El audio inmersivo está transformando nuestra forma de escuchar música. Pero para la ingeniera de sonido, docente e investigadora de doctorado Marcela Rada, de The Immersive Lounge (TIL), también está cambiando la forma misma en que creamos música. Para ella, se trata de un marco creativo que redefine la composición, los arreglos, las técnicas de grabación e incluso el modo en que los propios artistas escuchan su trabajo.
En esta entrevista, Marcela expone una vía práctica y centrada en el artista para iniciarse en la producción inmersiva, explica por qué la escucha crítica en una sala 7.1.4 es fundamental y detalla cómo mezclar para lograr una buena traslación en auriculares, barras de sonido, coches y salas multialtavoz.
Salta a estas secciones
- Por qué el audio inmersivo abre nuevas oportunidades creativas en la composición y los arreglos
- Por qué Marcela cree que la escucha crítica en 7.1.4 cambia la perspectiva del artista
- Qué cambia en el flujo de trabajo de grabación al capturar para inmersivo
- Cómo cree Marcela que quienes mezclan deberían enfocar Dolby Atmos
- El consejo de Marcela para evitar errores costosos
- Cómo quienes producen en casa pueden empezar hoy mismo con el audio inmersivo
- Por qué la comunidad y el conocimiento compartido son esenciales para el audio inmersivo
Por el camino, hablamos de iZotope RX para la separación de fuentes de sonido, de ideas equivocadas habituales y de cómo The Immersive Lounge está acortando la brecha de conocimiento.
¿Qué oportunidades creativas surgen al componer para audio inmersivo?
El audio inmersivo amplía el campo sonoro de maneras que pueden transformar la concepción de la música. Con frecuencia, los artistas acaban replanteando sus arreglos y estructuras rítmicas en cuanto empiezan a trabajar con esa sensación de movimiento y distancia. Recuerdo una sesión en particular donde, al haber tanto espacio disponible, decidimos incluir un coro entero. No se trataba de buscar el espectáculo: el espacio sencillamente permitía que la música lo acogiera de forma natural.
No se trataba de buscar el espectáculo: el espacio sencillamente permitía que la música lo acogiera de forma natural.
La preproducción a menudo se convierte en un momento de descubrimiento. En cuanto los artistas comprenden las posibilidades del formato, empiezan a componer teniéndolo en mente en lugar de tratar el audio inmersivo como algo añadido a posteriori.
Consejo pro de Marcela Rada: Cuando escuches cuánto espacio ofrece este formato, no te cortes a la hora de ampliar tu paleta. A veces eso puede traducirse en algo tan audaz como añadir un coro… y puede funcionar de maravilla.
¿Cómo cambia la perspectiva del artista con la escucha crítica en 7.1.4?
Las sesiones de escucha con artistas en una sala 7.1.4 calibrada y con auriculares son un proceso muy emocionante. Es una de mis fases favoritas de la producción musical. Me encanta comparar referencias en Atmos dentro del género del artista y centrarme en la percepción espacial: planos frontal, trasero y vertical por encima de la persona que escucha.
Por lo general, cuando los artistas escuchan detalles como la información de altura, empiezan a rediseñar la experiencia: qué se sitúa arriba, qué se mueve, qué permanece anclado.
Es un campo sonoro de 360 grados, que se diferencia del estéreo en muchos aspectos. Por ejemplo, te preocupas menos por el enmascaramiento, ya que las frecuencias dejan de pelearse por un espacio en la mezcla.
Consejo pro de Marcela Rada: Dedica tiempo en preproducción a escuchar de forma crítica en una sala calibrada. Ayuda a los artistas a imaginar su música de otra forma antes de empezar a grabar.
¿En qué se diferencia el flujo de trabajo de grabación en las sesiones inmersivas?
En TIL monitorizamos en 7.1.4 mientras grabamos, por lo que las decisiones de localización (elegir la posición de los elementos en la mezcla) se toman desde la primera toma. La estrategia de microfonía depende del proyecto, pero se mantienen dos principios:
- Captura la sala. Las configuraciones de micrófonos que recogen primeras reflexiones y ambiente ayudan a exteriorizar el sonido para quienes escuchen con auriculares más adelante; en otras palabras, da la sensación de estar en la habitación y no dentro de la cabeza.
- Separa fuentes siempre que puedas. Si ya sabes que la guitarra tiene que situarse totalmente a la izquierda a media altura y la voz en el centro, el aislamiento te da libertad en la mezcla. Cuando llegan stems de un proyecto estéreo, las herramientas de separación de fuentes resultan de gran ayuda.
Una herramienta como la separación de stems de iZotope RX puede ser una opción de referencia para aislar voces, baterías o instrumentos antes de su ubicación espacial.
Consejo pro de Marcela Rada: Intenta siempre separar las fuentes durante la grabación. Ahorra tiempo después y hace que la localización sea más precisa. Si necesitas separar audio a posteriori, RX es una opción fantástica.
¿Qué debería saber quien mezcla sobre Dolby Atmos, beds frente a objetos y la traslación de la mezcla?
Una diferencia clave para quienes se inician en el audio inmersivo es el uso de beds frente a objetos. Los beds de Atmos están limitados a 7.1.2, lo que los hace ideales para elementos estables como ambientes o micrófonos de sala. Cualquier elemento que deba moverse, posicionarse con precisión o aportar energía extra en altura debería ser, en cambio, un objeto. Los objetos no dependen de una configuración de altavoces concreta, por lo que tu intención artística se mantiene en diferentes sistemas.
Otra sorpresa es hasta qué punto hay que pensar en la traslación. Tu mezcla no se va a reproducir únicamente en una sala. Tiene que funcionar bien en binaural, reducciones a estéreo, barras de sonido, sistemas para coche y configuraciones multialtavoz. Los objetos suelen trasladarse de forma más predecible en todos estos formatos que las pistas fijas de bed.
Y aunque resulte tentador pasar la mayor parte del tiempo con auriculares, siempre conviene validar el resultado en altavoces antes de la entrega final. Los auriculares van genial para mezclar, pero los altavoces suelen revelar cómo respira la mezcla en el espacio.
Consejo pro de Marcela Rada: Utiliza objetos para los elementos que se mueven o necesitan precisión, y mantén el ambiente y las reflexiones en un bed de objetos.
¿A qué barreras se enfrentan los artistas independientes en el contexto del audio inmersivo y cómo pueden resolverse?
El mayor obstáculo, en mi opinión, es la brecha de conocimiento. Por ejemplo, muchos artistas independientes creen que tienen que pagar dos mezclas (estéreo y Atmos). Empieza con una mezcla en Dolby Atmos y luego genera la versión estéreo a partir de ella. Las necesidades de masterización pueden ser distintas, pero no te hacen falta presupuestos paralelos de mezcla ni aprobaciones para dos versiones independientes.
Consejo pro de Marcela Rada: Si vas a trabajar con audio inmersivo, no pagues dos mezclas. Empieza en Atmos y genera el estéreo a partir de ahí.
¿Es posible empezar hoy mismo con el audio inmersivo desde un estudio casero, y qué conviene saber al comenzar?
Totalmente. Activa Dolby Atmos en tu DAW (Logic Pro es la vía de acceso más rápida), coloca elementos por el campo sonoro y monitoriza en binaural con tus auriculares. Para producir y aprender, eso es suficiente. Para mezclar, compruébalo en una configuración de altavoces antes de darlo por terminado.
Oigo continuamente ideas equivocadas sobre el audio inmersivo, así que me gustaría aclarar algunas cosas que te pueden servir de ayuda al empezar.
Se suele decir que es algo del futuro, pero lo cierto es que ya está aquí. Hoy en día existen catálogos inmensos disponibles en Apple Music, Amazon Music y TIDAL.
Otro mito frecuente es que necesitas unos auriculares especiales. No es así. Cualquier par sirve para monitorizar en binaural. Por supuesto, si utilizas dispositivos adaptados a una plataforma, como los AirPods con Apple Music, es posible que disfrutes de algunas funciones adicionales, pero no es ningún requisito imprescindible.
Y, por último, hay quien piensa que una remezcla en Atmos suena automáticamente mejor. No siempre es el caso. Si una canción se concibió para estéreo, quizá suene mejor en estéreo. El audio inmersivo funciona de verdad cuando se diseña para inmersivo desde cero.
Consejo pro de Marcela Rada: Recuerda que inmersivo no significa automáticamente mejor. Funciona cuando se crea a medida del formato.
¿Por qué es fundamental crear comunidad para que el audio inmersivo crezca?
Mi investigación de doctorado trata sobre democratizar el conocimiento en torno a la producción inmersiva. Ahora mismo, gran parte de los requisitos y buenas prácticas se reducen a círculos muy cerrados: discográficas, desarrolladores o un reducido grupo de ingenieros. Quiero publicar flujos de trabajo y directrices que lo pongan al alcance de todo el mundo, para que más artistas y profesionales de la mezcla puedan trabajar al máximo nivel.
Por eso también estamos creando recursos en The Immersive Lounge. Publicamos vídeos introductorios, un boletín mensual, tutoriales y música. Porque, al final, la tecnología solo tiene sentido si hay música que escuchar. Si los artistas no graban discos en audio inmersivo, las herramientas y los dispositivos de reproducción pierden su razón de ser.
Consejo pro de Marcela Rada: Sin música y contenido creados específicamente para inmersivo, la tecnología puede perder su sentido. Son los artistas quienes deben impulsarla.
En resumen
El enfoque de Marcela Rada respecto al audio inmersivo demuestra que el formato plantea una manera distinta de pensar la música desde la primera escucha. Al fundamentar el trabajo de los artistas en la escucha crítica, animarles a grabar teniendo en cuenta el espacio y buscar mezclas que se trasladen con solidez a cualquier entorno, consigue que el audio inmersivo sea a la vez accesible y esté guiado por la visión artística.
Queremos dar las gracias a Marcela por compartir sus conocimientos y por demostrarnos que el audio inmersivo tiene tanto que ver con la imaginación creativa como con la precisión técnica.
