conseguir un resultado épico y contundente. Todo depende de lo que pida el tema, y creo firmemente en hacer caso a la intuición para tomar esa decisión.
Me inspira muchísimo gente como Trent Reznor. Su trabajo en bandas sonoras, y también con Nine Inch Nails, es célebre por sus voces tan características y secas. Me apasiona experimentar con contrastes muy marcados entre capas secas y procesadas dentro de una misma pieza: por ejemplo, usar una voz principal sequísima combinada con armonías totalmente empapadas de efectos, o al revés. También aprovecho los efectos al mezclar de esta forma como herramienta para crear y liberar tensión.
Por ejemplo, en la única pieza que he publicado en la que canto una letra, “Before the Fall”, mi voz entra al principio completamente seca, procesada de forma muy limpia y brillante, arropada por un solo elemento. Eso genera una sensación de máxima intimidad cuando escuchas la letra por primera vez a mitad del tema. Más adelante, en el clímax final, genero tensión con otros elementos, pero con un tratamiento épico y cargadísimo de efectos. Ahí uso varios doblajes y efectos como Haas, desfase, ecos y demás para construir el estribillo final más redondo y satisfactorio posible.
Consejo profesional de Factor Eight: Calidad antes que cantidad. Creo que contar con menos elementos, pero de altísima calidad, da mejores resultados. Si sientes que falta algo en una sección del tema, intenta reinventar un sonido existente en vez de limitarte a meter sonidos nuevos sin parar. No solo perfeccionarás tus dotes como productor, sino que además conseguirás que la pieza resulte más orgánica en sí misma, creando un universo sonoro en el que sumergirse en lugar de un collage ecléctico de sonidos inconexos que tal vez no casen entre sí.
¿Hubo algún punto de inflexión en el que te dieses cuenta de que podías fiarte de tus oídos tanto como de un estudio ajeno?
Antes me obsesionaban mucho ciertas reglas y me daba miedo romperlas; me fijaba más en lo que estaban haciendo mis plug-ins que en cómo sonaba la música. Durante una residencia musical en el Banff Centre, me liberé sin pretenderlo de esa limitación cuando las herramientas a las que estaba acostumbrado dejaron de funcionar como debían. Me vi obligado a adaptarme a trabajar con fuentes de audio muy limitadas y terminé descubriendo una forma nueva de producir. Eso hizo que mis herramientas se convirtiesen en una extensión de mi creatividad y de mi voz artística, en lugar de frenarla o empañarla.
Confiar en tu propio criterio auditivo es, probablemente, uno de los aspectos más esenciales al hacer música para mí. No solo es una herramienta impagable a la hora de mezclar, sino que además es una parte crucial del proceso artístico. Descubrir quién eres, qué es lo auténtico para ti y cómo expresarlo: para mí, de eso trata realmente el arte.
En la práctica, saber que algo suena bien importa más que lo que digan las cifras o los medidores, y aprender a confiar en ese instinto es como entrenar un músculo: hay que ejercitarlo.
Consejo profesional de Factor Eight: No te obsesiones con reglas fijas ni con tener cierto equipamiento. Está genial conocer la intrahistoria de tus temas favoritos, cómo se hicieron o cómo se consiguieron ciertos sonidos. Sin embargo, lo importante no es necesariamente el ajuste concreto que alguien hizo en la mezcla, sino que esa persona sabía qué resultado buscaba. Encuentra un método de trabajo con el que te sientas a gusto. Si funciona, funciona.
¿Crees que alcanzar la transparencia emocional es más difícil o más fácil cuando controlas toda la cadena?
Entiendo las dos posturas. Creo que cuando cuentas con mucha experiencia y formación tanto en producción como en mezcla, abarcar ambos terrenos se convierte en una extensión natural del proceso creativo. Por tanto, es una extensión de tu propia expresión personal.
Por otra parte, si no tienes tanta experiencia y aún no dominas bien estos campos, controlar todas las etapas acaba siendo un lastre que nubla lo que de otro modo sería tu voz auténtica. En ese caso, creo que puede ser mucho más provechoso colaborar con otro técnico de sonido o, como mínimo, buscar apoyo para plasmar tu visión.
Además, creo muchísimo en la magia de la colaboración. En el caso de la música que publico, a mí personalmente me encanta controlar toda la cadena hasta el mastering; en ese punto pongo mi obra en manos de Matt. Tras escuchar mi mezcla y el máster de referencia, él capta mi intención y le aporta un plus de pegada y carácter. También es un alivio delegar los últimos retoques y dejar que otra persona, que dedica toda su carrera profesional en exclusiva a esa fase de la cadena, haga su magia negra.
En cualquier caso, creo fundamental saber reconocer la diferencia y ser capaz de ser sincero con uno mismo. En un caso, tienes la libertad de canalizar una parte muy pura y directa de tu ser a través del arte. En el otro, terminas empañando y desluciendo lo que podría haber sido una pieza musical única y hermosa.
Para mí, la transparencia emocional es primordial, ya que todo mi trabajo tiene como objetivo concienciar sobre la salud mental. Empecé a hacer música usando solo mi voz como un paralelismo sonoro para empezar a hablar con mayor apertura sobre mi historia y mi camino en relación con la salud mental.
En 2018 decidí compartir mi experiencia conviviendo y superando los retos del trastorno bipolar, con la esperanza de que mi música y mi testimonio sirvieran de conexión y consuelo a quienes atraviesan dificultades parecidas. Y también para despertar empatía en quienes no lo han vivido. Hoy por hoy, la técnica y el proceso de producción vocal han madurado hasta convertirse en mi seña sonora de identidad como artista. Y la visibilización de la salud mental, exactamente igual.
Crear música siempre ha sido mi vía para procesar y canalizar emociones, en especial las más difíciles. Componer usando únicamente mi voz amplifica la transparencia emocional de mi obra y convierte el proceso y la experiencia en algo muchísimo más íntimo para mí. Ojalá eso logre conectar con quienes me escuchan.
Consejo pro de Factor Eight: En un mundo donde la IA puede crear música, creo que es aún más importante que encontremos nuestra propia voz artística y la expresemos. El arte consiste en conectar de persona a persona, inspirarse y comprenderse mutuamente. Tómate el tiempo necesario para descubrir y crear una paleta sonora que sea verdaderamente tuya y auténtica. Encuentra tu voz, confía en ella y aprende a compartirla con el mundo. Eso es lo que hará que la gente te escuche más que ninguna otra cosa.
¿Cómo te ha ayudado usar herramientas como Ozone a mantener los costes a raya mientras ofreces un nivel profesional?
Con el trabajo que hago componiendo para medios visuales, a menudo termino varias piezas por semana. A veces incluso varias en un solo día. Si tuviera que externalizar todo esto a ingenieros de mastering externos, no sería viable económicamente para mí.
Además, en parte de los proyectos en los que trabajo, la rentabilidad económica no siempre está garantizada. Por lo tanto, es fundamental que haga todo el trabajo por mi cuenta, desde la composición hasta el mastering, para que esta carrera profesional sea viable.
¿Qué consejo darías a los artistas autoproducidos que intentan terminar sus mezclas sin recurrir a ingenieros externos?
En primer lugar, aprende lo básico. Es fundamental comprender los principios de la mezcla antes de lanzarte a utilizar tus herramientas. De este modo, por mucho que cambien tus herramientas, tus conocimientos permanecerán, lo que te permitirá adaptarte a nuevas interfaces, a otros plug-ins o incluso a otros estudios. Disponer de las herramientas adecuadas marca una enorme diferencia, pero invertir en ti, que eres quien las controla, reportará beneficios muy significativos para tu carrera a largo plazo.
Aprende de verdad a confiar en tus oídos. Aunque ciertas “reglas” de mezcla existen por algo, aprende a fiarte de tu instinto e intuición. Es como un músculo. Si algo te suena bien, al final eso es lo único que importa. Cuando se trata de tu trabajo, se trata de tu propia expresión, y tú eres quien debe estar satisfecho con el resultado al final del día. Todo lo demás es secundario.
Consejo pro de Factor Eight: A veces se trata de apostar con fuerza por lo que mejor se te da y por aquello a lo que estás acostumbrado, pero en otras ocasiones simplemente tienes que romper con todo y probar algo completamente diferente. Podría dar como resultado algo inesperadamente hermoso. Deja que la magia del azar haga su trabajo.
Para terminar
Muchas gracias de nuevo a Factor Eight por dedicar tiempo a explicar su proceso con tanta claridad. Su enfoque basado únicamente en la voz es más que una simple decisión técnica. Es un método personal cimentado en la confianza en sus propios instintos, una minuciosa atención a los detalles y una visión a largo plazo que aúna su música y su mensaje.
“Waiting For The End” ya está disponible en todas las plataformas.
El vídeo aporta una dimensión más al lanzamiento, combinando movimiento, atmósfera y contención de una manera que refleja las decisiones de producción del tema. Es una magnífica adición a un repertorio en constante crecimiento que merece la pena revisitar.
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