Tim McEwan, de The Midnight, enfoca la producción como un artesano, equilibrando la precisión del software moderno con la textura de las técnicas de grabación clásicas.
Para Syndicate, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, desarrolló un flujo de trabajo que conecta la calidez clásica con la pegada contemporánea. Las herramientas de Plugin Alliance se convirtieron en una parte fundamental de ese proceso, modelando el sonido de la batería, el bajo y el campo estéreo a la vez que mantenían las mezclas abiertas y musicales.
A lo largo de diecisiete temas, Syndicate canaliza la intensidad dramática de los sintetizadores analógicos y los arreglos cinematográficos a través de la precisión digital. El uso que hace McEwan de compresores, excitadores y saturación de cinta aportó a cada tema su propia personalidad, manteniendo a la vez la cohesión de todo el álbum.
El resultado es una colección que se siente a la vez inmensa e íntima, lo bastante detallada para escuchar con auriculares y lo bastante potente para el escenario de un festival.
Ir a estas secciones:
- La creación de Syndicate con Plugin Alliance
- Herramientas clave tras la pegada del disco
- Gestión de la amplitud y el movimiento estéreo
- Uso de plug-ins de estilo analógico para aportar calidez
- Lecciones de las emulaciones analógicas para productores emergentes
- Equilibrio entre herramientas de mezcla y decisiones de arreglo
En esta entrevista descubrimos cómo encajan estos plug-ins en su flujo de trabajo diario, cómo gestiona la amplitud y el contraste en la mezcla, y qué pueden aprender los productores emergentes al experimentar directamente con estas herramientas.
Descubre las herramientas de Plugin Alliance
Syndicate es uno de tus discos más ambiciosos hasta la fecha. ¿Cómo encajaron las herramientas de Plugin Alliance en el proceso cotidiano de crear un álbum de tal envergadura?
El catálogo de Plugin Alliance es amplísimo y tengo un montón de plug-ins suyos.
Utilicé ADPTR Sculpt en el bus de batería de muchos temas. Funciona como una solución integral para hacer compresión paralela y tratar los transitorios de la batería. A veces incluso lo ponía en el bus maestro solo para comprimir suavemente todo, controlar los transitorios y mantener la pegada, pero realzando las señales de bajo nivel para que tuvieran mucha más presencia y pasaran al primer plano de la mezcla.
Me encanta el SPL Transient Designer Plus. Es un diseñador de transitorios tan limpio y sencillo que llevo usándolo muchísimos años. También utilizo el SPL Vitalizer MK2-T; funciona como una unidad de saturación y distorsión fantástica. Lo he usado en buses de batería, bombos, cajas y, a veces, de forma muy sutil incluso en buses maestros. Y me encanta el compresor Vertigo VSC-2.
Es un compresor sumamente transparente. Lo he utilizado en todo tipo de elementos: voces, sintes, buses o bajos. Es capaz de controlar picos y comprimir todo con suavidad para compactarlo, o simplemente asegurarse de mantenerlo todo bajo control para subir el nivel principal y darle a todo un poco más de presencia. Es muy simple, muy limpio y suena fantástico.
Consejo profesional de Tim McEwan: Pon todo el bus maestro en mono durante la mezcla. Al llevarlo todo al centro, se verá claramente dónde la mezcla suena turbia y hay elementos que chocan entre sí.
¿Sueles recurrir siempre a los mismos plug-ins o cambia de un tema a otro según el rollo?
Suele ser lo mismo, pero en este álbum tuve más tiempo y margen para profundizar de verdad en las mezclas, y me di el lujo de dedicarles tiempo.
Así que estuve investigando un poco más. Hace poco compré el limitador True Peak de bx a través de Plugin Alliance, y es un limitador fantástico. He estado buscando diferentes limitadores y este es genial para todo. También uso el bx_clipper. Me encantan los clippers, y estos fueron a los que recurrí constantemente.
También tengo el excitador, el compresor de bus bx_townhouse bus compressor, el Mäag EQ4 para esa banda alta de “aire”, y el compresor Acme Opticon. El Acme Opticon es increíble en bajos y en cualquier elemento que necesite un control exhaustivo, pero aportando además textura, garra y saturación a la señal.
Tengo mis clásicos de cabecera, pero en este disco conté con mucho más tiempo y margen para experimentar, lo cual fue divertidísimo.
¿Cómo gestionas la amplitud y el espacio al apilar varias capas de sintetizadores? ¿Crees que los plug-ins de emulación analógica cumplen mejor esta tarea que las versiones estrictamente digitales de las mismas herramientas?
Como alguien que siempre ha buscado una mezcla muy amplia y con gran sensación estéreo, le meto chorus a casi todo. Me encanta la amplitud. He empezado a experimentar más dejando un par de elementos muy secos y totalmente en mono para mantener el contraste. Si lo abres todo, se pierde la perspectiva.
Por tanto, si lo tienes todo muy abierto y metes un sonido en mono puro que corta la mezcla con total claridad, eso ayuda muchísimo; o viceversa: dejas muchas cosas muy secas y, de repente, cuando añades un pad inmenso con reverb shimmer y chorus, la mezcla se abre y estalla en tus oídos de una forma increíble. Jugar con ese contraste es supereficaz, y lo he estado haciendo mucho más en los últimos dos años.
Consejo profesional de Tim McEwan: Usa soft clipping o hard clipping antes de la compresión para controlar los picos de transitorios de forma sutil y transparente en baterías, guitarras punteadas o bajos. Evita el soft o hard clipping en las voces.
A la hora de equilibrar texturas retro con un acabado moderno, ¿qué papel desempeñan los plug-ins de estilo analógico para mantener ese equilibrio?
Un papel enorme. A menudo añado saturación de cinta o emulación de cinta, como una grabadora de cinta con fluctuaciones, para aportar textura o grano y hacer que algo suene con vida propia. Algunos sonidos son superbrillantes y limpios, y así es como deben encajar en la mezcla, pero para la base instrumental y los cimientos siempre quiero añadir algo que los haga un poco más sucios, polvorientos, irregulares o ligeramente desestabilizados, porque creo que nuestros oídos reaccionan a las imperfecciones.
Todo se ha vuelto tan limpio en los últimos 30 años con la revolución digital. Se pueden hacer infinidad de cosas, pero veo por todas partes en la industria musical que intentamos por todos los medios volver a sonidos un poco menos perfectos y algo más sucios: siseo, ruido, imperfecciones. El oído y el cerebro se sienten atraídos por eso, y aporta una complejidad que me fascina.
Consejo profesional de Tim McEwan: Aprovecha la amplitud y el contraste: aplica chorus con una imagen amplia, pero mantén algunos elementos clave secos y en mono, o viceversa, para que los momentos de amplitud “estallen”.
Para los productores emergentes que quizá nunca toquen una mesa analógica, ¿qué pueden aprender al trabajar con estas emulaciones?
Pueden aprender que estos plug-ins sirven como herramientas para modelar un sonido.
La única manera de aprender es practicando: trastear con un plug-in y llegar a conocer a fondo su personalidad, cómo funciona y cómo reacciona ante determinadas señales y sonidos. Cada plug-in, cada compresor, cada ecualizador, cada unidad de saturación, cada reverb... todo es diferente y reacciona de una forma distinta según lo que le metas. Se vuelve divertidísimo en cuanto entiendes los puntos fuertes y débiles de un plug-in concreto, porque así cuentas con un abanico de herramientas mucho más amplio.
Siempre intento alternar mis herramientas. Con los sintes intento usar sintetizadores distintos de diferentes desarrolladores: Serum para un tema, Spire para otro, Diva, TAL, etc. Podrías usar Serum para todo y sonaría genial, pero todo procedería de la misma máquina y del mismo algoritmo, aportando el mismo tipo de color. Si varías, consigues el terreno despejado para una mezcla más nítida, porque cada fabricante, cada sinte y cada plug-in aporta un color, un grano y una textura ligeramente diferentes.
Tu mezcla te lo agradecerá. Tu yo del futuro te lo agradecerá, porque cada elemento tendrá su propio espacio de una forma distinta.
Mirando atrás hacia las sesiones, ¿cuánto de la cohesión o del carácter final atribuirías a las herramientas de mezcla en general frente a los arreglos y las propias interpretaciones?
Gran parte del mérito corresponde a las herramientas y al proceso de mezcla.
Desde que empezamos The Midnight, mis habilidades y conocimientos sobre mezcla han evolucionado muchísimo, y ahora entiendo mucho mejor las herramientas que utilizo. Las manejo mejor y, por tanto, resulta mucho más divertido.
Siempre intento tomar distancia y preguntarme cuál es la función de un sonido y qué debe conseguir, para luego dar con la mejor forma de lograrlo. Si tienes un bajo con muchos picos que necesita cortar la mezcla, ¿es cuestión de combinar compresión y luego ecualización? ¿Cuánto podemos colorearlo? ¿Cuánto podemos resaltar la personalidad de este sinte o bajo manteniéndonos fieles a su esencia pero haciendo que encuentre su propio hueco en la mezcla? Todo consiste en crear un espacio para un sonido concreto. Para mí, mezclar es eso.
Consejo profesional de Tim McEwan: Añade un sidechain muy sutil a la mayoría de los elementos (a las voces no) para que bombos y cajas conserven la pegada mientras subes los pads o teclados sin tapar la batería.
En resumen
La filosofía de mezcla de McEwan gira en torno a la curiosidad y el control. Trata cada compresor, limitador y ecualizador como una voz única con personalidad propia. Al aprender cómo reacciona cada uno a los transitorios y al tono, ha creado una colección de herramientas de confianza que le permiten mezclar con mayor rapidez y seguridad.
Para él, Plugin Alliance representa ese equilibrio entre transparencia y actitud. Le ayuda a conservar la emoción de una interpretación sin renunciar al impacto de una producción moderna. Mientras Syndicate sigue ampliando el universo creativo de The Midnight, su enfoque se mantiene centrado en la claridad, el movimiento y la autenticidad.
